The Lone Freaker

Te fuiste...

2012-02-05T22:07:00.001+01:00

Te fuiste y me dejaste solo.

Ahora he de aprender a caminar sin ti, tú, que siempre fuiste mi mayor inspiración, el espejo donde siempre deseaba reflejarme y el apoyo que nunca me hizo desfallecer.

Fuiste mi amigo, mi cómplice, mi compañero imprescindible, en aquellas inolvidables sesiones de cine que tanto disfrutamos ("Gremlins" te encantó y Gizmo se convirtió en tu pequeño amuleto siempre vigilante en tu mesita de noche) y en esos largos paseos por las más recónditas librerías de Cádiz a la búsqueda y captura de los cómics más variopintos, tan difíciles de hallar en nuestra querida, vieja y pequeña ciudad... ¡Cómo nos gustaba hacer aquellas expediciones libreras, algunas veces satisfactorias y otras infructuosas, tras tomarnos un cafelito caliente en en nuestro local habitual! El café, los tebeos y el paseo por Cádiz... ¡Qué poco necesitábamos para disfrutar!

Tu cariño, tu protección, tu ayuda, constantes a lo largo de los años, sirvieron para fortalecerme, para saber que te tenía a mi lado en todo momento, fuera este positivo o negativo, y ello me servía para querer parecerme cada vez más a ti... No lo conseguí ni lo conseguiré nunca, porque jamás te llegaré a la altura de los zapatos. Sé que te defraudé alguna vez, pero también sé que otras te sentiste muy orgulloso de mí, por eso sé que poco antes de despedirte, cuando me dirigiste tus últimas palabras, tu amor hacia mí y hacia los que tanto te quisieron te permitiría irte en paz, a pesar del sufrimiento de los últimos días.

Ya no veré más películas contigo ni iré a comprar más cómics a tu lado, pero cada vez que me siente en una butaca, en un sillón, en una negra sala de cine, en el salón, o cuando entre en una librería dispuesto a hojear uno, dos o quince cómics, sé que tú, de algún modo, estarás presente, sonriendo como siempre lo hacías, asintiendo y realizando cualquier jocoso comentario... Sé que estarás vivo siempre dentro de mí, porque tú has sido principalmente el artífice de como soy y de como seguiré siendo.

A pesar de los incontables héroes de papel y de celuloide que con sus maravillosas historias tan buenos ratos me han hecho pasar a lo largo de más de tres décadas, en el fondo de mi corazón sé que tú eras mi verdadero héroe, porque tú nunca me abandonaste y porque, sencillamente, me lo diste todo.

Te quiero mucho, papá.

Descansa. Yo velaré siempre por ti.

La primera de todas fue “Los Vengadores” Volumen I de Forum (V)

2012-01-08T23:23:00.002+01:00

Recuperamos hoy esta cuasi-olvidada sección dedicada a mi etapa personal como coleccionista del volumen uno de “Los Vengadores” de Forum, la primera serie de superhéroes que empecé a adquirir de manera regular y rigurosa… Ya hace tiempo que tenía enormes deseos de proseguirla, pero siempre surgía alguna entrada prioritaria centrada en algún tema diametralmente opuesto, postergando una y otra vez su continuación… Con este post, dicha continuidad se ve por fin materializada, satisfaciendo ese anhelo al que antes hacía referencia, y enriquecido además con el grato hecho de comprobar por el blog que las entradas anteriores dedicadas a mis vivencias particulares como lector de aquella añeja serie de “Los Vengadores” están gozando de cierta popularidad entre vosotros, por lo que no puedo dejar de daros las gracias.

En el nº 11 de “Los Vengadores” de Forum finaliza la confrontación del supergrupo con el Hombre Absorbente, un villano que esta ocasión lo único que desea es encontrar una ansiada paz en algún rincón perdido del globo, y si dicha paz se ve aderezada con compañía femenina, aunque sea obligada, mejor. Por ello, pretenderá huir en un buque que parte del puerto de Nueva York, pero el grupo liderado por el sempiterno Capitán América tras una baja eventual del Hombre de Hierro, no le pondrá las cosas fáciles a Carl Creel, el mencionado Hombre Absorbente, ni éste a los superhéroes, claro, que contarán ya en esta aventura con la anecdótica participación de El Halcón, antiguo colega del Capi y nueva incorporación al equipo tras la obligatoria reestructuración al que le somete el enlace de la Seguridad Nacional Henry Peter Grych; una incorporación que no verá con muy buenos ojos el inefable Ojo de Halcón, quien considerará al héroe afroamericano de ser el total responsable de su situación como “parado” o vengador inactivo.

En la segunda parte del ejemplar comienza una singular aventura que llevará al equipo de los Vengadores hasta los más recónditos parajes de la Europa más profunda: la anacrónica y misteriosa región de Transia, donde se alza la mítica montaña de Wundagore.

A dicho lugar acuden Pietro y Wanda (aún apellidados) Frank, en busca de sus verdaderos orígenes, en compañía del que fuera su padre adoptivo, el viejo gitano Django Maximoff, unos orígenes oscuros y velados que el nigromante Modred se ofrece a desvelárselos a una sorprendida Bruja Escarlata a la que visita en sus habitaciones en mitad de la noche.

Una confiada Wanda accede a acompañarle, tan sólo para caer en una burda trampa perpetrada por aquél que no es otra cosa que el umbral de un ritual en el que la Bruja Escarlata se convierte en una parte muy importante del mismo, dado que su cuerpo servirá como anfitrión a una entidad demoniaca que ha estado pendiente de ella y de la evolución de sus poderes mutantes desde el mismo momento de su nacimiento: Chthon.

Quizás sea esta una de las primeras ocasiones (si no la primera), esta vez de mano de David Michelinie a los guiones y el siempre soberbio John Byrne (mi dibujante favorito de siempre, aún ahora) a los lápices, en que la Bruja Escarlata se convierte en objetivo constante por parte de los autores de Marvel para manipular en aventuras posteriores hasta lo indecible, sometiendo así a la mutante a radicales cambios en su carácter y motivaciones, siempre inclinándolos, como no podía ser de otro modo, a la más pura maldad… El mismo Byrne, al hacerse cargo de “West Coast Avengers”, transformará de nuevo a Wanda en una entidad por completo corrompida y más recientemente, en la saga “Dinastía de M”, la mutante, sumida en una completa locura, hace uso de sus poderes para cambiar por completo la realidad del Universo Marvel, llevándose incluso por delante a algunos de sus camaradas Vengadores… Es en suma, un personaje al parecer propenso a sufrir mil y una alteraciones por determinados guionistas y dibujantes, los cuales, en diversas etapas y a lo largo de los años, han cogido el “gustillo” de hacer sufrir a la pobre Wanda.

Pero antes de que entren en acción de manera irremediable los Héroes más poderosos de la Tierra en ayuda de su poseída compañera, Pietro intentará rescatar por iniciativa propia a su hermana, fracasando en el intento. No obstante, su infructuosa acción le servirá para conocer a Bova, una mujer-vaca manipulada genéticamente por el Gran Evolucionador en la ya derruida montaña de Wundagore… Bova confiesa a Pietro una sorprendente revelación: ella ayudó a su hermana y a él a venir al mundo.

Michelinie, en esta aventura, recurre a numerosos flash-backs, tanto para narrar de manera un tanto confusa la historia del demonio Chthon, como los mismos orígenes de Pietro y Wanda, que son narrados por Bova a un estupefacto Mercurio. Así, la mujer-vaca le cuenta al mutante que su verdadera madre acudió a Wundagore a pedir ayuda para poder tener allí a sus gemelos, con el fin de alejar a los niños de su verdadero padre, un extraño personaje, que según narra Bova, sus extraños poderes le habían llevado a desear la conquista del mundo (a estas alturas, ya sabemos a qué “personaje” se estaba refiriendo la extraña comadrona, ¿verdad?). Pietro y Wanda nacen en Wundagore, pero su madre desaparece… Es entonces cuando se decide buscarles unos padres alternativos a los niños y, tras un primer rechazo del que será después su padre “oficial”, el Zumbador, el Gran Evolucionador cede los gemelos a los gitanos Maximoff.

Sin embargo, Chthon por aquel entonces ya tenía otros planes para Wanda, planes que se ven colmados en el presente, al dominar por completo el cuerpo de la joven sin que sus camaradas, que acuden a instancias de Pietro, puedan hacer nada para evitarlo… Será un simple personaje el que marcará la diferencia en esta historia, derrotando al ingente mal de Chthon y devolviendo así a la normalidad a la Bruja Escarlata.

Un Byrne en su apogeo nos ilustra una emotiva historia, lastrada quizás, como decía antes, por unos flash-backs densos y poco esclarecedores (al menos en el caso de Chthon) que perjudican notablemente la conclusión de una aventura atrapada en un conjunto limitado de páginas (ya se sabe: los consabidos plazos de entrega y una política férrea por parte del editor de entonces, Jim Shooter) y que hubiera necesitado por tanto, al menos de otro ejemplar para enriquecer aún más este primer acercamiento a los verdaderos orígenes de Pietro y Wanda Maximoff.

Continuará…

"La Historieta": aquel efímero programa de TVE dedicado al cómic

2012-01-03T13:05:00.002+01:00

Quizás algunos de vosotros, oriundos de la vieja piel de toro, que os acercáis de modo habitual o esporádico a este blog y que, como el que suscribe, rondais ya la cuarentena, la sobrepasais o bien os acercais temerosamente a ella, recuerde cierto programa de televisión española que se emitió allá por 1984 en las tardes de los miércoles, creo recordar que por la primera cadena -aunque no descarto del todo la segunda; en este punto la memoria ya no me es tan eficiente-... El susodicho programa llevó por título "La Historieta" y, por increíble que parezca, se dedicaba a reflejar aspectos del cómic, tanto nacional como foráneo, desde varios ángulos y opiniones. Una de las secciones de que constaba se encargaba de realizar meras reseñas de determinadas novedades que aparecían supuestamente en las fechas en que tal o cual programa era emitido, y es gracias a un momento concreto de este apartado del programa que este se mantiene vivo en mis más gratos recuerdos infantiles y puedo hablaros, aunque sea de modo muy sucinto, del mismo. Además, es posible que este post sea hasta el momento el único que hace alusión a este programa, ya que antes de escribir esta entrada he comprobado vía Internet que no hay referencias de ningún tipo a "La Historieta" como programa ochentero de TVE.

Este momento concreto de la sección de novedades al que me refería unas líneas más arriba fue cuando la chica que conducía el programa (ni idea del nombre), ante una tosca emulación de un kiosco que mostraba los cómics colgando del exterior, informaba escuetamente de algunas publicaciones destacadas salidas a la venta... Aquel día, entre otras, la presentadora comentó el número 9 de la colección "Aventuras Bizarras", cuya portada ya me cautivó por siempre, puesto que estaba engalanada por un héroe que había descubierto unos meses atrás gracias a un retapado de los primeros cinco números de la serie que Surco -y que os prometo que un día hablaré de ellos- dedicó al mismo: el Caballero Luna, y que desde ese primer encuentro ya se convirtió en uno de mis superhéroes favoritos (por mucha copia marveliana de Batman que sea :D).

La portada me fascinó desde un primer momento, como digo (hay que reconocer que a día de hoy sigue siendo francamente espectacular) y el ejemplar que adornaba se convirtió en obsesionante objetivo de compra para aquel niño de doce años... Me pateé todas las librerías y puestos de prensa que conocía en Cádiz, sobre todo en el casco antiguo, pero no tuve suerte, y al final ese infantil anhelo quedó sumido, como tantos otros, en el mar inmenso de anécdotas con el que los aficionados al cómic, creo yo, hemos ido construyendo con el paso de los años los cimientos de nuestra afición.

"Aventuras Bizarras", para el que no lo sepa, fue una serie que publicó Forum en su primera época, allá por 1983, cuando las revistas de cómics aún tenían algo que decir en este país... Así, siguiendo los parámetros típicos de estas, se publicó en blanco y negro, y su contenido se nutría de material procedente de los magazines Bizarre Adventures, Marvel Preview y Epic Illustrated, todas, claro, editadas por Marvel, aunque este hecho no significaba necesariamente que Aventuras Bizarras estuviera exclusivamente dedicada a los superhéroes, ya que también se publicaron historias de corte fantástico, terror o ciencia-ficción, casi siempre enmarcadas bajo un tono más adulto que el que nos proporcionaba los comic-books. La colección se compuso de quince ejemplares, y cada uno de ellos se centraba en un tema o personaje a través de la recopilación de diversas historias, contando también con algún que otro número monográfico.

Autores de la talla de Paul Gulacy, Marshall Rogers, John Buscema, Gene Colan, Frank Miller, John Byrne, Howard Chaykin y tantos otros dejaron su impronta en la colección. Entre los personajes más conocidos de Marvel que aparecieron por sus páginas, además del mencionado Caballero Luna, están La Patrulla-X, el Castigador, La Viuda Negra, Thor y otros menos populares.

Curiosamente, nunca compré un número de "Aventuras Bizarras". Por aquel entonces mi búsqueda se centró tan sólo en aquel ejemplar anunciado en "La Historieta" y la curiosidad no pasó de allí, pero estoy convencido de que la calidad de la serie fue más que indiscutible (por eso cerró tan pronto :D) y no estaría de más revisitarla para corroborar esto.

Ignoro cuánto tiempo esuvo en antena "La Historieta", pero no creo que fuera mucho. El experimento fue realmente grato para aquellos que ya por esos años empezábamos a comprar cómics "en serio", pero resulta evidente que pronto nos quedamos huérfanos de ese efímero programa que consideramos un poco "nuestro", puesto que de forma tan innovadora y amena se dedicó a difundir nuestra principal inquietud... Curiosamente, nunca ha vuelto a haber más, al menos en la tele nacional, ningún programa orientado al mundo del cómic... Creo que ya va siendo hora de que esto cambie, ¿no?

¡¡Feliz año 2012 con TODOS los superhéroes!!

2011-12-31T13:50:00.005+01:00

Amigos lectores, os deseo de corazón que tengáis una feliz entrada de año y que 2012 se porte con vosotros algo mejor de lo que lo ha hecho este 2011 al que ya le quedan escasas horas.

Y para terminar bien, os dejo un fantástico vídeo tributo que homenajea todas las adaptaciones cinematográficas que han tenido tanto personajes de DC como de Marvel desde el 2001 hasta este año que hoy fenece, aderezado bajo los acordes de "Everything burns", el tema principal de los 4F interpretado por la simpar, única, excepcional -y simplemente la mejor- Anastacia... Que lo disfrutéis.

"All Star Western": DC reinventa -una vez más- a Jonah Hex

2011-12-30T18:33:00.001+01:00

De entre todos los prometedores 52 títulos del famoso "reboot" de DC de septiembre (algunos de los cuales ya han quedado meramente en eso, en prometedores), ha habido uno que me ha llamado especialmente la atención, en principio sobre todo porque su cabecera no portaba el nombre de ningún famoso superhéroe o grupo de estos de la editorial, sino que aludía a un género al que le tengo una especial debilidad, el western... Con esta simple y suficiente carta de presentación, no he podido evitar enfrascarme en la lectura del primer ejemplar de esta -ahora lo sé- tercera revisitación de un título clásico de DC Comics que dio inicio, como no podía ser de otro modo, durante la Edad de Plata, en 1951.

Este nuevo volumen de "All Star Western" supone una nueva apuesta por parte de DC hacia el definitivo afianzamiento de su anti-héroe de dicho género por excelencia: Jonah Hex, el cazarrecompensas.. Es notorio el interés de DC por dicho personaje, hasta el punto de que en el 2010 la dueña de la editorial, Warner Bros., le concedió el protagonismo absoluto de una ambiciosa producción cinematográfica que, aun encabezada por nombres muy populares, se hundió en el más puro ostracismo dada su indiscutible mediocridad (en este blog precisamente se hizo una reseña de la misma... Buscadla, buscadla :D).

Hex ha conocido varios relanzamientos, uno incluso bajo el sello adulto de DC, Vertigo, pero su consolidación real llegó de la mano de Justin Gray y Jimmy Palmiotti en el 2005 a través de una longeva serie de sesenta números en los que, dentro de la continuidad del universo DC, las historias gozaron de un trasfondo más adulto y real. Con el "reseteo" de toda la línea editorial, el cómic "Jonah Hex" también experimentaba un contundente reinicio; además de volver al número 1, se recuperaba el mítico encabezamiento de un título clásico de DC donde precisamente el personaje debutó en 1972 y en el que ahora los mismos autores del título anterior, con la colaboración de Moritat en el apartado gráfico, pretendían explorar con el personaje nuevas vertientes en su azarosa vida... Por ello, trasladan a Hex desde las llanuras del salvaje Oeste a una ubicación tremendamente familiar para cualquier lector de cómics de superhéroes: la ciudad de Gotham, hace 130 años.

Una decimonómica versión muy similar de la ciudad de Batman ya se nos fue presentada a finales de los ochenta con el primer título de la línea Elsewords (que mostraba mundos e historias alternativas de los héroes de DC) "Gotham: Gaslight", obra del inefable Mike Mignola. Curiosamente, este primer número de "All Star Western" presenta una premisa asímismo paralela a la de aquella "ficticia" aventura de Batman: Hex llega a la incipiente ciudad a instancias de las autoridades policiales con el fin de que les ayude en el descubrimiento y detención de un maniaco homicida que está asesinando a las prostitutas de Gotham... No estará solo en sus pesquisas, empero... A pesar de su inicial oposición, contará con la colaboración del que será el fundador del Asilo Arkham, Amadeus Arkham, un notable psiquiatra de la ciudad, a través de cuyos análisis sobre la personalidad, motivaciones y poco ortodoxos métodos de Hex para lograr sus propósitos, de los que será atónito testigo, el lector, ya sea veterano o neófito, dispondrá de una curiosa versión de los orígenes del cazarrecompensas.

Moriatat, con un grafismo de sombras y luces en pugna constante, que Gabriel Bautista adereza además con un cromatismo mortecino, nos muestra los inicios de una Gotham sobrecogedora, pesimista, tenebrosa... Un verdadero e idóneo umbral para las futuras aventuras del que será su héroe más famoso, pero que en el ocaso del siglo diecinueve se convierte en el escenario inédito del más abigarrado pistolero de DC.

La temática, la ambientación, los protagonistas (a destacar el profuso detallismo y complejidad que los autores imprimen en Amadeus Arkham) hacen de "All Star Western" una lectura ídónea y recomendable para todo aquel que desee alejarse de la todopoderosamente arraigada etiqueta superheroica y pretenda sumergirse así en el mundo barroco, oculto e inexplorado de una naciente Gotham a través del deforme rostro de Jonah Hex... Una interesante propuesta de la nueva DC que, de seguir por esta línea, merece sin duda una prolongada trayectoria editorial.

“Batman” (1943)

2011-12-27T22:39:00.006+01:00

Este serial de quince capítulos producido por Columbia supuso la primera aparición en la pantalla grande del personaje que creara el dibujante Bob Kane cuatro años antes. Dado que su filmación se produce en plena inmersión de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, queda patente a lo largo de todo el mismo el enrarecido clima anti-nipón que por aquellas fechas dominaba al país, sumido en su particular conflicto con el Imperio del Sol Naciente. Así, resulta muy curioso ver en este serial cómo Batman (interpretado por un joven Lewis Wilson) y Robin (Douglas Croft, con sólo dieciséis años) abandonan su habitual labor de combatientes contra el crimen urbano para convertirse en improvisados agentes secretos del Gobierno americano, cuya principal misión es la de desbaratar los siniestros planes del misterioso Dr. Daka (J. Carrol Naish), un científico japonés de nula expresividad facial y entonación monocorde que lidera una especie de quinta columna en el corazón de Gotham City. Daka maquina sembrar la destrucción por todo EEUU a través de una poderosa arma alimentada con radio, a la vez que se vale de cobayas humanas para convertirlas en esclavos sin voluntad o zombies gracias a una máquina de su invención.

Como es habitual en este tipo de producciones, el serial dedicado a Batman se nutre fundamentalmente de incontables situaciones tópicas –incluyendo por supuesto los finales con alto suspense, elemento clave e imprescindible de cualquier serial- y guiones mal hilvanados, donde la improvisación juega un papel primordial con el fin de que la acción se desarrolle del modo más conveniente para los protagonistas. Por otra parte, el hecho de que adoleciera de un presupuesto ínfimo no ayuda para nada a la producción, que cae continuamente en momentos ridículos y por tanto resueltos con poca brillantez… El escaso capital destinado a “Batman” se refleja en todo momento, desde los disfraces de los héroes, francamente espantosos incluso para la época (Batman luce una máscara de cuernos torcidos y una capa cortísima y en exceso molesta, que debe echarse continuamente para atrás en plena lucha), pasando por el famoso escondrijo del enmascarado, la Batcueva (una mera habitación de cartón piedra con murciélagos de goma que cuelgan del techo), hasta el hecho de que deba ser el mismísimo Alfred el que lleve a los héroes en plena limusina por las calles de Gotham al corazón de la acción, dado que el Batmóvil queda por completo obviado… Esto, que como decía antes forma parte básica del cúmulo de situaciones ridículas presentes en los quince capítulos del serial, permite paradójicamente que el mayordomo de Bruce Wayne se convierta quizás en el mejor secundario de toda la trama. William Astin, que encarna a Alfred, dota a este de un sutil sentido del humor, enriquecido con un marcado y encantador acento inglés, que lo aproxima indudablemente a la idiosincrasia original del personaje del cómic. Alfred se convierte de este modo en un valioso aliado de su señor y del ayudante de este, corriendo en ocasiones hasta un elevado riesgo personal con tal de ayudar al Hombre Murciélago a conseguir sus propósitos, algo que, dada la innata torpeza con la que los guionistas imprimen al personaje en este serial, le hubiera resultado imposible culminar en solitario.

Y es que este primerizo Batman cinematográfico es un negligente luchador en el cuerpo a cuerpo, tal como sucede con su joven ayudante… Las peleas acaecidas en el serial son tan sólo una sucesión de automáticos puñetazos entre los enmascarados y sus oponentes… Nada que ver con las excelentes luchas coreografiadas de otros seriales como “Spy Smasher”, por ejemplo, y en muchos de estos toscos combates, por tanto, es Batman el derrotado sin derrochar un excesivo esfuerzo sus enemigos; una derrota, o derrotas parciales, que desembocan en numerosas ocasiones a lo largo del serial con los finales “clifhanger” de cada uno de sus episodios, en que la vida del héroe queda en vilo hasta la siguiente semana.

Pues a pesar de todo lo mencionado arriba, a pesar de sus múltiples defectos, “Batman”, sorprendentemente, es un serial que se ve con agrado si el espectador deja a un lado la meticulosidad o la exigencia –por otra parte lógicas- de estos tiempos y toma plena consciencia del producto que va a ver, con todo lo que esto conlleva, ya sea positivo o negativo. “Batman”, como ya se ha dicho, no es un gran serial, e incluso para la época en que se realizó puede resultar insulso, pero es indudable que permanece como notoria (amén de primera) curiosidad cinematográfica dedicada a uno de los grandes iconos del cómic norteamericano y mundial, y esa es sin duda su principal baza. Después de esto… Bueno, cada cual puede sacar sus propias conclusiones y extraer todo lo bueno que desee de dicha producción. En mi caso, he de confesar que me supera el sabor añejo de esta (años cuarenta) y el género en que se enmarca (el serial cinematográfico), uno de mis favoritos y propio de una época concreta más sencilla e ilusionante… Con estos dos aspectos esgrimidos no sin cierta candidez (y bajo una ola irrefrenable de nostalgia, lo reconozco), considero que “Batman” de 1943 es algo que merece la pena verse siempre que uno lo haga exento de complejos y anhele pasar un buen rato sumido en un mundo ya desaparecido donde la ingenuidad y el idealismo abarrotaban los sueños de aquellos que disfrutaban embelesados de ese glorioso cine en blanco y negro… Un cine maravilloso e imperecedero que aún hoy día, por suerte, nos sigue cautivando a unos pocos.

¡Feliz Navidad!

2011-12-24T00:26:00.000+01:00

En vísperas de Nochebuena, "The Lone Freaker" desea a todos sus lectores de cualquier rincón del mundo que tengan unas felices Fiestas y un próspero año 2012 en compañía de lo más valioso que puede darnos la vida: los seres más queridos o estimados.

Pasadlo bien, comed hasta hartaros, leed muchos cómics y ved muchas series y películas (frikis, claro :D) en estas fiestas... Pero también os pediría que os acordarais un poquito de los que no son tan afortunados y pongamos algo de nuestra parte para que ellos también tengan unas Navidades mínimamente felices.

Sed buenos, Kemo-Sabes.

FELICES FIESTAS/BONES FESTES/MERRY CHRISTMAS

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (IX)... Y la DC de entonces (V)

2011-12-22T20:52:00.006+01:00

¿Pensábais que me había olvidado de esta sección? ¡Pues no! La verdad es que hacía mucho tiempo que deseaba recuperarla y hoy por fin se ha producido dicha oportunidad, como también recuperaré en breve otra ambicioso apartado que inicié y que aún no he concluido (cosa que haré en breve): la dedicada a narrar mi personal trayectoria con el volumen I de Los Vengadores de Forum.

Pero hoy nos centraremos de nuevo en la mítica serie de Dell Comics de los años cincuenta dedicada al Llanero Solitario a partir de que sus portadas fueran engalanadas con maravillosas fotografías del siempre gran Clayton Moore... Con fecha de portada de junio de 1958 salía a la venta el ejemplar 120 de "The Lone Ranger" de Dell, y debo reconocer que la cubierta de este número es sencillamente genial: el manifiesto gesto de cirunspección que muestra Moore en esta foto, mirando directamente al lector, revela sin duda la principal característica del personaje que interpreta: su firme dedicación a hacer cumplir la ley, y esto es lo que se dispone a hacer el enmascarado en esta instantánea sin ninguna duda.

Este cómic, como ya venía siendo habitual desde los números anteriores, contaba con tres aventuras del Llanero Solitario: "The Fence War", "The Wagon Train Ambush," y "The Fanned Six-Gun". Young Hawk continúa siendo el héroe de complemento por excelencia del clásico tebeo, y una aventura en narrativa de una única página, "Gun Shy" clausuraba el cómic que mantenía un precio de diez centavos.

Asímismo, con fecha de junio/julio de 1958 (pero puesto a la venta un par de meses antes aproximadamente) en los quioscos y puestos de periódicos estadounidenses los jóvenes lectores podían hallar el número 18 de la hoy legendaria colección "The Brave and the Bold", en un tiempo en el que aún Batman no había asumido el control casi absoluto de la serie a través de aventuras con las que compartía protagonismo con algún otro célebre personaje de DC (es por ello que con posterioridad se tituló "Batman: The Brave and the Bold"). Este número 18 queda aderezado por una fantástica cubierta obra de Irv Novick a los lápices y Jack Adler en las labores de entintado, y que nos alude irremisiblemente a muchas portadas de los cuadernillos clásicos de aventuras españoles, dado que el tema medieval, aquí presente, era una constante en estos. El protagonista de la cubierta es precisamente un héroe medieval de la DC de la Edad de Plata, el Caballero Silencioso, llamado así porque entablaba combate sin pronunciar palabra. El tema de su aventura en este ejemplar, "The Double Decoy", queda perfectamente reflejado en dicha portada.

El segundo protagonista del número en cuestión es otro gran personaje medieval de DC, el Príncipe Vikingo (The Viking Prince), con la historia "Threat of the Ice King", aventura que contó con el maravilloso trazo del maestro Joe Kubert, a su vez creador gráfico de este personaje.

Trailer subtitulado en español de "The Dark Knight Rises"

2011-12-20T00:55:00.000+01:00

El amigo Rafa me envía un enlace sobre el segundo tráiler subtitulado en español de "El Caballero de la Noche asciende" (¿¿en serio??).

"Flash Gordon: The Greatest Adventure of All"

2011-12-17T13:31:00.004+01:00

Este post ha sido posible gracias a la valiosa aportación del amigo y paisano Rafael García González, con cuyos interesantes apuntes y documentación se ha redactado fundamentalmente.

Estoy casi convencido de que muchos de los "frikis" que os acercáis a este humilde blog y que rondaís casi, casi la cuarentena (como este que os escribe :D), guardais un grato recuerdo de una serie de dibujos animados que nos encandiló durante una -al menos para mí- brevísima temporada en las mañanas de los sábados; lo cierto es que fue pionera en muchos aspectos (la singular técnica de animación de la que gozó no se había visto hasta el momento), llegando a ser una evidente fuente de inspiración para otros proyectos que surgieron a posteriori (y muy queridos por nosotros... ¿Os acordais, por ejemplo, de "Ulises 31"?) y de modo irrefuntable, marcó toda una época, hasta el punto de que, a día de hoy, sigue siendo muy valorada y recordada... Me estoy refiriendo al "Flash Gordon" de Filmation.

Sin embargo, es poco conocido el hecho de que esta serie no fue la primera opción de dicha compañía para adaptar al héroe de Alex Raymond al campo animado... Antes de eso, surgió otra iniciativa igualmente interesante que en sus inicios no llegó a ver la luz y que es precisamente la fuente primordial donde se originan las cualidades artísticas del programa que nosotros recordamos.

El tremendo éxito que supuso "Star Wars" en 1977 -la cual, irónicamente, se inspira en "Flash Gordon" y en los seriales de los años treinta protagonizados por Buster Crabbe-convirtió en aquel momento a la space opera en un género a explotar por infinidad de proyectos, pero sin duda los que gozan de mayor preferencia entre los responsables de ciertas productoras son aquellos que traen de nuevo a la actualidad al mejor héroe del género.

Es por ello que Dino De Laurentiis decide aprovechar sus derechos adquiridos sobre Flash Gordon, y a finales de los setenta su compañía inicia los preparativos de un ambicioso film en imagen real, el cual se estrena finalmente en 1980 con un desconocido Sam J. Jones en el papel protagonista y aderezado por una fastuosa banda sonora compuesta por Queen (hoy día lo más recordado de la cinta), y por otro lado, la NBC encarga a Filmation -que ya empezaba a despuntar por la calidad inherente de sus productos-un largometraje animado.

La Filmation, del mismo modo que Laurentiis (pero salvando las distancias, claro), dedica un presupuesto y medios generosos para sus estándares con el fin de materializar el proyecto. Así, se lleva a cabo un rodaje que incluye escenas con maquetas y actores reales, sobre los que se dibuja encima la animación mediante rotoscopio, para conseguir un movimiento más fluido y creíble.

La película, que porta el ostentoso título de "Flash Gordon: The Greatest Adventure Of All", no supera la preview por parte de sus productores y ejecutivos, que deciden no lanzar el largometraje y en su lugar optan por desarrollar una serie de animación para que sea emitida en las mañanas de los sábados. Este film, empero, no es desechado del todo; Filmation usará parte del mismo (así como la banda sonora) para la nueva serie, al tiempo que se producirá metraje nuevo -y de inferior calidad- ya para el show de televisión... El que sea buen observador, detectará en este qué partes corresponden al largo original y cuáles son las creadas expresamente para la serie; los fragmentos realizados con posterioridad adolecen de una mayor tosquedad en el trazo de los personajes y la animación de la que se les dota no goza del nivel del film primerizo, el cual queda inédito hasta 1982, en que se decide por fin su emisión.

La afortunada audiencia que disfrutara en primera instancia de este estreno televisivo quedaría sin duda gratamente sorprendida por el tono más adulto que caracteriza a este curioso Flash Gordon de la Filmation (ello puede ser debido a que las labores de guionista corrieron a cargo de Samuel A. Peeples, escritor haibtual de la serie original de Star Trek). Ya su misma introducción es netamente interesante, por la originalidad imbuida en la misma, extendible al mismo film: la historia arranca en plena Segunda Guerra Mundial, con los implacables bombardeos de los Stukas nazis sobre Polonia al tiempo que incontables meteoritos incendarios procedentes del espacio azotan toda la tierra; en medio de tanta destrucción, somos testigos del rapto de Gordon y Dale por Zarkov en un imponente cohete de su invención (como sucede en la trama original del cómic de Raymond) y como estos, en su azaroso peregrinaje a Mongo, descubren, entre otros portentos, la ciudad flotante del príncipe Vultan; incluso asistiremos a un terrible descubrimiento: que Adolf Hitler es en realidad una marioneta de Ming y que las bombas alemanas V1 y V2, con la que castigaron sobre todo el suelo britántico, son en realidad regalos del sátrapa de Mongo al dictador terráqueo.

Vista en la actualidad (donde la tecnología avanza a pasos agigantados) es posible que la animación pueda resultar un tanto rudimentaria y burda para el espectador de ahora, pero por otro lado es innegable que en su momento se aplicaron amplios y ultimísimos recursos para su realización, alcanzando así esta un nivel semejante al mostrado en títulos cinematográficos de finales de los setenta y principios de los ochenta como la versión animada (e incompleta) de "El Señor de Los Anillos" o "Tygra": Hielo y Fuego", con el relativo obstáculo de que se trataba, al contrario que los mencionados, de un film creado para televisión.

Para todos aquellos que estéis interesados, Youtube nos facilita su visionado a través de nueve entregas (también hay una opción para verla íntegra)... Están en inglés, por supuesto, pero con un dominio básico de esta lengua, la comprensión de la trama es bastante alta.

Aquí os dejo la primera (al finalizar tendréis acceso a las siguientes), deseando que os guste tanto como a mí:

"Green Lantern: Caballeros Esmeralda"

2011-12-11T22:46:00.001+01:00

Bueno, pues he decirlo por enésima vez: DC lo BORDA en cuanto a películas de animación, ésa es la rotunda verdad, y por si quedaba alguna duda, otra vez estamos frente a un gran ejemplo de calidad, cuidado, dedicación y profesionalidad que en los últimos tiempos, a través de un ingente y variado equipo de responsables, DC y Warner, Warner y DC, están implantando en este tipo de productos.

Este film supuso en realidad la antesala de la película de imagen real que se estrenó en los cines este pasado verano con desigual fortuna; si en esta toda la historia giraba alrededor del Green Lantern más famoso, Hal Jordan, en este sucedáneo animado los protagonistas son en realidad sus compañeros en el variopinto cuerpo espacial intergaláctico, los Green Lantern Corps.

Mediante el empleo de un hilo narrativo común (una inquietante y misteriosa amenaza sobre el planeta Oa que obliga a los Green Lantern a abandonar el planeta y planificar el contraataque), Hal Jordan toma las funciones de improvisado cronista de cinco historias independientes centradas en cinco Green Lanterns de diferentes épocas y características asimismo dispares: el primer Linterna Verde, Abin Sur, Laira, Killowog y Mogo. Una primeriza agente del Cuerpo al cargo de Jordan es la receptora de cada una de estas historias, de las que extraerá importantes conclusiones para su propia toma de decisiones.

La animación, tal como sucedía en casos anteriores, vuelve a gozar de un nivel altísimo, con la particularidad añadida en GL:CE de poseer esta una importante homogeneidad a pesar de que cada historia cuenta con un equipo artístico distinto. La película posee grandes dosis de emoción, que concurre a través de una sólida épica tan imprescindible en una cinta de sus características (enriquecida aquella con la excepcional banda sonora de Christopher Drake), pero también aderezada por la emotiva camaradería entre los miembros del Cuerpo, la cual queda perfectamente reflejada tanto en cada uno de los cinco episodios como en la historia central, conformando tanto unos como otra un todo compacto y bien construido, como ha de ser en las mejores películas, sean o no de animación.

Lo cierto es que GL:CE me ha gustado incluso mucho más que “Batman: Año Uno”, y la razón es obvia: el universo tan rico y diverso de los Green Lantern me es mucho más desconocido que aquella historia tan fundamental del Señor de la Noche, por eso la he disfrutado muchísimo más, y por eso la recomiendo encarecidamente, te guste más o menos DC y este peculiar sub-universo suyo… La calidad no distingue de sellos ni competencias; esté donde esté, hay que alabarla y reconocerla, y en este film la hay de sobras.

El James Bond de Bruguera

2011-12-06T23:16:00.003+01:00

En las postrimerías de 1984, una ya moribunda Editorial Bruguera encauza la que puede ser su última iniciativa seria en el reducido pero no por ello poco competitivo mercado español de comics, tebeos y revistas, con objeto de mantener en el mismo el mísero hueco que aún le queda por aquel entonces. La preeminencia casi total de Planeta, que bajo su sello Forum publica un número cada vez mayor de colecciones de superhéroes Marvel, la incipiente Ediciones Zinco, que lanza unas primeras series realmente interesantes del Universo DC, y la aún presencia de las denominadas revistas para adultos (Cimoc, Zona 84,…), obligan a Bruguera, ya sumida en terribles problemas económicos, a gastar unos postreros y desesperados cartuchos que permitan atraer de nuevo el interés de un lector que, a excepción de personajes fetiche como Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape y derivados, de modo casi definitivo le ha dado la espalda.

Así, a finales de ese año Bruguera irrumpe en el mercado con una nueva línea de tebeos que con el título genérico de “Comics Bruguera” pretende aportar su granito de arena, imperioso por otra parte para la editorial, en un formato que cada vez goza de más favor entre el público afín a esas publicaciones (sobre todo el más joven): el comic-book, o dicho de otro modo, el tebeo que consta de un número determinado de páginas dedicadas en exclusiva (o casi) a un solo personaje.

La editorial edita en principio cinco títulos que abarcan casi todos los géneros preferentes –o al menos consideran sus responsables que lo son- en ese momento entre los lectores: “Manos, Guerrero Indómito” (espada y brujería), “Buffalo Bill” (western), “Jan Europa” (fantástico), “Tex Norton” (acción ) y “Alucine” (suspense y terror).

Estos cómics, a excepción de “Jan Europa”, procedían de la editorial alemana Bastei Verlag, que suministraba el material a Bruguera a través de agencia, aunque frecuentemente las historias que contenían eran complementadas con otras procedentes del fondo de la malograda editorial barcelonesa; originalmente publicadas en blanco y negro, Bruguera las manipuló en su edición española haciendo uso de su nefasto sistema mecánico de color, lo cual no hizo otra cosa que empobrecer aún más la ya de por sí escasísima calidad de estos tebeos.

“Jan Europa” sí fue una aportación de la propia Bruguera. Se trataba de una creación del historietista Edmond para la revista “Mortadelo” en 1979 y que la editorial recuperó para esta nueva línea de cómics. En 2009 Glénat lo rescató del olvido a través de una nueva, íntegra y cuidada (pero también criticada) edición en blanco y negro y tapa dura.

La periodicidad de estos comics varió en función de la supuesta popularidad que debían alcanzar entre los lectores. De este modo, se le dio a “Manos”, un pastiche descaradísimo de Conan (llegando incluso sus autores a copiar literalmente viñetas de la versión de John Buscema del cimmerio), periodicidad semanal, por eso de estar en boga la espada y brujería; “Alucine”, “Tex Norton” y “Buffalo Bill” fueron quincenales, y “Jan Europa” mensual.

Lo más destacable de estos cómics, mediocres en líneas generales, fueron sin lugar a dudas las portadas, en la mayoría de las cuales tuvo mucho que ver el buen hacer del portadista oficial de la casa, Antonio Bernal, quien imprimió su talento en unas publicaciones a las que el lector se sentía irremediablemente atraído… Las cubiertas de “Manos”, “Alucine” y “Buffalo Bill” principalmente, fueron el verdadero acicate de unos tebeos cuyo contenido estaba a años luz de aquellas.

La duración de estas colecciones no fue muy prolongada. La evidente mediocridad de estas, pero sobre todo los mencionados problemas económicos de Bruguera, la cual con casi total seguridad padecería serias dificultades para conseguir los originales, provocó la cancelación de todas ellas de modo casi simultáneo; “Buffalo Bill”, “Alucine” y “Tex Norton” concluyeron en el número 11, en marzo de 1985. “Jan Europa” lo haría en el 10, un mes más tarde, y “Manos” cerraba también en abril en el número 23.

En mi caso particular, sólo las series de “Manos” y “Buffalo Bill” me inspiraron un cierto seguimiento… En aquellos tiempos el personaje de Conan estaba presente de un modo más o menos constante en mis lecturas, de modo que la curiosidad por esta copia tan innegable del cimmerio resultaba más que evidente , y el comprar un tebeo de “Buffalo Bill” suponía asimismo una acción del todo lógica, dada mi sempiterna afición al “western”.

Sin embargo, este frustrado pero curioso experimento de Bruguera aspiraría unos meses después de dar inicio, y antes de su definitiva cancelación, a una tímida expansión a través de un personaje muy conocido en casi todo el mundo y que por aquel entonces ya ejercía sobre el autor de estas líneas una considerable fascinación: James Bond, y fue precisamente en un tebeo de Bruguera de “Buffalo Bill” donde descubrí el lanzamiento de la serie dedicada al mismo.

Tras el disfrute en cine en 1983 de “Nunca digas nunca jamás”, protagonizada por Sean Connery –y curiosamente siendo una película “no oficial” de Bond- se puede decir que el agente secreto más famoso del mundo se asentó de modo definitivo entre mis personajes favoritos… Es por ello que, cuando vi en la contraportada de aquel ejemplar de “Buffalo Bill” (casi con toda seguridad el número 7, “Misión secreta”) la inclusión de un título dedicado a James Bond al lado de las otras cinco series de “Comics Bruguera”, no pude reprimir una gran alegría, hasta el punto de que podría afirmar categóricamente que aquel nuevo tebeo de James Bond se convirtió por aquel entonces en uno de los más deseados, si no el que más, de encontrar por aquel chaval de 12 años que ya empezaba a coleccionar comics más o menos en serio.

Lo cierto es que me volví loco buscando por todo Cádiz la susodicha colección, pero no hubo manera de hallarla desde sus inicios… Al final, conseguí el número 3 en una pequeña y escondida librería no muy lejos del que era mi domicilio –y que yo visitaba frecuentemente, dicho sea de paso- y paradójicamente, el número anterior lo adquirí unos meses más tarde en una estación de autobuses de Huelva. Por supuesto, ignoraba (la verdad es que lo he ignorado hasta hace bien poco) que la colección de Bond tan sólo se compuso de tres números.

En el caso concreto de Bond, su efímera colección (titulada “James Bond 007”) se nutrió de materiales procedentes de una editorial escandinava, Semic. Las historias, al igual que en los títulos mencionados con anterioridad, se publicaron originalmente en blanco y negro, dotándolas los talleres gráficos de Bruguera de un color mecánico realmente horrible –como horrible y mecánica fue igualmente la rotulación-, y tal como sucedió también con algunas de las series parejas a esta, las peripecias de Bond se complementaron con breves historias rescatadas del fondo de Bruguera y relacionadas con el género de espionaje.

Lo cierto es que, de las tres aventuras publicadas, ninguna merece una mención especial; el común denominador de todas ellas es una mediocridad insalvable que, de no ser por la identidad del protagonista, seguramente ahora estarían sumidas en el más puro ostracismo. La serie contó con unos autores prácticamente desconocidos en nuestro país: Sverre Arnes y Jack Sutter a los guiones y Ramón Escolano y Julio Bosch (este algo más famoso) a los lápices. Las portadas contaron, por suerte, con el buen hacer de Antonio Bernal, y es del todo irrefutable que son lo más destacado de la brevísima colección.

En las tres historias es justo reconocer que los autores se esforzaron por trasladar el entorno y ambiente, tan característicos en las películas del personaje, al papel, pero es evidente también que no lo consiguen, y al final la colección no pasa de ser una curiosa pero nada valiosa aportación al particular universo del héroe.

Como antes he mencionado, el primer número que cayó en mis manos de “James Bond 007” fue precisamente el último, titulado “Juicio Final”. Es curioso, pero es quizás el ejemplar más notable del terceto, tanto por una temática algo más próxima a lo que las películas de James Bond nos tiene acostumbrados, con un guión muchísimo más inspirado que el de las dos historias precedentes, como por el dibujo, donde Julio Bosch nos concede una versión gráfica de Bond mucho más próxima a la cinematográfica –sobre todo a la de Sean Connery- que la plasmada por Ramón Escolano, cuyo dibujo, en determinados momentos, es de un patetismo increíble, como patéticos, torpes y mal resolutivos son igualmente los guiones que acompañan los trazos de Escolano… Unas historias en suma que se leen, dado el desinterés que muestran, con suma rapidez y se olvidan con una rapidez aún mayor.

El cierre prácticamente paralelo de las series que englobaban “Comics Bruguera, Segunda Época” afectó de igual manera a “James Bond 007”, a pesar de dar comienzo unos meses más tarde que las otras. Es evidente que se trató de una decisión eminentemente empresarial y forzada por las circunstancias, puesto que con sólo tres ejemplares en el mercado era aún muy precipitado el dictaminar de un modo positivo o negativo las ventas de la colección. Sea como fuere, lo cierto es que “James Bond 007”, a pesar de su negligente factura y fugaz duración, nos trajo a este medio llamado cómic, por el que ya muchos estábamos irremisiblemente atrapados (y otros tantos desde mucho tiempo antes), al singular y siempre fascinante agente británico… Un James Bond que ya pugnaba en 1985 por un lugar destacado entre mis preferencias cinematográficas –estaba a punto de llegar “Panorama para matar”- y que una efímera colección de Bruguera quizás ayudó a consolidar.

P.D.: Muchas gracias a la base de datos de Tebeosfera, sin cuya imprescindible contribución no hubiera sido posible la elaboración de este “post”.

“Rip Kirby”: El legado de Alex Raymond

2011-11-30T23:48:00.004+01:00

“Rip Kirby” supone sin duda la culminación de Alex Raymond como artista; el celebrado autor gráfico de personajes tan famosos como “Flash Gordon”, “Jungle Jim” o “Agente secreto X-9” alcanzó con esta póstuma obra suya tales cotas de calidad en su dibujo, que ello le supuso, conjuntamente con la valiosa aportación concedida a sus anteriores trabajos, su consagración definitiva en el Olimpo de los artistas más grandes del cómic norteamericano de todos los tiempos.

“Rip Kirby” es hijo de su tiempo; representa la plasmación gráfica de una época, de un momento concreto, determinante para el desarrollo posterior que sufrió la sociedad norteamericana y su consiguiente hegemonía sobre Europa y el resto del mundo: el final de la Segunda Guerra Mundial. Y con él, el ineludible regreso de los veteranos al hogar.

Alex Raymond fue uno de esos veteranos, y dicha característica queda igualmente reflejada en su personaje; Rip Kirby es un oficial condecorado de la Guerra del Pacífico reconvertido a la vida civil en un singular detective privado, que compagina a partes iguales sus notables dotes periciales con sus extensos conocimientos en el campo científico.

“Rip Kirby” vio la luz como tira de prensa diaria en marzo de 1946, gozando casi de inmediato del favor popular. El glamour, propio del cine de Hollywood de la época, pero también la genuina sordidez del mejor género negro, se reflejan fielmente en los ambientes en que se desenvuelve Kirby y su elenco de personajes secundarios, imprescindible y enriquecedor este, por otra parte, para todo héroe de tebeo clásico que se precie.

Así, en el mundo de Rip Kirby goza de un elevado protagonismo Honey Dorian, modelo de profesión, segura de sí misma y plenamente desenvuelta; una chica atípica y por tanto alejada del canon femenino de las publicaciones de entonces. A pesar de que se la considera la novia de Kirby, lo cierto es que mantiene con este una relación ambigua y un tanto extraña, dotada de un cierto libertinaje que rompe moldes en aquel pensamiento puritano norteamericano de los cuarenta… No obstante esto, sí queda patente en el cómic un amor sincero de la chica hacia el detective, y prueba de ello es su constante y dialéctica confrontación con otras pretendientes del corazón de Kirby, sobre todo la que entabla con alguna que otra femme fatale a la que el protagonista ayuda a volver al buen camino.

A Kirby le ayuda en sus pesquisas su siempre fiel mayordomo Desmond, un antiguo delincuente que la injerencia de Kirby le permitirá abandonar su luctuosa vida; de talle espigado, sumamente formal y por completo dispuesto a lo que dicte su jefe, Desmond introducirá asimismo una leve nota de humor a las peripecias del detective y su personalidad es, a mi juicio, muy similar (y por tanto posiblemente influenciada) tanto en físico como en carácter a la del mayordomo Alfred del primer serial cinematográfico dedicado a Batman, producido tres años antes (y que gozará de próximo comentario en este blog).

No obstante ser su protagonista un detective privado que resuelve a priori conspiraciones misteriosas y casos enrevesados, lo cierto es que “Rip Kirby” para nada es un cómic policiaco en el estricto sentido del término. Las historias de Rip Kirby apenas se centran en una resolución exhaustiva de tramas a través de pistas o pruebas que conducen a un criminal; es más, en los casos con características más plenamente detectivescas (al menos, los incluidos en el primer volumen de la colección que dedicó Planeta al personaje a finales del 2004), Raymond, que también fue el guionista en los orígenes de esta tira diaria, utiliza el típico recurso de incluir elementos oportunistas, que surgen posteriormente al inicio de la investigación en sí, con el fin de “facilitar” el trabajo al protagonista, que de este modo halla, gracias al azar, a la casualidad o a la aparición de datos fortuitos en la intriga por conveniencia del autor, y no debido a su sagacidad, el detalle adecuado que le permite desentrañar el misterio.

Por todo ello, es más correcto a mi juicio afirmar que Rip Kirby es un cómic de aventuras, con un tono policiaco de trasfondo, pero que no se ciñe rigurosamente a las características propias de dicho género, sino que sus peripecias gozan de elementos similares a los que nutren las historias de otros personajes alejados del ambiente en que Kirby se desenvuelve, elementos que, en suma, son universales e igualmente válidos tanto para aventuras en el espacio, en la jungla africana o las calles de Nueva York: acción a raudales, necesaria tensión, un elevado suspense, notas imprescindibles de humor, camaradería sin concesiones, enemigos implacables y, por supuesto, una leve pero importante dosis de romance.

El estilo que Raymond implanta en Rip Kirby desde su mismo principio está supeditado claramente a un magistral dominio del claroscuro, una técnica que un cómic como Rip Kirby, por el evidente tono que se le pretende dotar desde sus orígenes, precisa forzosamente. Raymond maneja a la perfección el contraste de sombras y luces, realzando aún más si cabe su innata destreza para la anatomía humana; el estilo de Raymond es detallista, exacto, sumamente realista hasta el paroxismo. El dibujante concede a cada personaje su propia identidad a través de las múltiples y diferentes expresiones que su lápiz sabe plasmar en sus rostros, un fiel reflejo del carácter y motivaciones que les empujan a actuar como lo hacen.

Especial mención merece el suave erotismo que Raymond impregna en la figura femenina; las protagonistas de “Rip Kirby” dejan traslucir sus encantos de un modo muy sutil y meramente insinuante, pero simplemente efectivo, sin caer nunca en la vulgaridad y manifestando a las claras las preferencias de Raymond por el partenaire del otro sexo en su obra, cuyas formas sabía plasmar a la perfección.

Diez años estuvo Alex Raymond al frente de “Rip Kirby”. En todo ese tiempo, evolucionó constantemente en su estilo, afinando sin pausa los efectos que aplicaba en su dibujo (experimentó en varias ocasiones con el entintado para dotar a las imágenes de mayor efecto dramático). Por desgracia, un accidente automovilístico en 1956 truncó brutalmente su trayectoria, privando a los aficionados de su maravillosa impronta en el peculiar detective y en todos aquellos futuribles proyectos que hubiera podido iniciar con posterioridad a Rip Kirby. No obstante, en esa década de trabajo y dedicación al personaje, Raymond logró que este se convirtiera en imprescindible referente para los artistas que llegarían después, tanto los que se iniciaban en publicaciones dirigidas expresamente a la prensa, como los que centrarían sus esfuerzos en el incipiente comic-book, dejando para la posteridad una obra imperecedera; todo un clásico del noveno arte cuya lectura se hace casi tarea obligatoria para todos los que amamos este medio, aunque, a decir verdad, leer un cómic de Alex Raymond nunca podrá ser una obligación, sino un inmenso disfrute y dicho placer nos lo concedió Planeta en una cuidadísima edición lanzada a finales de 2004. Fue esta una colección que adoleció de críticas excesivamente duras al inicio de su publicación, centradas sobre todo en defectos en la rotulación de los textos. Lo cierto es que tales errores no son para tanto y quedan por completo velados por el excelente trato y el respeto que se le hace a la obra en términos generales, manifestado sobre todo a través de los valiosos artículos que, al principio y al final de cada volumen, complementan a la parte gráfica, los cuales desgranan con todo lujo de detalles el cómic y el autor que lo inmortalizó.

Planeta se queda sin DC… El sueño se murió

2011-11-27T13:01:00.002+01:00

Seis años ha durado el idilio de Planeta DeAgostini con la gigantesca compañía norteamericana de cómics. Desde enero de 2005 hasta diciembre de este año en curso, Planeta ha llevado a cabo una más que destacada trayectoria editorial de los productos de DC de la que creo pocos defectos pueden sacarse; más bien es necesario extraer un justo reconocimiento a dicha labor.

Ha sido la primera vez en España en el transcurso de estos seis años que una empresa de la magnitud e importancia como Planeta DeAgostini se hacía cargo de la edición española de DC Comics, compitiendo así por fin esta en igualdad de condiciones con Marvel… Ello lo hacía después de que a finales del 2004 Panini, que poseía las licencias de la empresa rival, anunciara a bombo y platillo que emprendía en exclusiva la publicación de los cómics marvelianos, iniciativa esta de la cual se había encargado Planeta –bajo el recordado sello de “Forum”- a lo largo de veintiún años nada menos.

Los últimos meses de 2004 fueron realmente convulsos en lo referente al baile de derechos de publicación tanto de Marvel como de DC en España; Panini “quitaba” el privilegio de publicar los cómics de la Casa de las Ideas a una Planeta que, sin esta, prácticamente desaparecía del panorama editorial de cómics de nuestro país –algo que va a pasar de nuevo de aquí a un mes, a menos que tome las riendas de otra editorial… ¿Dynamite, tal vez? ¡Ojalá!-, de modo que Planeta recurrió a la eterna competidora de Marvel haciéndose con los derechos de edición de DC tras arrebatárselos a Norma, que a finales de aquel año también estaba en trámites de renovación de contrato con la editorial norteamericana… En aquellos días se hizo patente la desesperación de Planeta por seguir ocupando un puesto preferente en el mercado nacional de cómics, y de dicha desesperación se han contado multitud de anécdotas y leyendas urbanas, siendo quizás la que más me llamara personalmente la atención aquella en la que pusieron una limusina a disposición del representante de DC que visitaba España en aquellos meses; se dijo que este acudió primero a Norma, y los gerentes de esta editorial, tras la visita del comercial norteamericano a sus dependencias, se ofrecieron a llamarle un taxi, pero este respondió que no era necesario; un coche alquilado por Planeta le esperaba abajo.

Así, en el 2005, con anécdotas o sin ellas, se hacía realidad un viejo sueño que el autor de estas líneas había tenido desde varios años atrás: que Forum (Planeta) se ocupaba por fin de la edición española de los cómics de DC.

En este blog ya he dicho en más de una ocasión que mis preferencias desde muy temprano siempre se han decantado por DC, a pesar de que fue con Marvel como inicié mis primerizos pasos como coleccionista de cómics de SH. Cuando Zinco inició la publicación de los cómics de DC, aún se mantenía una especie de statu quo con Marvel en mis adquisiciones, pero esto cambió de manera drástica a partir de la segunda etapa editorial de Zinco.

Que Zinco publicó calidad a raudales durante algo más de un lustro –de 1987 a 1992 fundamentalmente; después la brutal competencia y el mismo empobrecimiento creativo de la propia DC, amén de la envidiosa Vid Comics de México, que temía la intrusión en América de la editorial española, la abocaron a la desaparición- es algo incuestionable… Hasta tal punto, que incluso la propia Forum, a raíz de aquella lluvia de buenos cómics procedentes del “otro lado”, temió perder su privilegiado puesto en el mercado español, recurriendo a la infantil treta de defenestrar, infructuosamente, claro, los cómics de Zinco (la famosa guerra “Forum-Zinco” que los de mi generación recordareis). En suma, se podía decir que Forum publicaba más y Zinco publicaba mejor, pero dicha calidad era más evidente en el contenido que en el continente.

Aunque Zinco nos trajo nuevos formatos (el USA, que implicaba un tamaño de los cómics más reducido que el español de principios de los ochenta, y el Prestigio, con “El regreso del Señor de la Noche”… El cómic de 24 pgs. sí fue iniciativa de Forum) sus cómics no gozaban de la misma calidad EDITORIAL que los de Forum, simplemente porque los recursos de Zinco no eran los de la filial de Planeta, evidentemente… Ya lo decía José Mª Méndez en aquel polémico artículo que se publicó en el fanzine Krazy Comics (“los cómics de superhéroes están hechos por y para subnormales…” ¿Os acordais? :D): Que Forum publicaba mejor –simplemente, como he dicho, por gozar de más capacidad- que Zinco, y que por tanto era deseable por parte del aficionado que los cómics de Zinco fueran publicados por Forum… Eso fue algo en lo que yo no pude estar más de acuerdo, pero claro, seguía comprando Zinco porque era lo que más me gustaba, estuvieran mejor publicados o no que su competidora.

Este deseo que mencionaba Méndez en su artículo publicado en 1989 se hacía realidad, como ya he dicho, en el 2005… Por fin veía juntos los logos de DC y Planeta en un mismo cómic, y este hecho se ha prolongado durante estos últimos seis años. Tal como he dicho al principio de este post, el trabajo de Planeta con DC ha sido encomiable a mi parecer, sobre todo con la intervención de David Hernando en las labores de editor; se han coordinado todas las series de DC, se nos han devuelto clásicos imprescindibles (“Nuevos Titanes”, “Legión de Superhéroes”, “Lobo”…), han reeditado obras maestras en formatos de lujo, excepcionalmente cuidadas, se han publicado coleccionables muy interesantes que han permitido recuperar y en algunos casos completar las viejas colecciones de Zinco..., pero sobre todo, se han publicado los cómics de DC con la dignidad que siempre han merecido (Zinco indudablemente puso el respeto y la calidad, pero no el packaging), un hecho este que espero continúen cumpliendo como se merece los herederos de los derechos de DC en España, el Catálogo del Cómic (ECC Ediciones).

Planeta se queda sin DC… El sueño de aquel niño aficionado de siempre a los cómics de Superman, Batman y compañía se muere… ¿Renacerá en el 2012?

“El Asedio”, de Arturo Pérez-Reverte

2011-11-26T18:33:00.002+01:00

Durante una prolongada pausa entre las aventuras de su personaje más célebre, el capitán Alatriste –cuya última peripecia nos acaba de llegar a las librerías-, Arturo Pérez-Reverte llevó a cabo la laboriosa redaccíón de "El Asedio", una monumental novela ambientada en una determinada época histórica de nuestro país, a la cual el autor había recurrido ya en otras ocasiones a través de sus obras “El húsar” o “Un día de cólera”: la Guerra de la Independencia.

Sin embargo, “El Asedio”, al contrario que aquellas, extiende su trama mucho más allá de un único episodio bélico o un acontecimiento trascendental en nuestra Historia como fue el 2 de mayo; en sus páginas se narra el encarnizado pero finalmente infructuoso sitio que mantuvieron las tropas francesas a la ciudad de Cádiz durante dos largos años, de 1810 a 1812, pero esto, a pesar de la indiscutible importancia en la narración, se presenta en realidad como excusa para que Pérez-Reverte nos desvele la historia principal; una historia paralela al asedio, una historia de crimen e intriga… Un relato central que, salpicado de secundarias pero imprescindibles tramas, acontece en el laberíntico escenario de la pequeña pero importante ciudad, testigo valioso y fundamental de la proclamación de la primera Constitución democrática española en marzo de 1812.

La novela, por tanto, es una obra coral, nutrida con personajes dueños de características dispares y enriquecedoras, pródigos en grandezas y no exentos de miserias, los cuales confluyen hacia el verdadero protagonista del drama: el comisario Rogelio Tizón, un policía de métodos expeditivos, corrupto hasta la médula pero incansable en sus objetivos, y de todos estos, el que determinará su vida hasta convertirse en pura obsesión será la búsqueda y captura de un misterioso asesino que mata salvajemente a jóvenes muchachas en un Cádiz bajo el ataque de las bombas francesas… Allí donde cae un proyectil enemigo, aparece una chica sometida a un brutal y mortal castigo, con la particularidad de que el asesinato se produce antes de que se produzca el impacto, y no después, lo que traerá de cabeza a Tizón y a sus colaboradores.

Tizón, como se ha indicado antes, supone el común denominador de otros personajes que, junto con este, construyen la historia de “El Asedio”: la empresaria y comerciante Lolita Palma, que se ha visto forzada a sacrificar su vida en aras del progreso de la empresa familiar, la cual conduce con suma eficacia; el corsario Pepe Lobo, marino forzado por la necesidad, empleado por una Lolita Palma reticente al principio, pero finalmente convencida de que, en tiempos desesperados, es necesario recurrir a medidas desesperadas; el capitán Simón Desfosseux, artillero y principal responsable del bombardeo a Cádiz desde el otro lado de su bahía, inagotable perfeccionista en la búsqueda de una mayor eficacia ofensiva en los proyectiles que lanza sobre la ciudad, que a duras penas alcanzan lugares clave de la misma; el profesor Hipólito Barrull, el paciente consejero de Tizón en sus complejas pesquisas policiales y a la vez su implacable contrincante en el ajedrez; Felipe Mojarra, salinero y guerrillero a un tiempo, honrado y eficaz, pobre y valiente y, por supuesto, el misterioso asesino de chicas, que mantendrá con Tizón un duro pulso de poder en su particular tablero de ajedrez: la Cádiz de 1812.

Pérez-Reverte, consciente de la trascendencia de este ambicioso proyecto suyo, necesario de una descomunal documentación e imprescindible rigor histórico, nos adentra con “El Asedio” en un Cádiz atrapado en convulsa y decisiva época de su Historia a través de sus laberínticas calles, sus céntricas plazas y sus localizaciones más emblemáticas, mostrando un detallismo profuso en todas las descripciones, que permite situar eficaz e imaginariamente al visitante de sus páginas en aquellos rincones que fueron mudos testigos de un momento concreto de la milenaria vida de la bella ciudad, y ello lo hace independientemente de que el lector sea conocedor de Cádiz, su Historia y entorno –como es mi caso, por ser oriundo de allí- o no.

En una historia que narra el sitio de Cádiz por las tropas francesas no podía quedar obviado el episodio más trascendental de dicha circunstancia: la proclamación de la Constitución Española el 19 de marzo de 1812 (por eso se la conoció popularmente como “La Pepa”) por las Cortes reunidas en la ciudad, representantes en suma de toda España y sus posesiones, que mantuvieron tormentosas sesiones plenarias en la Iglesia de San Felipe Neri, situada en pleno casco antiguo de la ciudad y a la cual las bombas francesas eran incapaces de llegar desde la Cabezuela, en el lado opuesto de la bahía; Pérez-Reverte narra tan crucial momento de la Historia de España aplicando el mismo estilo barroco y rico en detalles presente a lo largo de todo el libro, afianzando al máximo el rigor histórico de tan especial acontecimiento en las páginas de “El Asedio”, desde las que asistimos al mismo como testigos excepcionales.

Semejante barroquismo por parte del autor, impregnado en cada página prolija de datos, detalles y singular terminología, supone también y en varias ocasiones un sincero lastre de comprensión para el lector medio. Así, Reverte hace gala en capítulos concretos de la novela (las incursiones navales de La Culebra, la balandra corsaria de Pepe Lobo) de conocer –o abusar de, según se mire- un amplio catálogo de términos náuticos, correspondientes a las diferentes partes de los buques del siglo XIX, así como de determinadas maniobras que estos realizaban. El concienzudo y habitual empleo por el autor de tales vocablos a lo largo del relato, la mayoría de los cuales sólo comprensibles para los eruditos en la materia, causa indudablemente un franco hastío por parte del que lee, ya que apenas entiende nada de lo que allí se expone.

Tal despliegue de profusión y escrupulosidad de Reverte en su estilo narrativo durante toda la historia ocasiona quizás de un modo involuntario una cierta decepción en su desenlace, y digo involuntario porque es justo afirmar que la lógica y la coherencia son plenamente patentes en el mismo. Sin embargo, uno no puede evitar el haber deseado encontrarse con el manido elemento sorpresa al llegar al final, y este no hace acto de presencia. Su conclusión, empero, es notable y está bien ligada, acorde con todo lo expuesto en las páginas precedentes. Por ello, hay que reconocer que “El Asedio” es, ante todo, una gran novela; un loable esfuerzo narrativo que nos acerca con minuciosidad a un episodio que, a pesar de su trascendencia histórica, ha sido abordado hasta ahora de manera muy escasa en el género literario, aunque el próximo año, aniversario de su bicentenario, seguramente abundarán obras de toca clase dedicadas al mismo… Es bien probable que la mayoría de estas futuras publicaciones narrarán con justicia que en Cádiz, una minúscula ciudad en el extremo de una península, aguantó con coraje, estoicismo e innumerables sacrificios los cañones del ejército napoleónico durante más de dos años, forjándose allí la genuina antesala de esa democracia que tanto esfuerzo, privaciones y sangre ha costado a este país conseguir.

Dynamite lanzará una nueva miniserie del Llanero Solitario

2011-11-20T23:34:00.004+01:00

Será en enero del próximo año, ya en ciernes, cuando el más famoso enmascarado del Oeste tendrá una nueva oportunidad en el ámbito del comic-book por parte de la editorial que relanzara su leyenda en 2007; en esta ocasión el guionista Ande Parks, conjuntamente con Esteve Polls a los lápices, tendrán la difícil tarea de que el Llanero Solitario vuelva al merecido lugar que merece entre los héroes de papel en una miniserie de seis números que Dynamite Entertainment comenzará a publicar a inicios del 2012.

Sin lugar a dudas la independiente editorial norteamericana está realizando en el último lustro una encomiable labor, puesto que está revitalizando y modernizando algunos de los más grandes iconos del imaginario norteamericano como The Shadow, Flash Gordon, El Zorro, Buck Rogers, The Green Hornet o The Phantom, amén de recuperar obras imprescindibles del cómic contemporáneo como Dreadstar o American Flagg!. A España nos han llegado hasta ahora míseras representaciones de su amplio catálogo (la serie de Red Sonja por parte de Panini y las primeras miniseries del Llanero, Army of Darkness, Buck Rogers y Dreadstar a través de Planeta; Norma también ha publicado Black Kiss, relanzada por Dynamite, y continúa con la edición de The Boys, la irreverente serie de Garth Ennis y Darick Robertson), lo cual es una verdadera lástima, puesto que la calidad y diversidad que Dynamite imprime a sus títulos merecen indiscutiblemente una mayor proyección en nuestro país. Si quereis más información sobre Dynamite, sólo tenéis que pinchar aquí, o en el link que facilito dentro del apartado de este blog: "Enlaces de interés" y, de verdad, se os van a poner los dientes largos al ver tantísima buena serie no editada en español.

Poco se sabe aún de la nueva miniserie del Llanero. En la página oficial de Dynamite nos dejan en ascuas con esta breve reseña:

Ya han transcurrido dos meses desde que El Llanero Solitario y Tonto se lanzaran por los senderos del viejo oeste, a la búsqueda de injusticias. Se han hallado frente a muchas. Ahora, están junto a los colonos que han sido víctimas de una manera tal que despierta recuerdos en John Reid. La pérdida, la venganza y la redención como primerizos ideales encuentran la realidad de la dura vida en la pradera. Una historia independiente que conforma un relato épico de seis partes que pondrá a prueba el temple de los héroes más legendarios del Oeste.

El primer número presenta dos portadas alternativas, obra de Alex Ross y Francesco Francavilla... Huelga decir cuál es la más espectacular de ambas y a quién corresponde la respectiva autoría... La de Ross, además de su belleza plástica, supone un emotivo homenaje a las figuras de Clayton Moore y Jay Silverheels, lo cual acrecenta aún más si cabe el merecido reconocimiento al trabajo de Ross, y es que supone un enorme detalle por parte del famoso ilustrador el dedicar la portada de la obra más inminente del Llanero a aquellos cuya leyenda inmortalizaron para siempre.

More changes

2011-11-19T18:16:00.000+01:00

A lo largo del día de hoy no he parado hasta dar con la nueva imagen que pretendía darle al blog... Me he mareado durante horas aplicando plantillas, fondos y tipos de letra hasta que finalmente he conseguido darle a "The Lone Freaker" el "look" que pretendía... He quitado la imagen de Alex Ross sobre los héroes DC con adaptación televisiva; me encanta, pero no tiene las dimensiones adecuadas y no terminaba de convencerme su inclusión en el conjunto total del blog... Creo que éste ahora posee una imagen más atractiva que la anterior y más adecuada a los diversos elementos que contiene.

Gotham News: ECC Ediciones: enero 2012 y avance

2011-11-18T23:50:00.000+01:00

Gotham News: ECC Ediciones: enero 2012 y avance: Ya se conoce el plan editorial de ECC Ediciones para enero de 2012 de los comics DC en España, en el que continuarán con la numeración de la...

Antonio Rojo, de profesión: dibujante de cómics

2011-11-18T12:20:00.005+01:00

Gracias a un excepcional paisano, y a sus aportes, he podido trabar conocimiento sobre el trabajo de este gran autor, que a la postre, también procede de cierto rincón del sur en el cual tuve la inmensa suerte de nacer y criarme; se llama Antonio Rojo y trabaja en algo a lo que a casi todos los que os asomais aquí, sin duda, en algún momento de vuestras vidas os hubiera (NOS hubiera) gustado hacer: ilustrar comic-books. Rojo en estos momentos edita en Inglaterra y Estados Unidos, eso sí, en editoriales independientes. Para la inglesa Markosia ha realizado "Serpent Wars", aventuras pulp decimonónicas (de ésas que cualquier aficionado a la literatura norteamericana barata de los treinta y cuarenta, como yo, disfrutaría enormemente) con civilizaciones perdidas y monstruos mitológicos, y antes de esto, había publicado una serie en USA llamada JUSTICE FOR HIRE. Actualmente trabaja en un proyecto llamado "ALUNA" encargada por una actriz hispano americana llamada PAULA GARCES (que no está nada mal la chica), con vistas a crear una franquicia (sacar comic, videojuego e incluso negociar una adaptación al cine y la TV protagonizada por Garcés).

Rojo conoce a otros ilustres paisanos de la ilustración enormemente conocidos, que están en boca de todos los que nos gusta el cómic, sobre todo el de superhéroes, como Carlos Pacheco y Jesús Merino.

Os dejo un interesantísimo enlace sobre mi paisano (¡encima es casi de mi quinta! :D), donde habla de sus inicios y de sus primeros pasos en la industria... Muy recomendable. Pinchad en la imagen de abajo para leerlo:

Y si queréis ver muestras de su trabajo, es muy sencillo: aquí tenéis unos muy buenos ejemplos.

Rojo sin duda goza de una muy notable calidad y merece gozar de una oportunidad a través de editoriales del panorama comiquero más importantes (¿me oyen, señores Didio y Alonso? No se preocupen; este "post" se puede traducir al inglés :D), así que, ¡paisano, mucha suerte!

Gotham News: ECC Ediciones estrena redes sociales

2011-11-14T23:42:00.000+01:00

Gotham News: ECC Ediciones estrena redes sociales: Nota de prensa de ECC Ediciones (El Catálogo del Comic) avanzando movimientos sobre su presencia en las redes sociales. Desde ECC Ediciones...

Changes for better

2011-11-14T23:14:00.003+01:00

Los que visitáis habitualmente “The Lone Freaker” ya habréis comprobado de sobras que este blog ha sufrido, sobre todo a lo largo del día de ayer, considerables cambios. Con el nuevo cambio de imagen, pretendo fundamentalmente una cosa a todas luces simple: que la misma se adapte de un modo más fidedigno al verdadero espíritu del blog.

Aunque en un principio este rincón se creó estableciendo como piedra angular del mismo un cierto homenaje a la figura del Llanero Solitario y al actor que lo interpretó magistralmente en la pequeña pantalla (Clayton Moore), la verdad es que nunca quise que “The Lone Freaker” se limitara básicamente a ello, y a los primeros “posts” me remito… Desde sus inicios ya tenía una idea clara de lo que quería para este blog, que no ha sido otra cosa que lo que he venido haciendo desde que se inauguró hace poco más de dos años: que fuera un pequeño espacio virtual dedicado a hablar de todo aquello relacionado con el cómic, el cine, la literatura, la música y la televisión que me gusta y me ha gustado –o no- en un momento concreto, o bien a comentar aquellos aspectos que considerara de cierto interés para sus potenciales lectores, y en eso estamos desde entonces.

Eso no impedía, por supuesto, que la figura del Llanero, y de Clayton Moore en particular, gozara de su pequeña porción de protagonismo en el blog, ¡sólo faltaría! Pero lo que está claro es que “The Lone Freaker” nunca ha sido un blog dedicado a este personaje (o al menos no exclusivamente consagrado al mismo), y el hecho de que así fuera interpretado por futuribles lectores sin duda perjudicaría notablemente la positiva evolución de aquel. Por eso, y aprovechando una nueva “reentré” en la actividad del blog tras una breve –pero no por ello dura- etapa de crisis creativa, he decidido dotar a “The Lone Freaker” de una imagen más acorde con todo lo que representa.

Así, se ha modificado cabecera, tomando en primera instancia una maravillosa imagen de Alex Ross donde homenajea a los héroes de DC que han gozado de adaptación televisiva en un momento u otro; son así fácilmente reconocibles en aquella los rostros de George Reeves, Adam West o Linda Carter, principalmente. He considerado dicha imagen de lo más apropiada para encabezar este pequeño rincón personal, además de por su indiscutible encanto, porque fusiona adecuadamente dos temas de los que se ocupa, entre otros, este blog de manera más o menos habitual: cómic (de superhéroes) y televisión. Del mismo modo, se han eliminado elementos, otros han sido trasladados, y asimismo se han modificado temas que, insisto, antes podían dar al visitante una interpretación errónea del objetivo del blog. Por ello, todos los elementos suprimidos guardan relación con el Llanero Solitario, aunque también se han mantenido otros dedicados a este, y la plantilla anterior y su fondo, con un característico paisaje de “western” como tema, se ha sustituido por otra más austera y sencilla pero no por ello menos elegante.

Con todos estos cambios y como he dicho al principio, tan sólo se pretende dar al blog de una imagen más afín a su contenido, pero sin que ello elimine categóricamente la inspiración bajo la que fue creado. Además, este nuevo “look” manifiesta quizás de un modo más patente el inicio de una verdadera nueva etapa en “The Lone Freaker” tras un desafortunado período en su trayectoria… Como le dije no hace mucho a un bloguero conocido mío que igualmente ha modificado la estética de su página: renovarse o morir.

La música de DC Comics: Colección 75 Aniversario

2011-11-13T23:16:00.000+01:00

Con motivo del 75 aniversario de la popular editorial norteamericana de cómics celebrado el pasado año, aparecieron en los mercados americano y europeo numerosos artículos y curiosidades, ya fueran procedentes de la compañía como ajenas a ésta –pero siempre bajo su beneplácito-, que se encargaban de resaltar la longeva trayectoria de DC. Uno de estos singulares artículos ha sido un CD de audio que con el título “The music of DC Comics: 75th Anniversary Collection”, contiene casi la práctica totalidad de las bandas sonoras, sintonías e “intros” de las series y películas, tanto de animación como de imagen real, que a lo largo de los años se han inspirado en los más famosos personajes de la editorial.

Así, en el disco podemos hallar melodías fácilmente reconocibles por estos lares como las que identifican, por ejemplo, a las diferentes series de animación dedicadas a Batman; desde la emblemática de 1992 –que es igualmente la perteneciente al film de Tim Burton de 1989-, pasando por la más que atractiva “Batman del Futuro”, hasta una de las más recientes, aunque paradójicamente posee un encantador ambiente retro, titulada en español “El intrépido Batman” (Batman: The Brave and the Bold), en la que el Hombre Murciélago forma equipo con diferentes héroes de DC (de ahí el título original, que homenajea una clásica colección del personaje con idéntico formato). No podemos tampoco olvidarnos, empero, de la geniales -y simples- notas de la serie en imagen real de “Batman” protagonizada por Adam West o la emocionante partitura de “Batman Begins”.

En cuanto a las características melodías que encabezan algunas de las adaptaciones dedicadas al Hombre de Acero, podemos deleitarnos con la imprescindible partitura de John Williams de “Superman, El film”, a la vez que la intro de la inolvidable serie “Lois & Clak: Las nuevas aventuras de Superman”, la maravillosa sintonía de los cortos que produjeron los hermanos Fleischer en los cuarenta, y una muy, muy especial para éste que escribe: la banda sonora de la serie de “Superboy”, concretamente, la que engalanó el show a partir de su tercera temporada, a finales de los ochenta.

“Wonder Woman” también está presente en esta recapitulación de melodías a través de la cabecera de la recordada serie de los setenta que protagonizó Linda Carter y con la que finalizaba su recientísimo film animado de 2009.

Otros héroes de DC, no obstante, han gozado asimismo de su propia serie para televisión, sobre todo en el campo de los dibujos animados. Este disco permite escuchar los temas de aquellos nostálgicos programas, muchos de ellos presentados por una singular voz de “off” que explicaba a los telespectadores las peculiaridades del personaje o personajes en cuestión; los clásicos “shows” de “Aquaman”,” The Teen Titans”, “Superboy” (la animada de los años sesenta) “The Justice League of America” (ídem, no la de los noventa), y otras gozan de dicha especialísima introducción.

Se echan a faltar, sin embargo, otras sintonías que de modo irrefutable deberían haber completado este magnífico compendio de audio, como la de la efímera serie de “The Flash” (1990)(“Flash, el relámpago humano”), compuesta también por Danny Elfman. Sí está, en cambio, la que encabezó la serie de animación del personaje a finales de los sesenta. Otra que inexplicablemente tampoco está incluida en dicha selección es la de la serie de “Superman” de Ruby-Spears de 1988 o incluso la de 1996, producida por Bruce Timm, artífice éste asimismo de la serie de la “Justice League” del 2001, cuya banda sonora tampoco aparece en la relación… Motivos desconocidos han impedido su inserción en este conmemorativo CD.

La selección no se ha olvidado sin embargo de algunas de las composiciones realizadas para recientes producciones animadas de DC Comics. Además de la de “Wonder Woman”, ya mencionada, podemos encontrarnos con la fabulosa sintonía de “Green Lantern: First Flight” (2009) o la perteneciente a los créditos finales de la octava temporada de “Smalville”.

En suma, nos hallamos frente a un archivo de audio imprescindible para todo buen aficionado a DC Comics el cual, a través de sus variopintas –pero todas indispensables- sintonías, realiza un nostálgico recorrido por la historia de la editorial y sus personajes, aquellos personajes que tuvieron la fortuna, en uno u otro momento a lo largo de estos últimos setenta y cinco años, de saltar de las amarillentas páginas del cómic a unas primerizas imágenes emitidas por el tubo catódico de la pequeña pantalla o, ya en tiempos más recientes, mediante notables adaptaciones estrenadas en cines, en DVD y en televisión. Muy recomendable.

Como nota curiosa y final, reseñar que la carátula del CD se desdobla en un impresionante póster donde aparecen representados los principales personajes de DC… Ideal para colgar en la habitación de cualquier friki que se precie.

“Batman: Año Uno” (El film)

2011-11-11T23:23:00.004+01:00

DC continúa con su trayectoria insuperable en cuanto a adaptaciones animadas de sus obras más famosas y representativas. Ahora ha sido el turno de “Batman: Año Uno”, el famoso cómic obra de Frank Miller y David Mazzucchelli que revisitó de manera magistral a finales de los ochenta los orígenes del Hombre Murciélago. Tras el merecido éxito de “El regreso del Señor de la Noche”, donde Miller exhibía su pleno talento para mostrarnos el ocaso de Batman, con “Año: Uno” realizaba justamente lo contrario: un imponente salto en el tiempo con el objeto de volver a narrar el comienzo del superhéroe. El resultado fue, como sucedió con la anterior obra, un gran cómic desbordante de calidad narrativa y gráfica que se ha convertido en claro exponente para la posterior trayectoria editorial del personaje.

“Año: Uno”, empero, no supone exclusivamente los orígenes del Hombre Murciélago, sino que, de manera paralela, se nos cuenta asimismo los comienzos de James Gordon como miembro de la policía de Gotham City y las vicisitudes con las que habrá de lidiar dentro de un Cuerpo plagado de corrupción y vileza… Es más, se podría decir incluso que los comienzos de Batman suponen un acicate secundario a la historia principal, que es la del propio Gordon. Esto quedó perfectamente plasmado en el cómic y ahora se transpone perfectamente en el film animado.

La película es una traslación fidelísima de la obra, la cual enfila punto por punto, sin alejarse un ápice de los parámetros impuestos por la fuente original. Incluso muchas escenas del film son fácilmente reconocibles, dado que son miméticas versiones animadas de algunas de las viñetas del cómic. De este modo, la calidad del mismo se traslada con sencillez a su adaptación fílmica, puesto que no es otra cosa que eso, una más que fiel interpretación de la creación de Miller y Mazzucchelli.

La animación de la película es de un nivel notable y una muestra más del gran trabajo que en los últimos tiempos está dedicando DC a estos largometrajes y cortos –recordemos los de DC Showcase- basados en sus cómics. Eso sí, se echa de menos en el film la atmósfera sombría y de claroscuros que tan magistralmente supo imponer Mazzucchellli en su trabajo; es cierto que las tonalidades en la animación son apagadas, pero no lo suficiente para captar el ambiente dramático y sórdido que necesita Batman y su entorno, y que tan bien quedó plasmado en el cómic.

A pesar de la indiscutible calidad y talento que DC está aportando a estas adaptaciones fílmicas de sus grandes obras, sería igualmente de agradecer que extendiera las posibilidades de aquéllas a través de historias inéditas creadas expresamente para el campo de la animación… Siempre es bueno deleitarse con películas que transmiten el valor de aquellas historias que un día se leyeron con fruición, pero también apetece ver cosas nuevas donde puedan quedar aplicados los mismos valiosos recursos que tan eficazmente se han empleado en todo lo visto hasta ahora procedente de la división animada de Warner Bros.

“The Event”: ¿Cancelación merecida?

2011-11-10T13:00:00.007+01:00

“The Event” (El Evento) es otra de esas series de televisión norteamericanas que han pretendido aprovechar la estela insuperable de “Lost” para atraer a un público que, desde la terminación de la influyente creación de J.J. Abrams, quedó huérfano de similares experimentos. Así, con el fin de cubrir tan enorme hueco, han surgido en estos años productos televisivos con idéntica pretensión, tales como “Héroes”, “Los 4400” o “Flashforward”, que han gozado de desigual fortuna; mientras que las primeras tuvieron un desarrollo más prometedor –y que a la postre acabaron finalmente decepcionando-, la última ya desde un principio significó un auténtico “bluff”… Es por ello que los productores norteamericanos y cadenas de televisión de USA siguen a la caza de propuestas presumiblemente interesantes con el fin de que alguna de ellas les permitan dar un campanazo equiparable al que supuso “Perdidos”… La cosa sigue estando bastante difícil, empero.

“The Event” nace con dicha intención, eso es indudable, pero tal como ha ocurrido con experimentos como los mencionados, no ha terminado calando entre la audiencia, a pesar de contar en su primera temporada con los elementos necesarios e imprescindibles para “enganchar” a los teleadictos: la única temporada hasta el momento, que consta de 22 episodios, posee, sobre todo en su segunda mitad, todos los alicientes precisos para convertirse en una serie digna sucesora de “Lost”, salvando las distancias en cuanto a temática, claro, ya que “The Event” no tiene nada que ver con ésta, pero sí usa con suma habilidad un recurso del que fue pionera en su manipulación la teleserie de Abrams, y esto es, por supuesto, los finales “cliffhanger” de cada episodio, es decir, que acaban en una situación límite para los protagonistas o en un insoportable suspense en la trama. Dicha característica se manifiesta con el efecto deseado (y conseguido)sobre todo en los últimos diez o doce capítulos, que conforman una frenética e incesante sucesión de acontecimientos de la cual el espectador no puede desligarse y que a su término, experimenta una parcial satisfacción, ya que, aunque “The Event” goza de una cierta conclusión, quedan en el aire argumentos de sobra como para desear una continuación de la historia.

En cuanto a su principio, “The Event” parte con una premisa ciertamente turbadora: una nave extraterrestre se estrella en Alaska hace más de sesenta años atrás. El accidente es detectado por las fuerzas norteamericanas, que acuden prestas a investigar el mismo. Los supervivientes, conscientes de esto, deciden separarse en dos grupos, ya que la tentativa de una fuga masiva de éstos provocaría inevitablemente la captura de todo el grupo por parte de los militares, dado que hay malheridos entre los extraterrestres incapaces de huir. Sofía (Laura Innes), la líder, se queda con este grupo mientras que Thomas (Clifton Collins Jr.), su hijo, huye con el otro. El grupo que escapa se integra en la sociedad humana con el paso de los años, dado que su apariencia es mimética a la de los humanos, con la particularidad de que apenas envejecen, mientras que la fracción de Sofía sufre un cautiverio de más de seis décadas en una estación secreta de Alaska.

Dicha circunstancia es revelada en la actualidad al presidente de los Estados Unidos, Elías Martínez (Blair Underwood), de ascendencia cubana, y su intención inicial es dar a conocer a la opinión pública la existencia de la reclusión de los extraterrestres y por consiguiente su liberación, pero no todos opinan del mismo modo… El mismo día que Martínez piensa desvelar al mundo la presencia de Sofía y los suyos, un avión Boeing es lanzado en picado contra el presidente, el cual salva la vida milagrosamente porque el aparato, sencillamente, desaparece, resurgiendo con todos los pasajeros en un desierto de Arizona.

En medio de todo esto, Sean Walker (Jason Ritter), un joven despreocupado y su novia, Leila (Sarah Roemer), disfrutan de unas vacaciones en un crucero… Todo esto resulta aparentemente de lo más normal si no fuera porque Leila, de golpe y porrazo, desaparece, y nadie del barco y del entorno de la pareja tiene constancia de que subiera al buque, para desesperación de su novio… Comienza así una frenética búsqueda de éste para localizar a Leila y descubrir los verdaderos motivos de su desaparición, una desaparición que tiene mucho que ver con el avión que una misteriosa facción pretende estrellar contra el presidente, dado que el piloto es el padre de Leila.

A raíz del frustrado atentado, Martínez pide explicaciones a Sofía sobre lo ocurrido, pero esta replica con respuestas vagas e imprecisas, lo que provoca la ira de Martínez, que cambia radicalmente sus primerizas intenciones. La líder extraterrestre asegura una y otra vez que su intención es la de vivir en paz con los humanos. Sin embargo, Thomas, el hijo de Sofía, que ha vivido durante más de sesenta años confundido con los terrestres, no piensa igual que ésta; su intención es que Martínez libere a sus congéneres presos durante tantísimos años, y no se detendrá ante nada para conseguir sus propósitos.

A pesar de su creciente atractivo, episodio tras episodio, sus constantes tramas conspirativas, tanto extraterrestres como humanas –que de todo hay- y su indudable emoción, “The Event”, como ya he mencionado, no ha gozado del favor popular, y así su espectacular primera temporada queda en ciernes de ser proseguida a través de canales temáticos como Syfy, que ha demostrado su interés en el show y es posible que su inconclusa historia pueda ser continuada a través de miniseries emitidas en dicho canal… La pregunta básica entonces es: si tiene todo lo necesario para triunfar, ¿por qué no lo ha hecho?

Creo que la clave se centra en los primeros episodios, que deben ser sin duda los que de modo definitivo atraigan al público y le convenzan de que lo que están viendo merece la pena; en mi caso particular, yo no pongo traba alguna a los capítulos iniciales de la serie, pero posiblemente la descomunal avalancha de subtramas que surgen en éstos, agravadas además con permanentes cambios de espacio y tiempo, y que derivan en la constante ambigüedad sobre los extraterrestres, su procedencia, sus intenciones, el hecho de que sean exactamente iguales a nosotros, sin apenas diferencia, su pulso de poder con el gobierno, y añadiendo encima a todo el conflicto la injerencia de Sean Walker –que encima es el verdadero protagonista-, provocara un cierto hastío en un público que quizás esperaba respuestas concretas de un modo más inmediato, algo que no deja de ser paradójico, ya que una serie tan exitosa como “Lost”, por ejemplo, se han fundamentado precisamente en mantener las incógnitas episodio tras episodio, siendo asimismo duramente criticada por determinados círculos porque muchos de estos misterios al final no quedan descubiertos… Por ello posiblemente el público, sobre todo el norteamericano, esté más que escarmentado de tanto “rollo” y quiere que las cosas se les diga de un modo más claro desde el principio o tras un breve desarrollo de la trama, aunque, si se hiciera así, ¿dónde residiría entonces el atractivo de la serie?

Lo que está claro es que “The Event” juega, para bien o para mal, con las mismas bazas de otras series anteriores, y a mi modo de ver lo hace de modo sumamente hábil y con merecida mejor fortuna que otros productos que nos han llegado… Es verdad que esta, digamos, técnica de “alargar” la trama con un misterio sobre otro al principio, provoca en el caso de “The Event” cierta desazón conforme te vas acercando a su ya reconocido final porque dichos entresijos quedan medianamente esclarecidos con frases vagas y pobres declaraciones de los protagonistas, a la espera de que tales enigmas tengan la oportunidad de gozar de un desarrollo en una hipotética segunda temporada. No obstante, a pesar de su forzada y precipitada conclusión, creo que merece la pena echarle un vistazo a “The Event” y de paso, mostrar nuestro apoyo a su continuación, ¡porque os aseguro que acaba de modo apoteósico!

“Las aventuras (casi reales) de Tintín”

2011-11-06T21:26:00.005+01:00

¡Hemos vuelto!

Ayer por la tarde, cuando me disponía a pagar unos cómics en Landròmina, una librería especializada de Terrassa, Ernest, el dueño de la misma a la vez que buen amigo, me preguntó si había ido a ver la peli de Tintín, a lo que yo respondí afirmativamente… Sabedor del enorme palo que me llevé con cierta película de cierto héroe medieval español, me inquirió irónicamente: “Igual que la del Capitán Trueno, ¿no?”. Evidentemente, ambas películas, cuyo único denominador común es que están basadas en personajes de cómic, son incomparables, pero ya no por el simple hecho de que la de Trueno sea un auténtico bodrio y ésta un más que correcto film de aventuras para todos los públicos, sino porque los presupuestos de los que han gozado cada una no tienen parangón entre sí, lo que reafirma el planteamiento que exponía en el post que dediqué a “El Capitán Trueno y el Santo Grial” (en el cual no salió tan mal parada, he de añadir): que si la intención de realizar un film de aventuras dedicado a Trueno es seria, los responsables de llevarla a cabo son responsables, honestos y no una panda de mafiosos, y disponen de un presupuesto más que considerable (los iniciales diez millones de euros previstos bajó luego a siete y medio, y de este capital, seguro que mucho “desapareció” en Dios sabe qué bolsillos), los aficionados al Capitán Trueno habríamos disfrutado de una gran película que, sin haber poseído las dimensiones del film de Tintín, algo por completo imposible, seguro que habría resultado un proyecto de lo más digno.

Es por esto que Hergé ha gozado de mayor fortuna que Víctor Mora en cuanto a las adaptaciones cinematográficas de sus respectivos héroes fetiche; Tintín, al contrario que Trueno, es un personaje internacionalmente conocido en medio mundo, cuyas aventuras, que cuentan con legiones de lectores, han sido traducidas a las principales lenguas del planeta, y dicha trascendencia ha permitido que contara con dos padrinos de excepción para plasmar sus numerosas correrías en la pantalla grande: Steven Spielberg y Peter Jackson, algo, huelga decir, impensable en el caso del Capitán (y ahora menos que nunca).

Yo nunca he sido aficionado a la obra de Hergé; la verdad es que no he leído absolutamente nada de Tintín a excepción del álbum “El cetro de Ottokar” hace ya una cifra, si no considerable, sí numerosa de años. Imagino que la impresión que me causó dicha historia fue positiva, pero no lo suficiente como para que me interesara por otras aventuras del personaje; lo mío siempre han sido los superhéroes, y a ellos fundamentalmente he dedicado mi atención como lector de cómics desde que tengo uso de razón, aunque siempre con el añadido de otras lecturas como Trueno, Mortadelo, el Guerrero del Antifaz y algunos más.

Con semejantes antecedentes, es lógico decir que asistí a la sala de cine con un desconocimiento casi completo del personaje y su entorno; ignoraba si “El secreto del Unicornio” sería una buena adaptación o no de las peripecias en papel del juvenil reportero, y conforme progresaba en su visionado, no me quedó ninguna duda de que así era.

Quiero suponer que “Las aventuras de Tintín” significa una plasmación del todo respetuosa al celuloide de la obra de Hergé; la primera escena, en que una animada representación del autor realiza un retrato callejero de su creación, es el umbral que nos conduce de modo indiscutible a todo lo que nos vamos a encontrar a continuación: una frenética sucesión de andanzas del joven periodista acompañado por su inseparable e inteligentísimo perro Milú y el no menos imprescindible capitán Haddock, que sigue fidelísimamente la línea impuesta por la obra original (Ernest me comentaba que el marino amigo de Tintín es una calcada transposición del personaje del tebeo) sin materializar una historia del personaje en concreto, sino más bien forjando un bien elaborado collage de algunas de ellas (como la que justamente da nombre al film).

Spielberg y Jackson, en una inteligente decisión más de aproximarse lo máximo posible al cómic, han tenido a bien prescindir de actores reales (al menos en cuanto a interpretación “plena”) para recurrir a la siempre sorprendente técnica del stop-motion, cada vez más perfeccionada, que provoca indudablemente una abrumadora impresión de sorpresa y admiración, a partes iguales, en el espectador. La aplicación de dicho sistema en “Las aventuras de Tintín” resulta del todo embriagadora, ya que compagina la ajustada caracterización de los personajes a sus símiles ilustrados con detalles –y por tanto, defectos- de personas reales: las pecas, las arrugas, la tersura o el atezado de un rostro en cada uno de los protagonistas de Tintín parece de verdad; el cabello se mueve con tremendo realismo; las expresiones son idénticas a las del actor que, bajo un nudo de cables, da básica forma a lo que después resultará… Es tal el detallismo que en muchos momentos olvidamos que estamos viendo, a fin de cuentas, un film de animación, un film que sin duda será la antesala de multitud de sorpresas cinematográficas que aún nos tienen que llegar.

“Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio” es un pleno film de aventuras, y su principal responsable sabe mucho de este género; el “toque Spielberg” queda plenamente patente en cada fotograma del mismo, mezclando hábilmente, como es habitual en el director, acción y humor, y se explaya generosamente en las escenas más espectaculares, demostrando así el llamado “rey Midas de Hollywood” por qué es quizás el más consumado experto en dicho cine… Es una película, en suma, que no defrauda, que te hace pasar un buen rato y que, a pesar de no contar con momentos especialmente emocionantes (la espectacularidad es una cosa, y la emoción es otra), es de justicia reconocer su mérito y, sobre todo, su loable esfuerzo por honrar la magna obra de Hergé, cosa de la cual, a pesar de no contar con idénticos recursos, otros tendrían que aprender.

En ocasiones...

2011-10-15T00:56:00.002+02:00

En ocasiones, tendría que pensar mejor las cosas antes de llevarlas a término.

Pero también es cierto que muchas veces, a pesar de que te has detenido a pensar, a reflexionar, sobre la posibilidad de tomar al final una decisión del todo desagradable sobre algo que, en la seguridad de tu subconsciente, sabes que te gustaría seguir haciendo, los numerosos desengaños y las decepciones que has sufrido durante el tiempo que lo has llevado a cabo, y que son el motivo principal que te tiende a tomar la negativa decisión, consiguen en un momento, brevísimo y fatal, que ejecutes ésta, pensando ilusoriamente, durante las horas iniciales de haberlo hecho, que no te arrepentirás.

Pero sí te arrepientes.

Y esto es lo que me ha vuelto a pasar una vez más con este blog.

En esta ocasión pensaba de verdad que había llegado el final de "The Lone Freaker"... Incluso sentía una cierta "liberación" aníminca porque así era.

Sin embargo, había tomado la fatídica decisión sin tener en cuenta una cosa fundamental, aun el prolongado tiempo que había estado planteándomela.

Y es que yo NECESITO escribir. Necesito contar cosas. Contar cosas de todo aquello que me gusta.

Mis ganas de escribir siempre prevalecerán, a pesar de los múltiples "bajones" que pueda padecer, a pesar de que a veces piense -erróneamente- que hacer este blog no vale la pena.

Sí que vale. Tiene que valer.

Porque mis escritos, mis artículos, mis posts, son en definitiva... Soy YO. Son una extensión de mí mismo. Son parte de mí.

Por eso "The Lone Freaker" no puede cerrarse, porque no puedo cerrarme a mí mismo.

Por eso "The Lone Freaker" tiene que seguir, porque yo debo continuar.

Y por eso no volverá a ocurrírseme escribir aquí que "The Lone Freaker" se clausura.

Y si lo vuelvo a hacer, no me hagáis caso, porque entonces tendríais que sufrir el que volviera a escribir una nueva tontería como la que acabáis de leer.

"Atlántida", el hundimiento definitivo del Capitán Trueno

2011-10-10T21:44:00.003+02:00

Después de la aberración que supuso para la abrumadora mayoría de truenófilos el álbum titulado “El último combate”, hartamente comentado por lectores y críticos, tenía la ilusoria esperanza de que la siguiente historia que nos presentarían autor (Ricard Ferrándiz, esta vez como autor completo, prescindiendo así de Joan Boix a los lápices) y editorial, prometida inmediatamente después de la aparición de la historia donde se nos narra la muerte del Capitán Trueno recuperaría, si no de modo completo, porque eso es casi imposible, sí al menos una parte del espíritu del Trueno más clásico; el Trueno que ha encandilado a varias generaciones, el Capitán Trueno de siempre... En definitiva, un Capitán Trueno en plena forma... Creía firmemente que esta vez Ferrándiz, tras el varapalo que nos dio en el álbum anterior, en esta ocasión realizaría un trabajo digno, casi a la altura del mejor Capitán Trueno que nos dio Víctor Mora y los maravillosos dibujantes que lo ilustraron a lo largo de los años.

Por ello, las primeras impresiones que me creé a través de algunas páginas del nuevo álbum facilitadas inicialmente por el blog La Factoría del Cómic fueron a priori en esa dirección; lo cierto es que estaba muy ilusionado con “Atlántida”, y esa ilusión se hizo forzosamente necesaria después del shock que ha supuesto, para mí y muchos amigos del universo Trueno, el reciente visionado en cines de “El Capitán Trueno y el Santo Grial”... Me esforcé, en mi crítica sobre dicho film, en rescatar los elementos más positivos del mismo con el fin de justificarlo aunque fuera mínimamente, pero la cruda verdad es que es una película muy, muy mala, y así hay que reconocerlo, por muy duro que sea... Es por esto que la lectura de “Atlántida” tenía que cumplir con un muy difícil objetivo: el devolverme, como ya he indicado, esa ilusión, esa esperanza, en que el Capitán Trueno seguía vivo, seguía en el candelero, dispuesto a seguir batallando victorioso en busca de nuevas aventuras, siempre dispuesto a ayudar a los débiles y oprimidos.

Me equivoqué.

De “Atlántida” tras su lectura sólo se puede afirmar de manera categórica una cosa: que no es únicamente un pésimo tebeo del Capitán Trueno; es un tebeo malísimo en términos generales. Supone un auténtico insulto a la inteligencia del lector, sobre todo a la del lector que ama a este personaje, que lo ha “mamado”, que lo siente como suyo casi desde que puede recordar... Es un completo despropósito que ensucia la leyenda del Capitán Trueno y su trayectoria, como si fuera un vulgar complemento de la película con la que coincidió en fatídica fecha; es un nuevo ataque a la leyenda, tal como lo fue el álbum anterior, donde el héroe fue literalmente asesinado... En este, además, se le ha dado la puntilla, como yo mismo vaticinaba víctima del pesimismo en un post tiempo ha... Cuando aparecieron las primeras páginas, pensé que aquel primer temor se desvanecía, pero el pobrísimo resultado ha terminado por darme la razón.

Ricard Ferrándiz es un autor de insulsa y maquillada trayectoria, como así se indica en las páginas finales de este libro; es posible que haya trabajado mucho durante años para diferentes agencias extranjeras, pero el hecho de que el autor de un cuento infantil titulado Las cuatro esquinitas se convierta en creador completo de una aventura del Capitán Trueno, ya nos induce a pensar de manera fatídica cuál puede ser el resultado de la misma: una historia con un guión torpón, lineal, aburrido, complementado con textos de apoyo vacuos, innecesarios, mal construidos gramaticalmente en ocasiones,... Infantiloide en grado sumo... Una absoluta necedad, con la que Ferrándiz, como ya pergeñó en “El último combate”, vuelve a demostrar aquí un completo desconocimiento del personaje y su entorno.

Es más, dudo incluso que este hombre se haya leído un solo tebeo del Capitán Trueno, porque, ¿cómo es posible que, como pasaba en “El último combate”, se obstine en que Goliath exclame “¡Voto al Batracio Verde” cuando cualquier mínimo lector del Capitán sabe que es “¡Por el Gran Batracio Verde!”? Es que encima, en el colmo ya de la torpeza narrativa más absoluta, ni siquiera tiene idea de la mitología nórdica más básica: ¿cómo que Thor es el dios del RAYO? ¡Es el dios del TRUENO! ¡Mírese al menos un cómic de Marvel, por Dios! Y mete semejante cagada en un momento clave del tebeo, cuando se supone que dicha mención al dios vikingo tiene una relación directa con nuestro héroe y lo que sucede.... El error garrafal disuelve de manera inmediata la supuesta emoción que debe transmitir la escena, convirtiéndola en el máximo exponente de todo un cúmulo de dislates que da inicio nada más empezar el álbum.

Y después de todo lo anterior desde el punto de vista narrativo, puede sorprender el que afirme ahora que Ferrándiz no es un mal dibujante, pero esa es la verdad... Lo que ocurre es que no es un dibujante para nada adecuado a un personaje como el Capitán Trueno; tal como le sucedía a Joan Boix en la anterior historia, no es un ilustrador capacitado para dibujar escenas de acción; las que hay en “Atlántida” prácticamente son miméticas, con idéntica perspectiva y por tanto idéntico estatismo en las figuras; no te crees en suma que ni el Capitán, ni Sigrid, ni nadie, esté luchando fieramente contra sus oponentes, sino más bien enseñando las espadas... Por otra parte, el uso abusivo de viñetas grandes hace un flaco favor a los personajes que encierran, sobre todo si los fondos en las mismas son inexistentes. De esta forma, añadiendo además al dibujo un color abrumadoramente chillón y poco adecuado, parece que, en lugar de Trueno, estemos leyendo un cuento infantil, la especialidad al parecer del señor Ferrándiz, amén de dibujar tías en bolas, como ya demostró en su álbum “Casanova”.

Sí, señor Ferrándiz, dedíquese a eso último y deje al Capitán Trueno en paz; no nos hace falta que nos siga exhibiendo a los lectores que amamos este personaje nuevas dosis de su egolatría, como ya hizo con la colaboración de Boix y ahora en solitario, obstinándose en entrar –inútilmente, he de añadir- en el olimpo de autores de nuestro héroe como sea, porque ni siquiera es capaz de transmitir, en un momento que se supone tan especial como puede ser la boda entre Trueno y Sigrid la más mínima chispa de emoción, además de anular todo el detallismo que esto requiere (un pobrísimo pin-up con un aun más pobrísimo diálogo)... Su carencia de talento no se soluciona introduciendo personajes clásicos al final de la historia para granjearse la simpatía del lector más avezado, señor Ferrándiz, sino más bien todo lo contrario: lo que provoca es una indignación de este aún mayor.

Después de la fatal impresión causada por la mediocre película, aderezada encima con la lectura de este patético tebeo, a uno sólo le queda suponer que, en lugar de levantar y actualizar la leyenda como sólo esta debe merecerse, el objetivo de productores, autores, editorial y demás caterva de irresponsables sólo es uno: hundir de modo definitivo el personaje... Quizás sea lo mejor, porque para seguir soportando nulidades que juegan con nuestros sentimientos y nuestras ilusiones, es preferible enterrar de una vez y por todas al Capitán Trueno.

* * *

Y con esta entrada damos por concluida de modo definitivo nuestra labor al frente de este blog. "The Lone Freaker" cierra para siempre, y he escogido la fecha de su segundo aniversario para proceder a su clausura... ¿Por qué? Muy sencillo: la motivación es quizás el factor primordial y más importante para elaborar día a día un blog, sean cuales sean sus características, y la misma en este rincón ya se ha desvanecido por completo; su progreso a lo largo de dos años ha sido irrisorio, como irrisorio ha sido su seguimiento. Es cierto que durante mucho tiempo las ganas por escribir han podido más que los eventuales desengaños que he padecido (los pocos que habéis seguido este blog casi desde sus inicios, sabéis de qué hablo), pero hasta esas mismas ganas tienen un límite, un límite que ya he sobrepasado en todos los aspectos.

Sí, éste es el final. "The Lone Freaker" no continuará, pero sí mi labor como bloguero... Aquellos que sean seguidores del Capitán Trueno me podrán encontrar al frente de "El Sonido del Trueno", un rincón dedicado casi en exclusiva a este héroe; los aspectos más interesantes relacionados con este personaje -actualmente en el candelero, pero no bajo la vertiente positiva que desearíamos- gozarán de mi plena atención así como aquellos que colaboran conmigo en ese blog... Allí, a quien os guste Trueno, os espero.

Y para finalizar, no puedo dejar de agradecer a todos aquellos que, durante dos años, han seguido y visitado habitualmente este blog, considerando así que aquello que aquí se exponía era de su interés... Y por supuesto, este agradecimiento es extensible a los que lo continuaréis visitando aunque "The Lone Freaker" no se nutra de nuevas entradas. De verdad y de todo corazón, muchas gracias a todos.

Nos vemos.

Clayton.

12 de octubre de 2011

Ni maravilla ni esperpento, sino todo lo contrario

2011-10-09T03:35:00.002+02:00

Mientras veía esta tarde en la casi vacía sala del cine "El Capitán Trueno y el Santo Grial", mi cabeza, amén de los detalles que me proporcionaba la pantalla, estaba inmersa en cómo encauzar este post que con estas líneas da inicio; os aseguro que realizar esta entrada no suponía a priori para mí tarea sencilla (ni aún ahora lo sigue siendo), porque debía supeditar mi afición y devoción por el personaje de Mora a una supuesta objetividad, con todo lo que eso conlleva, a la hora de analizar el film, y definitivamente he de decir que no creo que la misma quede plasmada íntegramente a lo largo de este artículo, pero al menos intentaré ser lo más sincero y coherente posible sobre qué me ha parecido la película.

Dado que ya habían aparecido en Internet variadas críticas que se afanaban en destrozar la adaptación cinematográfica del Capitán Trueno, era lógico y previsible que gran parte del público, sobre todo el más profano, se hubiera ya empapado de semejantes reseñas, retractándose así de acudir a una gran sala a ver lo que casi abrumadoramente era considerado un despropósito... Yo era algo que ya esperaba, sinceramente, de modo que cuando entré en la sala y vi que ésta quedaría ocupada por un número risible de espectadores, mis sospechas se fundaron del todo. Este ínfimo público, por otra parte reducido a una aún más ínfima fracción, se convirtió además en un molestoso aliciente que a lo largo del metraje no dejó de incordiarme, debido a su proximidad, con sus estúpidas risas al considerar ridículo casi todo lo que llegaba a sus sentidos... Algo que no entiendo, francamente; si la película no te gusta y te ríes de ella de lo mala que la consideras, ¿por qué la sigues viendo? ¿Te lo estás pasando realmente en grande burlándote de un film con el que no estás disfrutanto en absoluto? ¿Qué sentido tiene? ¿Por qué tienes que molestar a la gente que de verdad quiere verla a pesar de sus defectos? ¿Eres tonto?

Pues a pesar de esta constante tocada de narices durante casi toda la película, puse (o al menos procuré poner) toda mi atención en la misma, intentando seleccionar a cada momento sus pros y sus contras, que de ambos tiene, al menos para mí... Y aún ahora sigo opinando que los múltiples defectos que posee la película no es ni siquiera culpa de la película, sino de otras circunstancias inherentes a la misma.

Me explico: en este país estamos hartos de ver superproducciones americanas; despampanantes espectáculos visuales en los que han desembolsado ingentes e indecentes cantidades de dinero con dos fines principales: primero, ganar más de lo invertido y segundo (y no al revés), distraer al público de la mejor manera posible, que al fin y al cabo es el que suelta ese dinero a ganar en el primer objetivo... Normalmente, estos blockbusters consiguen sus fines en la mayoría de casos; en otros, cada vez más habituales (como los recientes experimentos de "Conan" y "Cowboys vs. Aliens") se pegan el trompazo más estrepitoso, demostrando con ello que el hecho de que haya dinero sobre la mesa no significa necesariamente que el producto sobre el que se invierte sea bueno o medianamente decente, y esto es lo que con toda probabilidad pensará mucha gente de "El Capitán Trueno y el Santo Grial": que como es una superproducción española "al estilo Hollywood", pero eso sí, mal hecha a pesar de haber muchos cuartos tras ella (nada más lejos de la realidad) hay que defenestrarla todo cuanto sea posible.

Sí, reconozcámolo ya en términos plenamente objetivos o cinematográficos, como prefiráis: "El Capitán Trueno y el Santo Grial" es un film notablemente mediocre, es cierto, pero dicha mediocridad se ve superada para mí por el inmenso valor, con todas las dificultades intrínsecas, que no han sido pocas, que han tenido sus responsables de plasmar en imagen real un tebeo tan complicado como El Capitán Trueno y además, procurando en su mayor parte que la película transmita, a pesar del elevado elemento fantástico presente -imprescindible hoy día en toda película de aventuras que se precie-, una alta dosis de fidelización a la fuente original, algo que, para gran parte del ignorante público (e incluyo el sentido peyorativo en el adjetivo), como he tenido el infortunio de comprobar, ello era sinónimo de ridículo o estupidez.

Y ese valor al que aludo en el párrafo anterior se ve sumamente acrecentado cuando uno debe reconocer forzosamente que una película como "El Capitán Trueno y el Santo Grial" abre (de modo infructuoso, por desgracia) una veda en el cine español que apenas ha sido explotada, como no fuera a través de coproducciones en los años sesenta, setenta e inicios de los ochenta del siglo pasado: el género de aventuras, el cine de puro entretenimiento, las películas para todos los públicos en suma... ¿Cuándo se ha hecho algo así aquí? O si lo preferís, ¿desde cuándo no se hace?

"El Capitán Trueno y el Santo Grial" lo ha hecho: ha abierto una valiente y muy arriesgada puerta que el cine hecho aquí jamás ha querido flanquear, y lo ha hecho con el mérito añadido de contar con un presupuesto que sería impensable en una producción actual de Hollywood que adaptara a alguno de los iconos del cómic norteamericano; en USA, un proyecto basado en un personaje mítico de aquel país con el dinero que se ha invertido en la de Trueno habría quedado inmediatamente anulado. Ni siquiera se hubiera planteado; los de Maltés Producciones, en cambio, han tirado para adelante la película con todas las vicisitudes económicas que ésta ha tenido (las circunstancias de las que antes hablaba) y nos han traído nada menos que una película del Capitán Trueno, y yo esto he de alabarlo, a pesar de todo.

¿Qué hubiéramos preferido una película mejor del Capitán Trueno? La respuesta a eso es indudable, pero planteémonos la pregunta de otra manera: ¿Creéis de verdad que alguien en este país hubiera dedicado un mayor esfuerzo económico en una película del Capitán Trueno de lo que lo ha hecho la compañía de Pau Vergara? Yo me inclino a pensar que no, y teniendo en cuenta la enormidad de complicaciones que ha tenido Trueno para ser llevado al cine, creo (sí, de verdad), que los truenófilos, si no contentos, podemos considerarnos medianamente satisfechos, y dicha satisfacción puede ser nutrida por varios elementos, muy positivos, que, en contra de lo que pueda pensar la mayoría, sí posee el film:

-La escena inicial. La presentación de Trueno, dispuesto a rescatar a sus amigos, es antológica. Bebe del mejor cine de aventuras clásico y actual hollywoodense; me encanta cómo prepara la cuerda por la que se desplazará sin que el rostro quede descubierto al espectador, en la mejor línea tradicional de cómo ha de presentarse un héroe.

-Sergio Peris Mencheta, un Capitán Trueno del todo convicente; es un soldado de fortuna, como él mismo se define, que sólo cree en sí mismo, en sus compañeros y en su espada; que se sabe humano y se considera como tal, y no el redentor que materializará ninguna antigua profecía... Se le ha dotado de una cierta debilidad que nunca poseía en los cómics y de un origen si cabe más atractivo que el que concibió Mora, y esto sin duda enriquece a un personaje cuya evolución a lo largo de los años ha sido nula.

-Alejandro Jornet como el mago Morgano, indiscutiblemente el mejor secundario de todo el metraje; su interrelación con Trueno es de lo mejor de la película y el carisma que impregna al personaje el actor que lo interpreta concede al film de una cierta nota de calidad que, por desgracia, no posee en su conjunto.

-La relación fraternal, llena de cariño, aprecio, preocupación y, cómo no, reprobaciones, entre Crispín y Goliath está prácticamente calcada de los cómics y Manuel Martínez (Goliath), que no es actor profesional, y Adrían Lamana (Crispín) se esfuerzan notablemente por hacerla creíble... Es también memorable el momento en que Crispín, profundamente preocupado por su capitán, apenas presta atención a una muchacha que pretende flirtear con él.

-Natasha Yavorenko... Lo cierto es que me ha sorprendido como Sigrid. En un principio pensé que carecería por completo de un registro convincente, limitándose a citar mecánicamente sus frases y, aunque es cierto que hay momentos en que su actuación resulta muy forzada, en términos generales no lo hace nada mal.

-Los créditos finales, donde ciertos fotogramas de la películas son transformados en viñetas de un cómic que pasa rápidamente sus páginas al compás de la nueva versión de la canción de "Asfalto".

-Por supuesto, la música. La banda sonora, compuesta por Luis Ivars, es excepcional durante toda la película y es quizás lo mejor de toda ella; plasma en su justa medida y en el momento adecuado emoción, acción, drama y suspense... Lástima que las imágenes a las que acompaña no expresen lo mismo.

Todo esto, no obstante (seamos justos) no salvará un film con un guión que adolece de numerosos socavones argumentales, de concepción plana, montaje anárquico, tedioso en ocasiones y con un clímax final por completo vacio de emoción, y si a esto le sumamos la histriónica interpretación de Gary Piquer como Sir Black, amén de otros aspectos igualmente censurables cinematográficamente, no es descabellado afirmar que la película del Capitán Trueno puede convertirse en un fracaso tremebundo del cine español y una oportunidad por completo perdida para encauzar un cine de género en nuestro país. Si el presupuesto hubiera sido mayor, quizás sí podríamos estar hablando de otra película del Capitán Trueno, pero esto es lo que hay; este es el resultado y con él, nos guste o no, hemos de conformarnos los truenófilos.

En mi caso, como aventuraba al principio de esta entrada, durante algo más de hora y media el corazón ha luchado denodadamente contra la razón. He querido que me gustara; he tomado los elementos que he considerado buenos; he desechado los que no, que apenas he querido nombrar aquí, pero que son imposibles de obviar, y el resultado de todo ello es que creo que este film quedará patente entre los aficionados a Trueno como un acontecimiento único, pero al mismo tiempo padeciendo estos el lastre de una cruel desazón por ver cómo una valiosíma oportunidad se ve perdida al no no haber contado con los recursos que podrían haberla convertido en imperecedera, quizás tanto como el héroe al que ha dado vida.

Superman sigue siendo uno: Christopher Reeve

2011-10-02T00:36:00.004+02:00

Y para muestra, un botón: el momento del rescate del helicóptero de "Superman el Film, edición especial" que los responsables de Phenomena tuvieron a bien de proyectar en el cine Urgel el jueves 29 y 30 de septiembre... Atención a las ovaciones y los aplausos del público presente en la sala; con toda seguridad es un film que dichos espectadores habrán visto incontables veces (como le pasa al que suscribe), pero eso no es óbice para que, al ver una vez más la primera aparición de Superman en el cine como tal (si exceptuamos el despegue desde la Fortaleza de la Soledad), la emoción vuelva a surgir en tromba de su interior, del interior de aquellos afortunados que, en esa enésima pero especialísima ocasión, volvieron a ver al mejor actor que ha encarnado al Hombre de Acero surcar de nuevo los cielos para hacer el bien.

Gracias a Rafael García González por el aporte.

Grandes joyas del cine: "Amor en conserva" (1949)

2011-09-18T21:21:00.004+02:00

"Amor en conserva", el film que hoy tratamos, clásico donde los haya, supuso la última colaboración conjunta de los hermanos Marx, pero también es conocida fundamentalmente porque fue el debut (efímero, eso sí) de la inmortal Marilyn Monroe en la pantalla grande.

La historia de la película parte de una idea original de Harpo Marx, que aquí, una vez más, realiza magistralmente el papel con el que nos deleitó en todas las películas en las que trabajó con sus hermanos: el pícaro buscavidas de generoso corazón que aquí no duda en robar toda la comida posible para alimentar a un grupo de humildes artistas que esperan que con la función que preparan, no sin varios contratiempos, cambie su suerte… El hecho de que un valioso collar de diamantes se halle oculto en una de las latas de sardinas que Harpo roba, ansiado por una “femme fatale” que no duda en utilizar toda clase de trucos para conseguirlo, origina la consecución incesante de unos momentos divertidísimos en los que no faltan grandes dosis de puro surrealismo tan propio de las películas de los famosos cómicos.

Chico Marx comparte protagonismo casi absoluto con su hermano en esta última colaboración juntos, pero no por ello exenta de la calidad de anteriores producciones. Se echa de menos una mayor intervención de Groucho Marx, aquí en el papel de un despistado detective que tiene por misión recuperar el tan disputado collar y que, sólo al final de la cinta, adquiere su papel una cierta relevancia, a pesar de ser él mismo el narrador de la historia.

Por supuesto, no faltan los números musicales, tan propios igualmente de las otras películas, aunque aquí el peso de los mismos no es tan relevante. No obstante, Chico sigue deleitándonos con su excepcional habilidad en el piano, donde las pizcas de humor no falta, como era tan característico en las otras películas, y Harpo vuelve a dar una lección magistral rasgando las cuerdas de su arpa, culminando con ello el momento más enternecedor de toda la película.

“Amor en conserva” sigue siendo, a pesar de los años, una excelente película cómica que, a pesar de ciertos huecos argumentales que quedan obviados para facilitar el ritmo de la misma, ha aguantado muy bien el paso del tiempo y que, junto con las otras producciones que protagonizaron los Marx, necesitaría en la actualidad de una mayor difusión y reivindicación con el fin de dar a conocer a las nuevas generaciones que hoy tanto disfrutan con esperpentos como “Disaster Movie”, “Casi 300” y similares, a los auténticos maestros del humor absurdo que fueron los hermanos Marx.

Tráiler definitivo de "El Capitán Trueno y el Santo Grial"

2011-09-15T00:39:00.004+02:00

Bueno, se ha hecho de rogar, pero ya lo tenemos aquí, aunque la verdad es que no muestra mucho más que el teaser-tráiler con el que se nos presentó el film hace meses... Yo no sé si esto es buena o mala señal, porque ya se sabe que si te enseñan mucho, en muchas ocasiones lo que ves en el avance suele ser lo mejor de la película y el resto, pura morralla... En fin, ya veremos cómo resulta esta esperadísima adaptación cinematográfica de "El Capitán Trueno", de la cual, a través de sus dos tráilers, ya han surgido lógicamente posturas de todo tipo (sobre todo negativas, para qué engañarnos) por parte de los fans, yo inclusive... En mi caso, quiero decir que esperaré a verla en el cine para juzgarla aquí con total conocimiento de causa, y así consecuentemente afirmar que se trata de una buena peli de aventuras hecha en estos lares, además de una más que correcta adaptación, o por el contrario, catalogarla como un total despropósito que Trueno no se merece... A partir del 7 de octubre, quedará desvelada una u otra impresión.

Por cierto, ¿no os parece que en el momento final del tráiler, con lo de las páginas del tebeo pasando, se han inspirado (por no decir calcado) en el logo cinematográfico de Marvel?

"La venganza del Jaguar"

2011-09-13T11:20:00.005+02:00

La película cuyo título encabeza este “post” es el típico subproducto de serie “B” destinado directamente a vídeo, que tanta profusión tuvo a finales de los ochenta y primera mitad de los noventa –hoy día, por supuesto, se siguen encontrando maquinaciones semejantes, pero más cuidadas-, y que si sólo merece un único –y esforzado- visionado, es porque trata muy de cerca el tema de los superhéroes, género al que desde siempre he sido muy aficionado, huelga decirlo.

El origen del héroe en cuestión, “El Jaguar”, ronda muy cercanamente el de un también conocido héroe de cómic, “The Punisher”, al menos en su vertiente cinematográfica (mira por dónde; la última versión para el cine de este héroe se inspira a su vez mucho en esta película que tratamos… ¿o será una impresión mía?): un antiguo agente ve cómo su familia es asesinada como venganza a manos de un poderoso narcotraficante que fue a la cárcel gracias a una operación encubierta por parte de aquél, y el antiguo agente de la ley, deseoso igualmente de castigar al responsable del asesinato de su familia, se embute en un traje que confecciona basado en un personaje creación de su hijo asesinado, apoyado por varios “gagdets” que le facilitarán su labor de lucha contra el crimen y por el valioso asesoramiento de un maestro oriental (interpretado por John Fujioka) que le ayudará a fortalecer un físico y su mente.

Como ya se puede apreciar en el párrafo anterior, el film, como todo característico producto de serie “B” que se precie, está lleno de topicazos amén de un guión ramplón que busca la acción por la pura acción, sin detenerse a conceder explicaciones de por qué pasa una cosa u otra; lo importante es ver al héroe en cuestión actuar contra los villanos, no contar por qué suceden dichas actuaciones… Como ya se puede suponer, la puesta en escena, los decorados y los efectos especiales son de risa, y los actores solemnemente malos, a pesar de contar en su elenco con caras muy conocidas, que se limitan a decir sus frases y a cobrar sus –supongo- escuetos cheques.

“La venganza del Jaguar”, empero, no defrauda, porque es una cinta evidente que, si entiendes algo de cine, sabes lo que te va a ofrecer, sin ir más allá… Un mero y barato entretenimiento de hora y media que no te hará pensar mucho y, en cambio, sí hacerte soltar más de una sonrisa ante su consabida mediocridad.

Superman y James Bond juntos... ¿Un crossover? No, es Phenomena

2011-09-07T10:43:00.009+02:00

Gracias a la sempiterna atención del amigo y paisano Rafael García González en todos aquellos acontecimientos relacionados con lo que más nos gusta (a vosotros y a mí), me entero por él de esta interesantísima sesión doble de cine en la celebérrima sala Urgel de Barcelona. Dicha proyección, a celebrar los días 29 y 30 de septiembre, cuenta con un aliciente único, y es que la copia a exhibir de "Superman: The Movie", según aseguran los responsables del cine Urgel, es la única existente en formato 35 mm que cuenta con una duración de 151 minutos y que además ha sido supervisada personalmente por el propio Richard Donner. Dicha edición, además, jamás ha sido proyectada en cines, lo cual convierte la sesión en algo sin parangón. Y por si esto fuera poco, Pierre Spengler, uno de los productores de la película, asistirá a la proyección... Atrayente, ¿verdad?

Y por si esto fuera poco, la doble sesión se completa con la exhibición del film "La espia que me amó", protagonizada en 1977 por Roger Moore en el papel del famoso agente 007... Es sin lugar a dudas uno de los films más espectaculares de la saga, y creo que el principal responsable de mi preferencia temprana por Moore en la piel del agente secreto; todo un despliegue de decorados, efectos especiales, acción a raudales y bellísimas mujeres... ¿Se puede pedir más?

Para los afortunados que puedan asistir, les recomiendo que vayan reservando entradas... No creo que una oportunidad así se repita en mucho tiempo y es lógico que sean muchos los que deseen participar de la misma, de modo que, ¡espabilaos!

“Super 8”: cuando nos encanta mirar hacia atrás

2011-09-04T01:44:00.009+02:00

Tras el aluvión de adaptaciones superheroicas en el cine, iniciado antes del verano, nos han llegado ya en las postrimerías de dicho periodo estival dos novedades a priori atrayentes y dignas de mención, pero la respuesta de público y crítica, luego de la exhibición de ambas, ha puesto finalmente a cada una en el lugar que merecen (y que por otra parte prometían)… La primera es la nueva adaptación de “Conan” que, en un alarde de imaginación sin límites, sus responsables han subtitulado igual que la recordada cinta de John Milius, un detalle que ya no auguraba nada bueno del film, como así ha sido a juzgar por los resultados (el tráiler a mí ya no me convencía en absoluto), y la otra es la esperada cinta de J.J. Abrams “Super 8”, una presuntamente encantadora y nostálgica revisión al cine que nos concedió la nunca bien ponderada década de los ochenta, de modo que, entre una muy decepcionante versión del cimmerio y una película que potencialmente me traería muy buenos recuerdos, no era difícil tomar una decisión sobre cuál de las dos elegiría ir al cine.

Es justo decir que quien espere de “Super 8” una muestra más de la portentosa y al parecer inacabable imaginación de Abrams (bien demostrada en la pequeña pantalla) trasladada ahora a las grandes salas, quedará en verdad decepcionado, porque no hay nada de eso… Es cierto: “Super 8” NO TIENE NADA DE ORIGINAL, PERO TAMPOCO LO PRETENDE. La película es un eficaz ejercicio de revisitación al cine que nos legó fundamentalmente Steven Spielberg y su productora Amblin en el ocaso de los setenta y durante la década de los ochenta… Tal es así, que el logo de la compañía del director de “E.T.”, en desuso desde hace años, vuelve a encabezar una producción que sabe debe mucho al talento que supo plasmar aquel en decenas de inolvidables películas con las que los de mi quinta nos hemos criado y visto incontables veces, ya fuera en su faceta de director o simplemente productor… J.J. Abrams no se esconde en absoluto en “Super 8”, y pergeña un producto que se limita, digámoslo así, a homenajear la obra de Spielberg y el cine que nos legó hace más de un cuarto de siglo.

En “Super 8” el espectador avezado (y el que no lo es tanto) encontrará referencias inconfundibles a títulos que se afianzaron firmemente en la memoria infantil de los ya –o casi- cuarentones de hoy; es difícil no aludir a “Los Goonies”, "Encuentros en la tercera fase" y sobre todo a “E.T.” durante el visionado de “Super 8”, y quizá es por ello, por tan abrumadora dedicatoria a un modo de hacer cine que marcó época, que la película, sobre todo en su tramo final, no puede evitar sentirse lastrada por una considerable dosis de previsibilidad… Curiosamente, Abrams no sólo manifiesta un fervor casi religioso al legado de Spielberg en su película, sino que la misma incluso cuenta con un encantador guiño al cine de ciencia-ficción de los cincuenta (el ejército americano combatiendo –infructuosamente, claro- contra… algo fuera de lo común), por lo que puede apreciarse que las intenciones del director no es sólo evocar su admiración al cine que le atrapó de joven, sino también a aquel que, bajo producciones modestas, abrió hace décadas el camino a un género hoy indispensable: el fantástico.

“Super 8” nos trae de vuelta a esa pandilla irreductible de amigos incomprendidos, apartados, marcados por la tragedia y sin duda algo frikis, que se ven envueltos en una aventura sin precedentes en una pequeña y poco importante ciudad norteamericana, y lo hace con los medios de ahora, ganando evidentemente en espectacularidad, pero centrándose por fortuna en lo más importante a la hora de hacer cine, y esto es contar con eficacia una historia, una historia salpicada de reverencias a un autor y a su obra que por ello precisamente no sea en absoluto nueva, pero no por ello deja de cautivarte de la misma forma que, bajo aquellas producciones a las que rinde pleitesía, lo hizo en su momento.

“El caballo de hierro”, una aventura del Teniente Blueberry

2011-09-03T16:50:00.006+02:00

* El motivo por el que elegí este álbum como el primero de una serie de lecturas que esperaba iniciar dedicadas a tan conocido personaje del cómic francófono fue puramente nostálgico; hace muchos años, en algunos ejemplares de una revista de cómics llamada “Hunter” (comprados de saldo en un puesto de venta de tebeos en el casco antiguo de Cádiz) que estaba dedicada a, según su propia publicidad, “los mejores cómics del Oeste”, leí algunos fragmentos de dicha historia… Lo cierto es que, junto con “La leyenda de Alexis McCoy”, es lo que más gratamente recuerdo, así que, cuando estuve hojeando los álbumes del poco ortodoxo teniente en la Biblioteca de Terrassa, pensé: “¿Por qué no me llevo éste?...” Y eso fue lo que hice.

* Su lectura es sumamente agradable, dado que goza de sobras de la principal característica que tiene que poseer un cómic y que es entretenimiento; resulta un “western” resultón, ameno y de notable ritmo, que en ningún momento tiende al aburrimiento, algo muy a destacar si tenemos en cuenta que la historia tiene ya 41 años (ya se sabe, los cómics clásicos, como las películas, son los mejores).

* Si hemos de fijar un “pero”, éste es únicamente atribuible a la edición española de Norma: la rotulación es pésima, como hecha a mano con dejadez y chapucería, algo muy recriminable en los tiempos actuales, donde la informática se ocupa ya de modo exclusivo a dicha tarea de un modo sumamente atractivo. Semejante defecto rebaja una edición generalmente correcta, que sin duda hubiera merecido en ese aspecto un mejor trato.

Vuelvo de vacaciones y... ¡Zas, la primera en "toa" la boca!

2011-08-20T21:18:00.009+02:00

Nada más regresar de una más que merecida semana de descanso -y total "desconexión"- me encuentro con que el amigo y paisano Rafael González me informa de que el proyecto que Disney estaba preparando para el Llanero Solitario mano a mano con Jerry Bruckheimer queda cancelado por motivos puramente económicos (aquí, el enlace suministrado por el amigo Rafa)... Es sencillo; se ha de invertir mucho dinero en llevar de nuevo al más famoso enmascarado del Oeste a la gran pantalla en una película que, con independencia de que convenza o no a los fans (que esto es, por desgracia, secundario, visto cómo funciona el negocio hoy día en Hollywood), debe necesariamente no sólo recuperar, sino además superar con creces el presupuesto que se le conceda y, seamos sinceros, esto hoy día, en un film de género "western", está muy complicado. Sin embargo... ¿quién dijo que la nueva de "The Lone Ranger" sería "sólo" un "western"?

Buscando más datos sobre la nefasta cancelación, me encuentro con esta información por parte de la página de TCM en la que se indica que aún existen esperanzas para la nueva adaptación del Llanero y en donde se expone sucintamente el motivo principal por el que la peli del enmascarado necesitaba a priori una cantidad desorbitada de dinero que debe verse forzosamente reducida si desea ver definitvamente la luz, y es que el famoso héroe no se iba a enfrentar a malvados indios o a ambiciosos y poderosos caciques, sino contra "hombres lobo nativos" (sic)... ¿Y qué puñetas es un hombre lobo nativo? ¿Un hombre lobo con plumas en la cabeza que usa arco y flechas?... Dicha confrontación pensaban realizarla en un tren, con la intención de que fuera una escena memorable... Esto, tal como dice la info de TCM, requiere soltar un pastón en CGI (en cristiano: efectos digitales), y claro, ni Disney ni Bruckheimer lo ven claro... Ni yo tampoco. Es evidente que la intención de Disney (¿y es que alguien lo dudaba?) es hacer una versión "Piratas del Caribe" en el oeste, utilizando al pobre Llanero como conejillo de indias; el hecho de que tanto Gore Verbinski (director de las tres primeras de "Piratas...") como Johnny Depp estén inmiscuidos en el proyecto de "The Lone Ranger" hace si cabe aún más claro cuál es la visión que tienen tanto los de Disney como Bruckheimer para llevar de nuevo al Llanero al cine: un producto puramente palomitero dirigido, como bien indica también mi amigo Rafa, a un público juvenil en su abrumadora mayoría, que es al fin y al cabo el que llena actualmente los cines, prescindiendo por completo de elementos como la calidad. el homenaje o el respeto a la leyenda original... A pesar de todo esto, confieso mi deseo de que persista la intención de llevar al Llanero al cine, porque es un personaje que se lo merece y siempre valdrá la pena ver, sea como sea, al Llanero Solitario otra vez a las grandes salas... No quisiera, por otra parte, en que tener esta nueva oportunidad se pagara a cualquier precio (por todo lo que representa para muchas personas (yo incluido) la longeva trayectoria audiovisual, gráfica y literaria del Llanero a lo largo de los años), pero, ¿a alguien le importa? Porque a Disney y a Bruckheimer no; a estos lo único que les interesa es una cosa (sí, abramos los ojos a la realidad, amigos: esto es un negocio): ganar dinero, y esto sólo lo conseguirán con el Llanero si lo manipulan a su antojo.

Aunque, si reducen el presupuesto, puede que prescindan de los "hombres lobo nativos"... Aún hay esperanza.

Aquellas maravillosas películas: “Panorama para matar” (1985)

2011-08-13T01:25:00.006+02:00

“Panorama para matar”, la película en la que Roger Moore se despidió del más inmortal de los espías, se convirtió para mí en su momento en una de las películas más ansiadas por ver en el cine; hasta el momento de su estreno –verano del 85 en España- tan sólo había disfrutado de un film de James Bond en el cine: “Nunca digas nunca jamás”, protagonizada por Sean Connery en 1983, que a la postre (aunque en su momento no lo sabía, claro) no quedaba encuadrado dentro de la saga “oficial” del agente secreto más famoso del mundo (el buen conocido de Bond sabe que se trata de un “remake” de “Operación Trueno” (1965), y que un litigio por la autoría de dicha historia entre los que la concibieron permitió el regreso de Connery al tiempo que Roger Moore protagonizaba, de la mano de Albert R. Broccoli, el principal y más famoso promotor de las adaptaciones cinematográficas de las novelas de Ian Fleming, “Octopussy”)… Esta película “oficiosa” de James Bond me fascinó y fue la que, paradójicamente, me adentró en el universo del personaje, así que cuando llegó a los cines la que sería la última cinta que protagonizaría Roger Moore como 007, deseaba lógica y fervientemente revivir la misma maravillosa sensación que experimenté con la de Connery, donde también precisamente dijo adiós de modo definitivo a Bond.

Lo cierto es que a mí siempre me gustó más Roger Moore que Sean Connery como James Bond, y creo que la razón es simplemente generacional; a pesar de que Moore, a lo largo de los siete films que protagonizó como 007 fue generalmente denostado por el carácter un tanto mordaz y por tanto poco serio que imprimió al personaje, alejándose así del Bond pragmático, implacable y metódico al que dio vida Connery, hay que reconocer que encabezó las que han sido quizás las aventuras más espectaculares (e irreales, es justo añadir) del agente británico; el empleo por parte de Moore de gadgets imposibles y sumamente adelantados a la época, que utilizaba contra megalómanos de un poder casi ilimitado en películas como “La espía que me amó” o “Moonraker” dejó huella indeleble en mí, de tal forma que consideré siempre a Moore como un Bond “moderno”, fantástico, cercano (¿por qué no?) al concepto mismo de superhéroe –que era lo que a mí, al fin y al cabo, me cautivaba- en detrimento de Connery, cuya interpretación de Bond juzgué durante mucho tiempo como “arcaica”, antigua o “anacrónica” (sigh).

Sin embargo, a pesar de la atracción que ejercía sobre mí Moore como Bond, la verdad es que, al final, por motivos que el tiempo se ha encargado de velar o incluso de confundir, no pude disfrutar de “Panorama para matar” en el cine, y esta engrosó de modo inevitable esa lista fatídica de películas que todos, estoy convencido, hemos “tenido” de niños: la que formaban aquellos films que siempre quisimos ver en pantalla grande pero por uno u otro motivo no pudo ser… Tuve que esperar a la anhelante llegada del primer vídeo a casa para deleitarme, no tan sólo con “Panorama para matar”, sino con el resto de films en los que Moore le puso cara a James Bond, evitando siempre en el videoclub aquéllas en las que Connery aparecía en las respectivas carátulas (menos mal que luego este desatino, propio de la simple inmadurez, fue corregido con posterioridad).

“Panorama para matar” fue, como ya he indicado, la última película que Roger Moore hizo en la piel del famoso agente secreto pero ello no la convierte en uno de las mejores del actor como 007 por dicha casualidad, sino por lo que, simplemente, es: una buena producción, en la mejor línea del famoso personaje, aderezada, como no puede ser de otro modo, por una buena historia, salpicada por los elementos imprescindibles en toda película Bond: acción, emoción, amor, espectacularidad, una catástrofe de proporciones descomunales al acecho y por supuesto, un gran villano que la pretenda consumar, y en este punto, rodeado a su vez por un notable elenco actoral, destaca un joven Christopher Walken como Max Zorin, la adecuada némesis de un James Bond, a pesar de todo, aún pletórico en cuanto a interpretación, pero ya falto de otras cualidades.

Y es que “Panorama para matar”, aun su indiscutible calidad como película de la serie Bond, pone a lo largo de toda ella en evidencia la necesidad imperiosa de un relevo en el protagonista; el film goza de escenas inolvidables de acción –la secuencia inicial, en las llanuras nevadas de Siberia, así como las acontecidas en París, en la Torre Eiffel y alrededores, o la culminante en pleno Golden Gate de San Francisco, son impresionantes- pero en todas ellas Roger Moore como Bond adolece del mismo problema, y esto es credibilidad para el papel; la utilización masiva de especialistas en las complejas escenas de persecuciones, tiroteos, saltos y luchas que una cinta como esta requiere se hace si cabe más que patente en “Panorama para matar”, donde se recurre para colmo a más que notorios “falsos fondos”, tan típicos en películas de varias décadas atrás, cuando es necesario algún primer plano de Moore en plena acción.

Hay que reseñar por otra parte que “Panorama para matar” es una película ciertamente atípica de la etapa de Moore como 007 en un aspecto que será “marca de fábrica” de toda la saga: la utilización de los famosos gadgets, que eran hasta cierto punto ridículos en según qué film del actor que inmortalizó “El Santo” (y en otros francamente envidiables, hay que reconocer), es aquí meramente anecdótica; en este postrero film de Moore, “Q”, el especialista en armas del MI-6, no se luce en exceso, y salvo la aparición de un –de nuevo- ridículo artefacto espía mitad perro mitad robot que por suerte no aparece mucho, Bond no usa en “Panorama para matar” ningún ingenioso artículo que le ayuda a salvar una situación crítica, tal como sí sucedía en aventuras anteriores (y posteriores a esta).

Pero lo que quizás convierte a “Panorama para matar” en un film inolvidable de la saga de Bond es, además por todo lo arriba indicado, porque cuenta, como asimismo se ha reseñado, con un villano ciertamente inquietante y turbador: Max Zorin, impecablemente interpretado por un entonces casi desconocido Christopher Walken… Zorin es producto de experimentos genéticos por parte de un viejo científico nazi, y lleva su psicopatía al extremo cuando pretende arrasar todo Silicon Valley con el fin de apoderarse del control mundial de microchips. Con tal nefasto fin, se verá respaldado por su exótica ayudante May Day (una Grace Jones realmente apoteósica en lo que fue su brevísima –y justificada- carrera en cine). Bond, por su parte, contará con la ayuda de la bella Stacy Sutton (la maravillosa Tanya Roberts, también con escasa fortuna en el celuloide: “Sheena”, “El Señor de las Bestias”…) para frenar los criminales planes de Zorin, llevando el máximo enfrentamiento entre ellos nada menos que a los pilares colgantes del Golden Gate.

En “Panorama para matar” se recurre además, de un modo por completo insólito, a un curioso homenaje o “guiño” a otra famosa producción británica de espionaje para la pequeña pantalla que conoció poco afortunada adaptación cinematográfica a finales de los noventa: “Los Vengadores” (por supuesto, no me estoy refiriendo a los de Marvel), un dúo de agentes secretos británicos compuesto por John Steed y Emma Peel. En esta película, Patrick Mcnee, el John Steed original, el de la serie de televisión, desempeña un pequeño papel como colaborador de Moore, cuando ambos pretenden desenmascarar la tapadera de Zorin como honesto criador de caballos purasangre para la competición.

John Glen, en este su tercer título consecutivo de la serie, dirige a Moore con soltura e incluso parece manifestarse en su labor plena consciencia de que “Panorama para matar” es el ocaso del actor representando a tan célebre personaje, dado el tono algo más serio que impregna al film y al mismo 007, alejándose así casi por completo del anterior, “Octopussy”; Moore se despide de Bond por la puerta grande, encabezando un más que digno film en el que de nuevo los preciosistas e innovadores títulos de crédito del ya fallecido Maurice Binder (un elemento inherente e imprescindible en cualquier película de James Bond que se precie) acompañados por el trepidante tema de Duran Duran “A view to a kill” te invitan a entrar al fascinante mundo de Bond, un mundo llenos de peligros, amores imposibles y villanos enloquecidos que para mí tendrán siempre a Roger Moore, sin menospreciar por supuesto el trabajo de los otros actores que lo han encarnado, como referente fundamental y más importante.

Con este "post", "The Lone Freaker" cierra por vacaciones... En breve, volveré a estar con todos vosotros para seguir dándoos la lata.

Portaos bien.

Hi-Yo Silver, away!!

"Lobezno: Agente de SHIELD"

2011-08-10T22:56:00.002+02:00

En este segundo volumen incluido dentro de la nunca decepcionante línea “Marvel Deluxe”, concluye la trayectoria de Mark Millar al frente de los guiones de la serie regular de Lobezno, habiéndonos ofrecido tanto con el anterior (“Enemigo del Estado”) como con éste dos extraordinarios arcos argumentales que sin duda son de lo mejorcito que a nivel de historias pueden hallarse en la periódicamente reiniciada serie regular del más famoso mutante de todos.

Mark Millar deseaba homenajear con “Agente de SHIELD” la clásica historia “Honor” que Chris Claremont y Frank Miller dedicaron a Logan en una de las primeras series limitadas que Marvel lanzó al mercado a inicios de los ochenta, y de un modo netamente práctico consigue traer todos aquellos elementos tan fascinantes que tanto aparecieron en dicha historia como en la primera memorable etapa de Miller al frente del Hombre Sin Miedo (La Mano, Elektra, el misticismo oriental…) en este segunda gran aventura de seis números, en la que Lobezno, libre ya de la nefasta influencia de Hidra que le convirtió nada menos que en el enemigo público número 1 de USA en la primera historia, titulada “Enemigo del Estado”, pretende ahora saciar su inagotable sed de venganza dirigiendo toda su furia contra la organización terrorista que lo manipuló y en concreto contra su cabecilla más resaltable, el Gorgón, un enemigo muy duro de pelar... Es de destacar la insistencia de Millar por convertir la confrontación entre ambos personajes, que representan a su vez dos poderosas corporaciones militares continuamente enfrentadas, en un conflicto pseudorreligioso, en el que Dios juega un papel primordial como el elemento clave al que Hidra, a través del Gorgón, pretende derribar; resulta realmente curioso ver cómo Lobezno, un personaje genuinamente implacable y de métodos poco ortodoxos asume sin reprobaciones el papel de paladín de un denominado Dios que él mismo nombra, y sin ironías, en más de una ocasión.

John Romita Jr. vuelve, tal como hizo en el volumen anterior, a realizar un trabajo francamente notable a los lápices, demostrando con su efectivo estilo, doblemente loable dado lo rápido que es dibujando, por qué es uno de los artistas más demandados en las diversas colecciones de la Casa de las Ideas, por las que ha pasado en su práctica mayoría.

“Agente de SHIELD” es una gran aventura plena de acción, emoción y drama, digna sucesora de “Enemigo del Estado”, y en donde se demuestra, una vez más, el gran saber hacer del que es uno de los mejores guionistas de cómics de superhéroes de la actualidad al lado de uno de los dibujantes más sólidos del género.

"Capitán América: El primer (y sin dudas el mejor) Vengador"

2011-08-05T23:41:00.012+02:00

De spoilers haberlos, haylos, pero... ¿Cómo queréis que haga la crítica entonces? :D

Últimamente, con tantos y sucesivos estrenos en relativamente poco tiempo por parte de Marvel Studios dedicados a los héroes fetiche de la casa madre, es decir, la editorial, empezaban a despuntar en mí serios temores de que la joven productora comenzara a encauzar sus películas como si se tratara de un restaurante de comida rápida: productos elaborados de manera industrial, para un consumo fugaz, medianamente satisfactorios y rápidamente olvidables... "Iron Man 2" me resultó sinceramente decepcionante, y "Thor" no es más que un eslabón casi sin personalidad (aunque algo más resultona que la segunda parte del Hombre de Hierro) en el camino hacia la que promete ser la gran superproducción de Marvel para el próximo año, "Los Vengadores"... Con estos dos precedentes, no tenía muy claro de que "Capitán América" fuera a ser distinto de éstos, algo que, de haber sido así, hubiera lamentado profundamente, ya que el personaje es uno de mis héroes favoritos de siempre (algún día contaré cómo confeccioné de manera artesanal el uniforme del Capi a un Airgam-boy azul :D), pero, por suerte, mi inicial escepticismo (que por otra parte nunca fue considerable, menos mal) se desvaneció casi de inmediato transcurridos apenas veinte minutos del film, porque debo decir que "Capitán América: el primer Vengador" es para mí una de las películas MEJOR LOGRADAS de Marvel Studios, si no la que más.

La película cuenta con todos los alicientes necesarios (y lo mejor, perfectamente engarzados) para hacer de la misma una de las más conseguidas adaptaciones de un superhéroe de cómic; para empezar, es aventura EN ESTADO PURO, realizada con un agradecido sabor añejo y encantadoramente "retro" que la hacen sumamente atractiva, algo por completo imprescindible en una cinta de sus características, dada la época en que se desarrolla... "Capitán América" bebe directamente de films ya considerados clásicos como "En busca del Arca Perdida", y como lo hizo ésta, sabe homenajear a la perfección la fuente en que también se basó la película protagonizada por Harrison Ford: los seriales cinematográficos (no en vano, el siniestro avión de Cráneo Rojo parece sacado del serial de Dick Tracy de 1937). En una película como ésta, por otra parte, es evidente que la ambientación juega un importante papel, y debo decir que en "Capitán América" es PERFECTA; Johnston -sin duda, el director ideal para el proyecto, porque cumple con creces- y todo su equipo han sabido trasladarnos con gran eficacia al Nueva York de los años cuarenta con gran convicción, dotando así al film de ese necesario aire clásico del que hablaba antes y que a mí particularmente me encanta, y si alguien piensa que por estar ambientada en la Segunda Guerra Mundial y poseer elementos tradicionales la peli puede resultar aburrida, se equivoca: el ritmo es EL ADECUADO; el hecho de que nos cuenten el origen del Capi desde que es un joven anémico no implica que el metraje se mueva con lentitud pasmosa, al contrario; es una máquina muy bien engrasada cuyas piezas trabajan de modo sincronizado y perfecto, en la que la acción fluye de manera adecuada y natural, convirtiendo al film en un ideal ejemplo de lo que debe ser el cine, en este caso el cine de aventuras: una historia soberbiamente cohesionada y narrada con pulso eficaz, aderezada a su vez con los elementos indispensables del género para que funcione (incluso el humor está dosificado en su justa medida; ni apabulla ni estorba, sino que es empleado de modo inteligente), y Johnston lo logra de sobras, de verdad.

Me ha sorprendido gratamente Evans como Steve Rogers; cuando supe de su elección, no me convenció mucho el hecho de que Johnny Storm se reencarnara en el alter-ego del Capitán, pero debo decir que lo borda, hasta el punto de que es difícil imaginar otro actor en la piel del héroe de las barras y estrellas. Gracias a un guión del todo inspirado, consigue transmitir ese espíritu de sacrifico inherente en el debilucho Steve Rogers, el cual, a pesar de las adversidades, nunca se rinde, y como perfecto contrapunto al mismo, tenemos a un más que correcto Hugo Weaving como Johann Schmidt a.k.a. Cráneo Rojo (¡qué cara de malvado que tiene este hombre! :D). La fantástica caracterización del villano del cómic, sin ser excesivamente barroca, permite a Weaving manifestarse con la dosis justa de maldad para que el personaje convenza sin resultar un fantoche inexpresivo, siendo REALMENTE la némesis del Capitán, algo que Johnston se ha preocupado seriamente en mostrar (atención a la escena en una pasarela colgante, sobre un silo de armas en llamas, en la que están frente a frente el Capitán y Cráneo, uno en cada extremo; ahí, en esos breves segundos, se refleja perfectamente la dualidad opuesta de ambos personajes y lo que impulsa a cada uno)... No puedo tampoco dejar de obviar la acertada maniobra de los guionistas al mostrarnos al Capitán América en sus primeras apariciones en el film (pero no en la forma en que podeis imaginaros) como aquello para lo que realmente fue concebido: como un elemento propagandístico dirigido a elevar la moral de las tropas y de la ciudadanía, animando a ésta a participar de un modo u otro en la contienda... En este punto quiero destacar el curioso anacronismo histórico que se comete con el personaje, cuando aparece en la peli la salida a la venta del primer número de "Captain America Comics" como un elemento más de dicha propaganda, porque este ejemplar apareció en marzo de 1941, cuando Estados Unidos aún no había entrado en guerra; en cambio, la acción del film arranca en 1942, momento ya en que el país está inmerso en el conflicto... Una efímera errata de escasa consideración que queda por completo supeditada al verdadero significado de este detalle en el film y que no es otro que mostrar respeto y fidelización a la obra original, incluso hasta de modo literal (sí, lo digo por el puñetazo a Hitler).

Antes he comentado que el elemento humorístico juega asímismo un papel pequeño pero importante en "Capitán América", el cual es empleado de modo sutil e inteligente, como he escrito líneas más arriba, y ello es encomendado en una gran parte al siempre estupendo Tommy Lee Jones, que interpreta al coronel Chester Phillips, un militar que se muestra escéptico con la elección de Rogers para el papel que el destino le ha deparado; el humor cínico que Jones sabe impregnar a su personaje le dota de un gran carisma, convirtiéndolo en un secundario de lujo junto a Stanley Tucci, que realiza una inolvidable interpretación como el doctor Abraham Erskine, la verdadera inspiración para el novato Steve Rogers en su nuevo y poderoso papel (emotiva y genial la conversación que mantiene con él la noche antes del "experimento").

Tan sólo encuentro un defecto (¡alguno tenía que haber :D!) en la peli: no me ha gustado nada cómo se resuelve la "hipotética" animación suspendida del Capi, porque sencillamente, ésta queda del todo velada en el film... ¡No se ve!; una vez culmina la misión final... ¿Qué pasa con él? ¿Por qué no se muestra cómo queda congelado? Hubiera sido un momento fantástico, ciertamente, y una verdadera lástima que Johnston no la haya plasmado en el montaje final, pero me ha gustado tantísimo el film en su conjunto... Que se le perdono, venga :D.

Total, que gracias a la excelente impresión que me ha causado este film, vuelvo a recuperar la fe en Marvel Studios y confío en que el ilusionante camino que ha emprendido en "Capitán América" lo continúe en sus próximos proyectos (aunque "The Amazing Spiderman"... No sé, no sé... Ya hablaremos cuando proceda). Al Capi lo volveremos a ver en "Los Vengadores" (¡no salgais del cine hasta que no se acaben DEL TODO los créditos!) junto a los otros héroes que ya han tenido su oportunidad en el cine... Es casi seguro que el Capi asumirá el liderazgo del grupo, y lo hará con cierta justicia poética, porque es indudable que su peli ha sido, hasta el momento, la MEJOR de todas.

¡Cooooño! ¿Planeta se queda sin DC?

2011-08-05T18:45:00.004+02:00

Nota de prensa de El Catálogo del Cómic:

El Catálogo del Cómic anuncia que ha adquirido los derechos de edición y distribución de DC Entertainment en España y los países de habla hispana de Sudamérica a partir de enero de 2012.

Desde ese momento, El Catálogo del Cómic será la empresa encargada de adaptar y publicar todos los cómics de la editorial norteamericana DC Entertainment, que incluyen las líneas editoriales Universo DC, Vertigo, Mad y DC Kids. El Catálogo del Cómic mantendrá la continuidad con respecto al programa editorial actual así como la numeración existente.

Estamos deseando ampliar esta información con más detalles a partir de septiembre.

Fundada en 1995, El Catálogo del Cómic construyó sus cimientos sobre la que es hoy su división comercial: la librería Cosmic y la tienda online www.planetacomic.net. Con el paso de los años, El Catálogo del Cómicha expandido sus áreas de negocio y creado departamentos de ventas, distribución, servicios editoriales, informáticos, etc. y trabaja para grandes empresas como Grupo Planeta (España) Sony, (Estados Unidos), Giochi Preziosi (Italia) o Cospa (Japón).

DC Entertainment, hogar de marcas icónicas como DC Comics (Superman, Batman, Green Lantern,Wonder Woman, Flash, etc), Vertigo (Sandman, Fábulas, etc) y MAD, es la división creativa encargada de integrarse con Warner Bros. y Time Warner.
DC Entertainment trabaja junto a las divisiones clave de Warner Bros. para dar rienda suelta a sus historias y personajes en todos los medios, lo que incluye, entre otros, el cine, la televisión, los productos de consumo, el entretenimiento casero y los juegos interactivos. DC Entertainment publica miles de cómics, novelas gráficas y revistas cada año, y es la editorial más grande de cómics en lengua inglesa del mundo.

Daniel Navarro, Beni Vázquez
El Catálogo del Cómic
Barcelona, agosto de 2011

Fuente: Blog de Cómics

Por lo arriba expuesto, se revela que el Catálogo del Cómic ha sido hasta ahora entidad colaboradora de Planeta y sus últimas intenciones son las de encauzar el vuelo editorial por sí sola, prescindiendo de ésta... Yo siempre había creído que pertenecían al mismo grupo, pero, a juzgar por el significado de la nota de prensa, en absoluto es así, sino que más bien en todo este tiempo ambas empresas tan sólo "han mantenido una estrecha colaboración"... Pues como esto se confirme... ¡Madre mía!, ya puede Planeta echar el cierre en cuanto a edición de cómics de manera definitiva... Estaremos atentos.

Henry Cavill YA es Superman

2011-08-05T17:12:00.009+02:00

Corre como la pólvora por la red esta primera y espectacular imagen de Henry Cavill como Superman... Como ya imaginábamos, el cambio en el uniforme, a raíz del famoso "reboot" de DC para septiembre (y la no menos famosa lucha de derechos de dicha editorial con los herederos de los creadores) era inevitable, y ¿sabéis qué? ¡Me gusta este cambio, me gusta mucho...! Hombre, siempre preferiré el "look" clásico de Reeve a todo, pero dado que hay que adaptarse (ug) a los nuevos tiempos (¿de verdad? :D) considero bastante acertada la que hasta podríamos definir como una brutal (bueno, hasta cierto punto, por lo expuesto a continuación) modificación en el que es probablemente el mejor uniforme superheroico de todos los tiempos.

Un motivo básico pero esencial para que le haya dado el visto bueno desde un principio a este "escamoso" atuendo (que el amigo Mariano Bayona ya lo ha definido como "vestimenta de caballero de las cruzadas") es el escudo, la "S"... ¡Exacto, señor Snyder! La "S" tiene que destacar, ser majestuosa... Es el símbolo del héroe y por tanto no puede quedar relegada a ser un simple adorno en el uniforme, que es lo que precisamente pasaba en la vestimenta de Routh... Cuando vi por primera vez el uniforme del nunca bien ponderado Brandon consideré que ese escudo no era nada apropiado, por su relativa insignificancia dentro del conjunto del disfraz... ¡Y mejor no hablar de la "S" del cinturón! Con Cavill hemos vuelto a un cinturón de corte clásico, una remodelación del que llevó Reeve, con una hebilla de tonos metálicos en lugar de aquel de encantador plástico amarillo que lució el malogrado actor... Las botas vuelven a ser de caña alta y dibujo igualmente clásico... Routh las llevó más bajas. Y el tono de la capa, si no estoy equivocado..., ¡Dios mío, es rojo! Y no morado, o lo que fuese lo que llevara el hasta ahora último Superman cinematográfico.

Nada, señores, reconozcámoslo: Cavill está muy bien en esta primera imagen como Superman... Tan sólo me falla un poco el peinado; no me gustan esas entradas... ¡Que vuelva el rizo! :D

"Cowboys & Aliens: Pues como la peli sea así...

2011-08-04T22:32:00.007+02:00

A la espera del estreno cinematográfico de esta curiosa mezcla entre "western" y ciencia-ficción, no he podido resistirme a leer la -definámosla así -novela gráfica en la cual se basa el esperado film que protagonizan Daniel Craig y Harrison Ford. Por supuesto, antes de leer ningún cómic, siempre ojeo el interior, y el visionado fugaz del contenido de este libro ya no me prometía nada halagüeño, al menos en el apartado gráfico. No obstante, como uno considera la labor literaria en el cómic igual de importante (¿se nota que uno es escritor? :D) pues decidí concederle una oportunidad, y al final, el resultado de la lectura ha sido efectivamente, el esperado: que el cómic "Cowboys & Aliens" es una AUTÉNTICA MIERDA.

Su creador, Scott Mitchell Rosenberg, al parecer es un avispado tipo que se encarga de crear franquicias de cómic sobre todo dirigidas al mercado del cine, amén de ser responsable de series de televisión y diversos contenidos para DVD's... Esta "obra" que hoy tratamos la pergeñó en el 2006, así que no puede considerarse semejante subproducto comiquero (tal como yo equivocadamente creía en un principio) como una consecuencia oportuna a raíz del estreno de la película, sino la (glup) base sobre la que se sustenta. No hay duda que el tal Rosenberg es un tipo listo, porque convencer a los productores de Universal de soltar sus buenos dólares en una película inspirada en esto, tiene mucho mérito, sinceramente. No obstante, y a juzgar por lo escuetamente visto en la red, la película no parece tener excesiva relación con este despropósito gráfico, ya que ni siquiera los personajes protagonistas son los mismos, de modo que aún podemos mantener la esperanza...

Empecemos por apartado gráfico de esto que se dice cómic, y que sin duda es lo que le convierte casi de modo exclusivo en un deplorable producto. El dibujo, que corre a cargo de Luciano Lima, es de un patetismo casi insultante; en ocasiones me ha recordado a la labor que, sobre todo a finales de los ochenta, llevaban a cabo muchos ilusionantes aficionados al cómic pertenecientes a mi generación en aquellos sencillos fanzines que con tanto esfuerzo, tanto económico como moral, intentaban publicar con el fin de dar a conocer su trabajo: sus historias y sus guiones, realizados con extrema sencillez, pero con indudable empeño... Eran simples aficionados que comenzaban, y muchos de ellos se han quedado en el camino; otros han progresado, pero quiero creer que el estilo de estos últimos ha madurado... ¿Es que el tal Luciano Lima se ha quedado estancado en su propio pasado? Porque su trazado es escueto y muy, muy básico; las perspectivas son casi infantiles; el sombreado, nulo (a veces da la sensación que los personajes "flotan", en lugar de estar sentados o tendidos en el suelo); el coloreado, de rotulador Carioca: vivísimo y, como digo, propio de niños; el encadenamiento secuencial, caótico; el lector se "pierde" inevitablemente, porque las imágenes se suceden de manera atropellada y confusa; incluso tiene el valor este Lima de exponer dos secuencias paralelas de acción en el (juas, juas) clímax del cómic, que un dibujante novato habría sido capaz de plasmar de modo más eficaz y acertado... ¿Y el desarrollo gráfico de los personajes? Sencillamente, no existe; los aliens que muestra aquí el dibujante no pueden ser peores; mi hija de nueve años los hace mejor, de verdad... En definitva, un total y completo desastre que parece increíble que venga realizado por un autor a priori profesional.

El guión.... Pues bueno, se deja leer, y si sus autores, Fred Van Lente y Andrew Foley hubieran contado con un ilustrador algo menos mediocre (hasta Herb Trimpe, en sus buenos tiempos, supera esto), hasta habrían hecho un cómic entretenido, igualmente olvidable, pero al menos más decente que esta "cosa"... Lo cierto es que, al leer la introducción, la historia promete, pero conforme te vas adentrando en la misma, te percatas de su tremenda vulgaridad, e incluso te sorprendes de que alguien haya tenido la desfachatez de publicar semejante basura... Si este cómic se lee hasta el final, es, como digo, gracias exclusivamente a un guión ameno y falto de rigor, que a veces hasta se agradece, siempre que el dibujo acompañe... Me ha hecho especial gracia que el alien villano de la historia supiera, siendo la primera vez que llega a nuestro planeta, lo que era un campanario (seguro que en su planeta, donde la vida dominante es supuestamente reptiliana, hay campanarios a cientos), y que los humanos del relato empleen de modo tan normal el término "alienígena"; está claro que en 1873, en Arizona, los habituales del lugar ya estaban más que acostumbrados a ver alienígenas por sus parajes, ¡faltaría más! ¡Estaban hartitos los pobres de ver aliens caminar y volar por sus cielos! ¿Y lo de los caballos de los indios con las herraduras que les permiten flotar? BWA-HA-HA-HA!!!

En fin, que tras la lectura tan divertida que he pasado esta tarde, aún mantengo las ganas de ver la peli, porque quiero creer que se ha desligado por completo de este tebeo tan horrendo... Al menos ya no tendré que preocuparme de la parte gráfica, porque esta, sencillamente, no se da en el medio cinematográfico; lo que me da más miedo es el guión, ya que tampoco sería de extrañar que nos encontremos con una simpleza similar a la de la novela gráfica, y si no, fijaos en la segunda y tercera parte de "Transformers"...

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (VIII)... Y la DC de entonces (IV)

2011-08-01T22:11:00.007+02:00

Llegamos a mayo de 1958, y en este mes ve la luz el número 119 de "The Lone Ranger" por parte de Dell Comics. Dicho ejemplar constó de las siguientes aventuras (de nuevo tres) dedicadas al mejor personaje ficticio ambientado en el Oeste americano: "Ranger Jim's Ordeal", "The Unseen Intruder" y "The Missing Markers". Young Hawk se mantiene como personaje de complemento en la colección, mientras que una historia de una sola página, "Go Home Gunman", clausura el ejemplar. El mencionado 119 luce como portada una gran foto del igualmente gran Clayton Moore... Serán habituales en la colección fotografías escenografíadas del actor caracterizado como el Llanero encontrándose protegido tras una roca o parapeto natural. En esta ocasión, la cubierta de este ejemplar es especialmente destacable por la patente expresión de tensión que refleja el rostro de Moore, como si estuviera alerta ante la posibilidad de un inesperado ataque que puede proceder del lugar más insospechado... Es una de mis portadas favoritas porque creo que manifiesta la mejor característica del Llanero Solitario: que no baja la guardia en ningún momento.

Como contemporánea a esta excepcional portada de Dell, en esta ocasión he escogido la cubierta del número 94 de la colección World's Finest de DC Comics. World's Finest era la serie en que Superman y Batman formaban equipo para combatir aquellos peligros de dimensiones tan considerables que ambos héroes por separado eran incapaces de afrontar (como cierto supergrupo de Marvel :DD). El título de la serie hacía honor a sus protagonistas, puesto que Superman y Batman (esto es indiscutible) siempre han sido los mejores del mundo de DC; sus antagónicas personalidades y por tanto sus contrapuestos modos de proceder sin embargo siempre se han complementado de modo preciso, consiguiendo así los mejores triunfos del excepcional dúo... En este ejemplar se nos narra el origen de tal alianza, y como puede leerse en la clásica portada, hasta el poderoso Superman posee ciertas debilidades que, bien manejadas, pueden ser superadas incluso por alguien cuyo único poder es su habilidad e inteligencia: el Hombre Murciélago, por supuesto.

In Blackest Night… “Green Lantern” is right!

2011-07-31T01:25:00.007+02:00

Aunque las últimas noticias aparecidas sobre la trayectoria comercial de “Green Lantern” en los cines americanos no son nada halagüeñas, lo cierto es que una vez vista la película, debo decir que, en mi opinión, no me parece ni tan mala ni tan aburrida como para merecer tan estrepitoso resultado taquillero en su país de origen… En esta ocasión el “talk to talk” entre los espectadores estadounidenses no ha hecho justicia a una más que decente adaptación del cómic de DC, cosa que por otra parte ya tocaba, qué demonios, y ahora la película está a merced del mercado internacional, donde confía remontar algo el vuelo… Esperemos que en Europa, y en España concretamente, seamos más tolerantes con el superhéroe del anillo –que por otra parte es a priori lógico, dado el desconocimiento general del personaje entre el público hispano, algo que paradójicamente, puede favorecerle- y ello sirva para reflotar un proyecto que, si goza de suerte finalmente, puede convertirse en una franquicia de lo más interesante… Yo, por mi parte, como ya lo han hecho otros compañeros y amigos blogueros, voy a poner mi humilde granito de arena para convenceros, aunque sea mínimamente, de que ver “Green Lantern” en el cine merece la pena, y mis argumentaciones son las siguientes:

-Como dato básico e inicial, diré que el film en absoluto decepciona, y no lo hace por un motivo tremendamente sencillo (y de lo que podría aprender un film con –injustamente- mayor fortuna como “Transformers 3”): porque cuenta una historia coherente y bien cohesionada de principio a final; el ritmo a lo largo de todo el metraje es regular: no alcanza cotas excelsas de emoción, pero tampoco resulta ser un auténtico tostón, como algunos medios (y a revistas de cine me remito) nos han querido hacer creer… “Green Lantern” resuelve el hándicap de narrar el origen del héroe (por completo fidedigno, al menos en sus bases esenciales) y sus motivaciones de un modo eficaz y convincente, algo nada sencillo teniendo en cuenta que no es un personaje muy conocido, sobre todo fuera de USA, y contar la extensa historia de “Green Lantern” en dos horas para un público, gran parte del cual por completo ignorante de todo lo que envuelve a este héroe (detrás de mí un espectador se sorprendía al principio del film, hablando con otro, que Green Lantern no fuera de Marvel (sigh)) supone una labor del todo meritoria, y así se lo reconozco a Martin Campbell.

-Los actores desempeñan eficazmente sus papeles; Ryan Reynolds no realiza una interpretación inolvidable como Hal Jordan, pero tampoco decepciona… El resto del elenco cumple perfectamente con sus roles, destacando sin lugar a dudas a Mark Strong como el genialmente caracterizado Sinestro, del cual nos quedamos con las ganas de ver su conversión al “lado oscuro” (atención a la escena que aparece tras una primera fracción de los créditos finales) y que hubiera gozado de una mayor interrelación con Jordan, algo que, por otra parte, sería inevitable en una hipotética segunda parte, si esta –crucemos los dedos- llega a realizarse… El personaje de Hector Hammond como pseudovillano (porque el villano “es otro”), en cambio, es francamente vulgar y de escasa consideración; hubiera merecido una mayor profundización, sobre todo en ese amor no correspondido que siempre ha manifestado hacia Carol Ferris (Blake Lively), la sempiterna novia de Hal.

-Los efectos visuales son sencillamente espectaculares y estrictamente necesarios en un film de las características de “Green Lantern”, donde el factor fantasía juega un papel predominante; la recreación de Oa, la caracterización de los Guardianes, la representación de la variedad de razas integrantes en el Green Lantern Corps (maravillosos Tomar-Re y Killowog)... son extraordinarias, y al mismo tiempo manifiestan cómo el trabajo de postproducción en “Green Lantern” ha sido sumamente laborioso y llevado con extrema seriedad, algo de lo que, reconozcámoslo, éramos más que escépticos al principio… Me encanta la idea de que el uniforme de los Lantern esté creado de pura energía y sirva como canalizador de ésta para conducirla hasta el anillo, aspecto este totalmente original en el film… Es cierto que quizás veamos el poder del anillo en acción de manera algo concisa y breve (como también queda algo velada lo que es su mayor debilidad: el color amarillo, aplicado en la peli al poder del miedo, como el verde al poder de la voluntad), deseando que los momentos en que Hal entra en escena como Green Lantern hubieran sido algo más prolongados, pero es lo que ocurre cuando en el cine tienes que contar algo desde un principio sin salirte en exceso de ciertos límites: que tienes que sacrificar ciertas cosas en beneficio de otras, y eso es lo que sucede en “Green Lantern”.

Por todo esto, creo sinceramente que “Green Lantern” se merece una oportunidad… De acuerdo, no es un gran film de superhéroes (“Thor”, de Kenneth Brannagh, tampoco lo era, pero cumplía su papel, como ocurre con este)… Quizás no salgas del todo convencido del cine (o quizás sí; yo no he sufrido desengaño alguno), pero, de manera indudable, hay que reconocer que es un producto muy, muy digno y que DC ha sabido adaptar a uno de sus, si no ya pilares, sí un importante representante de los personajes de la editorial, de manera seria, eficiente y responsable, encauzando un camino que, a pesar de este injustificado bache, esperemos siga prolongándose para seguir viendo nuevas versiones en imagen real (y con más suerte) procedentes del eterno rival de Marvel Comics, porque ya sabemos que, en el campo de la animación, DC gana la batalla con creces.

“Mayor Dundee”: ¿Un clásico digno de serlo?

2011-07-25T00:06:00.013+02:00

Últimamente no estoy teniendo nada de suerte con esto de volver a ver películas del siempre añorado pasado; hace unos días me pasó con “Starfighter, la aventura comienza”, y anoche me llevé una desilusión enorme tras terminar de ver la que es considerada todo un “clásico” del “western”: Mayor Dundee. Está claro que la comparación entre ambas es un acto imposible, pero aquí lo único que cuenta es el resultado tras el visionado de ambas, que es idéntico, y que no es otro que el de una profunda decepción.

Tal como me sucedió con el film de los ochenta de ciencia-ficción, muy poco o nada recordaba de “Mayor Dundee” cuando la vi por primera vez… Sí rememoraba ciertos aspectos de ella, los cuales, tras la renovada contemplación del film, han quedado relegados a la más pura nulidad; se decía, por ejemplo, que “Mayor Dundee” era un “western” excesivamente violento para la época en que fue realizado… Yo, sinceramente, no he visto más violencia que la que podía mostrar una protagonizada por John Wayne o alguna producción dirigida por Raoul Walsh contemporáneas a ésta… Si mostrar por un segundo el supuesto cuerpo de una niña acribillada a flechazos sirve para tildar a esta película de excesivamente ruda, existen otros films de la misma época de “Mayor Dundee” (y no necesariamente “westerns”) que hubieran merecido igualmente tamaña y al mismo tiempo absurda calificación (absurda porque condenar un “western” de violento es como criticar a una comedia por ser demasiado graciosa): “Espartaco” de Stanley Kubrick, por ejemplo.

La historia central de “Mayor Dundee” es tremendamente simple: con el fin de detener los desmanes de un indio apache renegado, Sierra Charriba, en las postrimerías de la guerra civil americana, el mayor Dundee (Charlton Heston), que carece de serios efectivos en el puesto que le ha sido encomendado, se propone acabar con el mismo recurriendo a la ayuda de un grupo de prisioneros confederados, entre los que se cuenta el teniente sudista Ben Tyreen (Richard Harris), viejo amigo del mayor y ahora, por las circunstancias de la guerra, forzoso oponente… Dundee se verá obligado a traspasar la frontera de Méjico, país que vive sometido bajo el yugo de la (efímera) dominación francesa, y allí tendrá que vérselas tanto con el traicionero indio, al que desea arrebatar un grupo de niños blancos que ha secuestrado en sus reiterados asaltos, como con las autoridades francesas, que no verán con muy buenos ojos la injerencia del mayor en determinadas poblaciones dominadas por aquéllos.

Hay que decir que el ritmo del film hasta más de la mitad del mismo es realmente notable; se echa de menos, es verdad, más química en la relación de odio/respeto que mantienen los personajes de Harris y Heston entre sí, y la introducción de la figura del excesivamente formal pero inevitablemente inepto teniente Graham (Jim Hutton), subalterno de Dundee, como contrapunto pseudo-cómico a la seriedad y estoicismo del personaje de Heston es de agradecer, amén de otros memorables momentos (Dundee caminando entre los prisioneros sudistas, el reclutamiento de estos para la misión, la tensión durante una acampada del grupo entre un soldado confederado y un nordista, éste de color, al cual el primero le exige quitarle las botas, la llegada al pueblo de Méjico, el castigo al desertor…). Sin embargo, lo que es a priori un buen “western” en el que Peckinpah es capaz de mostrar todos los elementos positivos del género durante algo más de una hora, se deslavaza considerablemente a partir del momento en que Dundee resulta herido en una pierna… A partir de este momento, el film cae en una sucesión de inconsistencias que someten al espectador a la más pura perplejidad; una acumulación de precipitados momentos que no gozan de coherencia convincente: la relación amorosa entre Dundee y Teresa Santiago, una mujer de procedencia europea que conocerá en el pueblo en el que Dundee y los suyos liberan de las garras francesas, una unión que se romperá de modo tan repentino como comenzó: con la presencia de una tercera mujer que facilitará a Dundee sus “servicios” durante su convalecencia… Una convalecencia que precisamente evoluciona hacia una degradación personal del mayor sin un motivo de peso tras ella (tengamos en cuenta que Dundee es un militar serio y responsable, partidario de cumplir las reglas a rajatabla… ¿A qué viene esta súbita decadencia? ¿Se siente culpable por haber engañado a una mujer a la que conoce por otra parte, desde hace escasos días? ¿Cree amarla? Y si es así, ¿por qué la engaña, entonces?), y todo en el transcurso de unos pocos días, cuando a uno le da la sensación de que han pasado meses desde que ve a un Dundee en plena forma hasta verlo tirado en un pueblucho de Méjico… Y de modo tan raudo como cayó, Dundee vuelve a reponerse, para protagonizar una última parte del film en la que las precipitaciones se agolpan en masa: la muerte de Sierra Charriba, a los pocos minutos de entrar en una escena que hubiera necesitado de mayor clímax; la batalla final con los franceses, que esperan enfrentarse a Dundee y los suyos al otro lado del Río Grande, es decir, el lado americano (¿?): caótica, aburrida y mal resuelta, en la que Tyreen, que había prometido matar a Dundee tras la caída del indio apache, muere sin un atisbo de emoción con la bandera de la Unión en las manos, tras arrebatársela a un lancero francés, y ya por último, la escena final, la entrada en suelo americano sin saber exactamente cómo se las han apañado las gente de Dundee para engañar a los franceses, aderezada con un párrafo en “off” por parte del narrador de toda la historia, el corneta que acompaña a la expedición del mayor, pobre y escueto, el colofón final de la más que mediocre fracción final del film.

“Mayor Dundee” está considerado uno de los grandes films de Sam Peckinpah, pero en mi pobre opinión no es más que una película que evoluciona hasta rozar la brillantez y que, llegado a este punto, se precipita en caída libre hasta convertirse en un subproducto torpe y mal resuelto, que goza de una calificación exageradamente positiva para la crítica, la cual quizás no es capaz de ver más allá de la riqueza interpretativa de su reparto o de la calidad indudable de su realizador, obviando, puede que intencionadamente, los más que evidentes defectos que presenta esta cinta.

La primera de todas fue “Los Vengadores” Volumen I de Forum (IV)

2011-07-20T12:20:00.012+02:00

Desde prácticamente los inicios de las colecciones de Marvel publicadas por Forum, allá por 1983, hasta prácticamente 1987, la editorial llevó a cabo una práctica dentro de todos sus títulos que, si bien inicialmente podía resultar hasta cierto punto coherente, al final acabó siendo desechada a raíz del aluvión (cada vez más elevado) de críticas que recibió, y que no fue otra cosa que publicar historieta en la contraportada interior y exterior finales.

Semejante iniciativa permitía la lectura íntegra de dos números americanos por ejemplar de Forum, impidiendo así que se quedaran “colgadas” las dos últimas páginas del segundo cómic editado dentro del número español correspondiente. De esta forma Forum recurría a la lógica quizás más drástica: incluía dichas páginas con el resto de la historia con el fin de que no quedaran para el número siguiente (pretendiendo con ello –supongo- no fastidiar el final “cliffhanger” de muchos números, efecto que por otra parte, hay que decir, quedaba anulado en muchos casos si la política editorial ya era de por sí publicar dos números USA por ejemplar, ya que el suspense en que podía quedar la primera parte quedaba satisfecho de inmediato con la lectura de la segunda) y mantenía el precio de sus cómics a un nivel popular que se habría visto irremediablemente incrementado si, con el fin de mantener la estructura original de sus ediciones, hubiera publicado dichas dos páginas dentro de las “tripas” del cómic, aumentando así el número total de ellas y consecuentemente su valor.

Resultaba un poco paradójico que una editorial cuyos iniciales propósitos eran por fin dignificar los cómics Marvel en España (con iniciativas del todo innovadoras como la publicación de las novelas gráficas de la compañía norteamericana en formato “de lujo”) decidiera llevar a cabo semejante chapuza editorial en sus colecciones, a pesar de sus, digamos, buenas intenciones… Lo cierto es que yo nunca me acostumbré a leer parte de la historia ofrecida en las contraportadas (que, curiosamente, no es invento de Forum; recuérdese las ediciones facsímiles de los tebeos clásicos españoles), una parte imprescindible del cómic que sirve para lo que sirve, y esto es, proteger las páginas interiores… ¿Quién, en sus colecciones clásicas de Forum, no tiene alguna o varias contraportadas manchadas, rotas o gastadas con el tiempo, perjudicando con ello una lectura satisfactoria de aquella vieja historia de Los Vengadores, Spiderman o Conan? La inclusión de parte del cómic original en las contraportadas no fue una feliz idea de Forum (como así se lo hicieron ver con el tiempo muchos aficionados), a pesar de que nos facilitara, a un precio muy razonable, el leer dos cómics en uno solo.

En la segunda parte del nº 9 de “Los Vengadores” de Forum (nº 181 USA) se inicia una nueva etapa, donde de nuevo la calidad, tanto argumental como artística (sobre todo esta última) vuelven a hacer acto de presencia… John Byrne vuelve a los lápices de la colección tras el excelente sabor de boca que nos dejara con la aventura del conde Nefaria, y lo hace en un momento de lo más oportuno, porque él será testigo de excepción de notables cambios en las filas de los Héroes más Poderosos de la Tierra.

El Gobierno USA, a través de su delegado Henry Peter Grych, decide de forma terminante acabar con las numerosas idas y venidas de tantísimos miembros en el famoso grupo, los cuales son considerados un riesgo para la seguridad nacional del país (¿y qué no es considerado por los americanos un riesgo para su seguridad?). De este modo, se establecen para los Vengadores una nueva serie de prerrogativas con el fin de que estos recuperen los privilegios que perdieron, a instancias del Gobierno, en números anteriores (como la famosa prioridad A-1)… La principal de ellas será la limitación del número de héroes a siete, permitiendo así la integración de un nuevo héroe a sus filas, viejo conocido del Capitán América: el Halcón.

Este nuevo reclutamiento no es bien acogido por un veterano miembro del grupo (y que más tarde formará el suyo propio, los Vengadores Costa Oeste): Ojo de Halcón. Para el arquero, ser vengador significa todo para él, de ahí que su expulsión del grupo no la acepte de buen grado… No obstante, antes de su despedida tendrá ocasión de participar con el grupo en dos aventuras: una, contra un siniestro personaje que dará pie a la nueva y trascendental saga que vivirán los Vengadores, a desarrollar en los números posteriores: el ¿padre? de Pietro y Wanda, a los que “roba”, literalmente, sus almas, recluyéndolas en dos marionetas, y otra contra el Hombre Absorbente, tradicional enemigo del Trepamuros.

De sobras es sabido que Marvel siempre ha pretendido humanizar a sus personajes, acercarlos al mundo real (desde aquellos memorables y primeros números de los 4F); en este aspecto, la editorial, a través de los múltiples colaboradores que ha tenido durante décadas, es toda una experta… Cuando Ojo de Halcón se desliga definitivamente del grupo que lo formó como héroe, queda oficialmente “sin empleo”, es decir, es un parado más, y como tal, sufre las dificultades económicas de cualquiera en su situación; es por ello que, cuando pretende ahogar sus penas de Vengador expulsado con una taza de café y una pasta, se da cuenta de que tiene tan poco dinero, que tendrá que prescindir de lo segundo… Esta escena, narrada en el número 10 de Forum, me marcó considerablemente, porque me hizo ver que hasta los héroes, por muy Vengadores que sean, tienen “agujeros” en el bolsillo.

Continuará…

P.D.: Con este post, "The Lone Freaker" llega a sus doscientas entradas... Por ello, quiero agradecer a todos aquellos que lo visitais, habitualmente o no, vuestra participación e interés en este blog, sea de una forma u otra... ¡Y no lo dudéis, continuaremos!

Clayton.

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (VII)... Y la DC de entonces (III)

2011-07-17T21:58:00.006+02:00

El número 118 de "The Lone Ranger" aparecido en abril de 1958 fue un ejemplar muy especial; fue el denominado "Silver Anniversary Issue" (aunque no porque llevara veinticinco años la colección en el mercado, dado que, cuando apareció el presente número, "The Lone Ranger" de Dell Comics gozaba de poco más de una década de vigencia, ni porque alcanzara un número notablemente significativo y/o redondo (el 150 ó el 200, por ejemplo, aunque el que una colección como la del Llanero lleve en aquel momento 118 números publicados no puede quedarse tampoco como un hecho irrelevante)... Quizás recibió dicha calificación porque fue un ejemplar dedicado a los orígenes de los personajes principales, narrados en cuatro historias independientes, cuyos títulos respectivos fueron "The Story of the Lone Ranger," "The Story of Tonto," "The Story of Silver," (sí, hasta la legendaria montura del Llanero) y "The Story of Dan Reid" (el hermano del Llanero, ranger como él, quien caerá en la emboscada perpetrada por Butch Cavendish en la barranca de Bryant (Bryant's Gap), como ocurrirá con el propio enmascarado, siendo este precisamente el único superviviente de la masacre). Young Hawk vuelve a protagonizar un pequeño relato de complemento, y la historia "Alibi" cerrará este "Silver Anniversary Issue" de "The Lone Ranger".

Con fecha de portada igualmente de abril de 1958, a los lectores habituales de la colección "Adventures Comics" les esperaba una grata sorpresa: la presentación del célebre grupo "La Legión de Superhéroes", el supergrupo del futuro por excelencia de DC Comics y quizás el más numeroso de la historia en cuanto a miembros... Los miembros de los fundadores de la Legión se inspiraron en las hazañas del Superboy de la Silver Age para crear el grupo y, como puede verse en este ejemplar, llegaron a contactar con su principal fuente de inspiración, gracias a su avanzada tecnología... No obstante, parece que los superhéroes del siglo XXX tuvieron una primera decepción con el joven de Acero, al cual no consideran apto para formar parte de su exclusiva formación... Los motivos: que los poderes de Superboy son "demasiado ordinarios". La sorpresa del kryptoniano es, como no podía ser de otro modo, mayúscula, a juzgar por la clásica portada que hoy acompaña este post.

Los dibujos animados que el tiempo (casi) olvidó: "Turbo Teen"

2011-07-16T00:12:00.013+02:00

La capacidad memorística del ser humano no deja de sorprenderme, en serio, y el nivel de esta sorpresa aumenta si cabe aún más en el plano personal cuando me doy cuenta de lo que soy capaz de acordarme, sobre todo cuando ese recuerdo surge como un fogonazo del todo inesperado y en un momento poco apropiado para rememorar frágiles fragmentos de la niñez, pero así es, empero. De todas formas, también he de decir que mi memoria no es infalible ni muchos menos cuando alude por singular capricho a una serie de televisión como ésta que hoy tratamos.

Cuando comencé a rebuscar entre los entresijos de la mente en busca del dato básico de dicha serie, o sea, su nombre, lo cierto es que no empecé muy acertado: en principio creí de modo casi obsesivo que se trataba de "Automan", pero tras descubrir (aunque no muy convencido, lo reconozco) por el dios Google que dicho título hacía referencia a otra serie ochentera en imagen real, deseché esta opción, barajando diversas posibilidades a cada cual más ridícula... Al final, después de darle muchas vueltas a la cabeza me vino un nombre de lo más prometedor: Turboman.

Esta nueva alternativa la consideraba de lo más segura antes de su necesaria comprobación en la red, y aquí llegó de nuevo la decepción... "¡Pero coño, si este era el nombre del muñeco de marras de la peli del Schwarzenneger "Un padre en apuros"!", exclamé más o menos cuando vi la realidad, hasta que finalmente, y de un modo casi casual, lo vi en un pequeño cuadro de imagen de Super-Google: "Turbo Teen".

"Turbo Teen" fue una efímera serie de televisión producida por la Ruby Spears en 1984 (la cual cuatro años más tarde lanzaría un más que digno "show" de animación dedicado al Hombre de Acero, que celebraba por aquel entonces su cincuenta aniversario), y narra las aventuras de Brett Matthews, un adolescente a quien el azar (o el conveniente e irreal oportunismo propio de cualquier historia clásica de ciencia-ficción) dota de un extraordinario poder una vez que de modo accidental (por supuesto) su cuerpo recibe una brutal descarga de origen desconocido en una base donde se llevan a cabo experimentos secretos. A partir de ese momento, Matthews adquiere la habilidad de poder transformarse en su propio coche siempre que lo desee (o no, porque también sufre dicha transformación cuando se ve afectado por una poderosa fuente de calor) y utiliza tal poder para lo único posible en una serie de aventuras: para combatir todo tipo de injusticias con la imprescindible ayuda de sus amigos.

"Turbo Teen" recibe de un modo casi descarado la poderosa influencia de otra serie televisiva muy en boga por aquel entonces y que también disfrutábamos por aquí: "El coche fantástico" (Knight Rider)... No en vano, el automóvil en que se convierte Matthews es una mezcla entre un Chevrolet Camaro y un Pontiac Trans Am, este segundo precisamente el modelo que utilizaron los productores para que fuera el inconfundible chasis de KITT, el cual asímismo es igual y fácilmente reconocible en Matthews cuando éste, al hablar, reproduce unas ondas procedentes de un módulo de voz situado en el salpicadero, aunque en lo referente al éxito, no consiguió emular a la serie protagonizada por David Hasselhoff, ya que sólo contó con una única temporada de 12 episodios que tuvimos la ocasión de ver a través de Televisión Española con periodicidad semanal; en concreto, los domingos por la mañana y en la segunda cadena, allá por 1985 (¿cómo se puede acordar uno de esto y en cambio volverse loco para descubrir el nombre de la serie de las narices?)

Lo cierto es que, salvo la transformación del chico protagonista en coche, no recuerdo nada más de "Turbo Teen" (algo por otra parte lógico, dado el escaso número de capítulos de que consta y el que no haya sido repuesta nunca), pero estoy convencido de que la serie debía tener su gracia, seguro que hasta enganchaba a los críos de mi generación (como fue mi caso) y que verla hoy supondría sin duda un notable "shock" por el que sin duda no estoy dispuesto a pasar... Milagro es ya que la haya recordado y que se haya hecho merecedora de este post.

"Push": nulo empuje al cine de superhéroes

2011-07-13T11:19:00.006+02:00

El subgénero que se conoce como cine de superhéroes, y que no es otra cosa que la adaptación al celuloide de los personajes más o menos célebres de las historietas concebidas en el gigante norteamericano, amén de haber concedido un inmenso pulmón de aire a la castigada y ya escasamente imaginativa industria de Hollywood, ha permitido a su vez el que surjan proyectos recientes que beben directamente de esta cada vez más consolidada subcategoría del cine fantástico, pero sin estar basados de manera concreta en ninguna fuente artística conocida... En televisión hemos visto ejemplos como "Héroes" o "The Cape", y en el caso de la pantalla grande, "Push" es uno de esos productos que muestra el inherente deseo de subirse a ese carro, pero que sin duda se queda en el escalón de enmedio (o mejor dicho, abajo del todo).

Lo más básico que se podría decir de "Push" es que es una película eminentemente engañosa, o para decirlo más concisamente, un auténtico timo; el objetivo de la misma es pretender ser una cinta centrada en personajes con poderes que mantienen una guerra abierta contra la enésima corporación gubernamental, de la cual (cómo no) pretenden desligarse e incluso derrotar de modo definitivo, pero en realidad el film se convierte a lo largo de todo él en una auténtica ambigüedad argumental: una aburrida historia que no se sabe exactamente a dónde conduce ni cuáles son sus intenciones... Lo que a priori debería ser una película que tirara de manera eficiente del espectáculo visual (por eso de que al fin y al cabo se supone que estás viendo una peli de gente con capacidades extraordinarias) utiliza de manera patética y decepcionante el mismo para narrar una tediosa historia de constantes idas y venidas de los personajes a la búsqueda de un objeto que es el centro de la pugna entre perseguidores y perseguidos, aderezada, por supuesto, con una supuesta historia de amor entre dos de los protagonistas, entre los que no existe, para colmo, química alguna resultando por todo ello poco creíble... Por cierto, que esta escasa o nula credibilidad en dicha relación amorosa es debida al poco convencimiento interpretativo de los actores, y no a otras cuestiones argumentales que el guionista de turno pretende sea el elemento "clifhanger" de la película y que ni por asomo lo consigue, porque "Push" es tan terriblemente predecible, que el espectador un poco avezado ya sabe de sobras cómo finalizará tan risible recurso supuestamente sorpresivo.

Para alentar (y engañar) al espectador de que con "Push" va a ver una peli de tipos con superpoderes, se recurre a Chris Evans (Johnny Storm en las dos partes de "Los 4 Fantásticos" e inminente Capitán América) para el papel protagonista, secundado por una Dakota Fanning que posee, todo hay que decirlo, más capacidad actoral que éste, aunque su personaje (una joven vidente que utiliza un bloc para dibujar sus visiones de futuro) resulte un poco histriónico. Djimon Hounsou, excepcional en "Diamante de Sangre", hace aquí de prescindible villano de la función, también con poderes, claro está, pero de carisma nulo y acentuada previsibilidad, que no aporta nada al film y resulta hasta molesto.

"Push" no es cine de superhéroes; es un auténtico fraude que con dos escenas de efectos visuales pretende catalogarse dentro del género más en boga actualmente pero que lo único que consigue es desalentar al neófito espectador que se está adentrando en el mismo, el cual puede pensar, de modo equivocado, claro, que la mayoría de pelis de tipos superpoderosos son tan malas como ésta.

La primera de todas fue “Los Vengadores” Volumen I de Forum (III)

2011-07-11T00:57:00.012+02:00

En el nº 3 de la edición de “Los Vengadores” de Forum da comienzo una de las maxi-aventuras (término éste muy popular en la época) más celebradas del supergrupo: “La Saga de Korvac”, recientemente reeditada por Panini dentro de su línea Marvel Gold. A lo largo de cinco números, hasta el nº 7 español (en su edición original, la historia comprendió desde el 167 hasta el 177 USA) los héroes más poderosos de la Tierra tendrán que desentrañar las infames maquinaciones que oculta el ser llamado Korvac o, como lo califican los inesperados aliados de los héroes en este entramado, los llamados Guardianes de la Galaxia, el “Hombre Máquina” (sin ninguna relación, claro, con el otro Hombre Máquina de Marvel). Estos personajes, héroes de un remoto futuro, han llegado al presente en busca de este acérrimo enemigo, con la certeza de que, en el siglo XX, el villano Korvac está planeando la muerte de uno de los fundadores de los Guardianes, el denominado Vance Astro. Si Korvac mata a Astro en el presente, los Guardianes nunca existirán, y es lo que deben impedir con la ayuda de los Vengadores. Sin embargo, Korvac no será un enemigo fácil de batir (como comprobará un miembro de los Guardianes, Halcón Estelar, al principio de la aventura). El singular villano oculta su verdadera personalidad bajo la afable apariencia de un vecino de un exclusivo barrio neoyorkino, y gracias a sus omnipotentes poderes, mantiene su presencia velada a los Vengadores y sus aliados, hasta el momento, claro, en que finalmente es descubierto.

El número 7 supone la conclusión de la emocionante saga (aunque es lógico deducir que en los precedentes, los Vengadores tendrán tiempo a enfrentarse a otros villanos, como Ultrón o el Coleccionista, quien paulatinamente, número tras número (hasta el 6) “abdujo” héroes que habían formado parte del grupo en uno u otro momento, o incluso ¡entre ellos mismos!... En el número 3 el Capi e Iron Man viven un tenso momento (que a mí me llamó poderosamente la atención), en que el primero cuestiona al segundo su capacidad de liderazgo, con tremendo puñetazo del abanderado incluido al dorado vengador. La intervención de la Bruja Escarlata zanjará la pendencia… Como se puede ver, la confrontación entre ambos ya viene de lejos, y no se inventó en “Civil War” :D.

Pero a lo que íbamos: en este increíble ejemplar número 7, digno de recuerdo por su trascendental conclusión, Los Vengadores, con una formación descomunal (prácticamente todos los héroes que han tomado parte en el grupo desde sus orígenes, que habían sido por otra parte secuestrados por el Coleccionsta) y los Guardianes, han de enfrentarse en una lucha mortal contra Korvac, ahora llamado “Michael”, y la terrestre que ha tomado como esposa en esta franja temporal. El cómic me impresionó sumamente, porque (lo siento, pero tengo que “spoilear” a saco) la historia finaliza con la muerte de todos los Vengadores y los Guardianes, a excepción de Thor y Dragón Lunar. Thor es quizás el vengador más poderoso, y a pesar de eso, con notable esfuerzo vence a Carina, la mujer de Michael, que posee tanto poder como él y que pierde por completo el control cuando comprueba la derrota total de su esposo a manos de unos ya mermados Vengadores (Michael es el autor de la muerte de gran número de ellos). Thor, bajo su antaño personalidad humana de Donald Blake, deberá sanar a los héroes, pero, ¿cómo, si están muertos?

A pesar de que en los correos de los cómics posteriores a este número siete, el “profesor Loki” (el encargado de la sección) afirmaba por activa y por pasiva que la explicación de la resurrección de los Vengadores se explicaba en ese mismo número siete, la verdad es que yo no entendí la vuelta a la vida de los héroes tras aquella masacre… Me lo leí varias veces en aquel tiempo, y aunque pude llegar a alguna conclusión, lo cierto es que ninguna terminó de convencerme por completo.

Tan dramáticamente acabó dicho número siete, que estuve presa de los nervios durante todo un mes esperando la llegada del número ocho, confiando en que aquella fatal conclusión tendría una explicación detallada en dicho ejemplar. Mi decepción fue enorme al comprobar que en aquel número no había alusión alguna a todo lo ocurrido anteriormente (claro, los héroes lo habían olvidado convenientemente todo), y lo que me encontré fue una mediocre aventura de la Bestia ilustrada por el igualmente mediocre Carmine Infantino… Tras una saga plena de acción, emoción y ¿muerte? dibujada en gran parte por un George Pérez que ya despuntaba notablemente, los siguientes ejemplares fueron radicalmente decepcionantes en cuanto a historia e ilustrador… Menos mal que en la segunda parte del número 9 regresaba alguien ya muy admirado por mí por aquel entonces: John Byrne.

Continuará…

Hay películas que, si las ves una vez (cuando eres niño)… ¡Es mejor no verlas de nuevo!

2011-07-07T00:44:00.007+02:00

Entrada con spoilers... Aunque, ¿realmente quieres verla?

La infancia es una etapa realmente maravillosa, quizás la mejor de nuestra vida; supone toda una fase de descubrimientos y experiencias que, a la larga, te condicionarán (o no) como persona en el futuro… Muchos de los que hoy seguimos siendo aficionados al cómic con cuarenta o más años, lo somos porque, mucho tiempo atrás, nuestros aún jóvenes sentidos un día se aposentaron en una colorida portada de un tebeo que ya nos atrapó irremisiblemente, y que nos hizo comprar más ejemplares de esa colección o de muchas otras… Con el cine ocurre algo muy similar: de crío vas al cine a ver ciertas películas que te dejan literalmente alucinado y, cuando, con el transcurrir de los años, se va apoderando de ti cada vez con más fuerza esa nostalgia que a todos nos invade, sobre todo al ir haciéndonos más viejos, sientes el impulso de volver a ver esa vieja película con la que tanto disfrutaste con doce años, pero ahora con veintisiete años más, y a veces, la cinta en cuestión es tan abrumadoramente buena, que la positiva impresión de entonces, no sólo se mantiene, sino que incluso se acrecenta… Ejemplos de esto son fácilmente reconocibles entre todos los frikis: “Superman, el Film”, “La Guerra de las galaxias”, “Blade Runner”, “Indiana Jones”… Pero otras veces, es mejor guardar aquel buen recuerdo de aquella película que más bien pasó sin pena ni gloria en ese rinconcito (o “rinconzazo”) de nuestra memoria dedicada a la infancia, porque, si te atreves a verla de nuevo, te puedes llevar un buen chasco.

Y eso es justamente lo que me ha pasado con el visionado reciente de “Starfighter, la aventura comienza” (pero nunca prosiguió… Y no me extraña).

“Starfighter” llegó en un momento de lo más adecuado; la trilogía clásica de “Star Wars” había finalizado un año antes con “El Retorno del Jedi”, y los que tanto habíamos disfrutado de la saga en las grandes salas estábamos realmente “huérfanos” de ciencia-ficción… Es cierto que en 1984 también hizo su entrada (más bien frustrada) “Dune”, de David Lynch, pero a pesar de que con el paso de los años esta cinta ha sido reivindicada por los aficionados (que conste que es una de mis favoritas de siempre), lo cierto es que en su momento no era la ciencia-ficción que la gente deseaba (de ahí el tropezón en taquilla), sino más bien pura “space opera”: batallas espaciales, malos malosos, chicos buenos y todo eso… Y “Starfighter” nos concedió todos estos elementos a los niños de los ochenta (y recalco “niños”).

Por todo ello, es normal que, cuando recuerdas muy vagamente una película que tan buen rato te dio en una oscura sala de cine con olor a palomitas y a paño rojo de butacas y para más inri, el paso del tiempo la ha sumido en el más puro ostracismo, tu deseo por volver a verla, con ojos ya de adulto, sea inevitable, ¿no?... ¡Pues no!

“Starfighter” es un claro ejemplo de que hay películas concretas para una determinada etapa de tu vida y que es mejor no revisionarlas cuando tienes unos cuantos años más… Es innegable constatar que la peli goza de elementos ciertamente originales y atractivos, antes poco o nada utilizados (el hecho de que a un joven terrestre lo reclute -aunque sea un poco forzadamente por el ansia de lucro personal de un alienígena- una civilización extraterrestre para luchar contra unos malvados invasores a través de una máquina recreativa que reproduce las batallas estelares que supuestamente libra esta civilización, pues no está nada mal), pero no son suficientes para mantener el interés de ese adulto ya, que disfrutó tanto de niño con ella… El argumento es ciertamente torpón, con un guión flojísimo, incoherente y falto de chispa, incluso con momentos netamente ridículos (la escena en que todo el poblado de caravanas, donde vive Alex Rogan, el prota, alucine por un tubo porque el muchacho bate el récord de la máquina recreativa –y que es el acicate definitivo para precipitar su reclutamiento por Centauri, el alienígena un poco aprovechado, que primero matan y luego resulta que no, que está vivo por un pretexto de lo más chorra- es francamente estúpida); los efectos especiales, a pesar de ser resultones (y es que la sombra de Star Wars era muy alargada), están poco y muy mal aprovechados en lo referente a las batallas espaciales, que son prácticamente inexistentes… Las escenas de acción son breves y mecánicas, con una ausencia total de emoción en las mismas, siendo el colmo de éstas cuando Rogan, que no es piloto del bombardero estelar, sino artillero, algo por otra parte lógico, dada la “instrucción” que recibe (muchas horas de “vicio” en la máquina) utiliza el arma definitiva de la aeronave: “La rosa de la muerte”. La escena donde dicho recurso bélico es utilizado la recordaba sumamente espectacular (la nave realizando unos frenéticos movimientos concéntricos y disparando a diestro y siniestro contra sus enemigos), pero en realidad es una escena realizada de manera escueta y francamente vulgar, sin aliciente alguno en verdad, y luego ya el final es tremendo: Rogan y el “tortugo” (Grig, su compañero de aventuras, bien caracterizado, hay que reconocer), vuelven al campamento donde el primero vivía a saludar a toda la población (¿?) y de paso, pedir el chaval a su novia a que se vaya con él al quinto cojón galáctico a vivir una vida de matamarcianos… ¡Que te vas a la guerra, muchacho! ¡Que no te vas a un palacio a vivir felices para siempre! Tiene gracia que todos los reparos que pone Rogan al principio de su reclutamiento, justificando a los alienígenas amenazados que el estar en una nave de guerra no era como jugar en la maquinita (y con razón, para qué negarlo), luego, cuando se trata de meter además a la parienta en el “fregao”, se le hayan olvidado por completo… ¡Me la engaña miserablemente para poder echar unos “canelos”!

En definitiva, que podía haberme estado quietecito y haber dejado “Starfighter” durmiendo el sueño de los justos en mi videoteca, de donde no debió salir… Así, al menos, cuando la viera allí guardada, hubiera pensado: “¡Joder, qué peli, cómo me gustó de “chico”! Ahora sólo pensaré: “¡Vaya palo que me he “llevao”, macho! ¡Quién me mandaría a mí! ¡Qué malo es eso de cumplir años! ¡Cómo nos engañan los sentidos cuando somos niños! ¡Ahora ya tengo miedo de volver a ver “Tron”!”

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (VI)... Y la DC de entonces (II)

2011-07-04T13:00:00.008+02:00

En marzo de 1958 llega a las librerías y puestos de periódicos estadounidenses el número 117 de "The Lone Ranger" de Dell Comics. La serie de televisión del famoso enmascarado, a pesar de su su cancelación el año anterior, goza aún de notable vigencia, a juzgar por la presencia constante de Clayton Moore en las cubiertas como principal reclamo... La identifícación de Moore con el Llanero Solitario es total, y por tanto actor y personaje ya se han fusionado en uno solo para el imaginario colectivo norteamericano de la época.

En este número 117 el lector hallaría tres aventuras del Llanero: "The Cornered Sheriff," "The Sergeant's Story," y "The Vanished Gold Dust". El personaje de Young Hawk permanece en breves historias de complemento y la historia de sólo texto y única página "Bandit Brother" pone el broche final al ejemplar.

El 117 luce sin duda una de las mejores portadas de la colección desde que Clayton Moore aparece en las mismas... En la misma se representa una tensa escena de duelo entre el enmascarado y dos peligrosos oponentes... El Llanero está dispuesto a desenfundar para defender su vida y quién sabe si la de algunos inocentes a quienes sus oponentes, que se mantienen expectantes frente al enemigo, pueden estar amenazando... Aquéllos, no obstante, nada han de temer, puesto que el resultado del enfrentamiento favorecerá sin lugar a dudas a nuestro héroe.

Asímismo, en marzo de 1958, DC publicará el número 13 de la colección Showcase (aunque la fecha de portada corresponde al mes siguiente)... Este ejemplar es muy, muy especial, ya que supone la primera aparición del Flash de la Edad de Plata, era ésta que dará inicio "oficial" unos años después y precisamente con el mismo personaje, como ya se comentó en un "post" anterior... En su debut, un peculiar artefacto amenaza la vida del Hombre Más Rápido: un torpedo ¿pirata? lanzado por un misterioso enemigo persigue sin tregua al velocista escarlata... ¿Será capaz de superarlo?

Los mejores superhéroes del mundo... real

2011-07-03T23:17:00.005+02:00

Lo cierto es que yo siempre he sentido preferencia por DC… La sentía desde que leí aquellos primeros tebeos de Batman, Superman, o incluso alguno de la Liga (con los que aluciné literalmente) publicados por Bruguera, seguí con dicha preferencia cuando Zinco hizo su aparición con títulos como Nuevos Titanes o la maravillosa Camelot 3000, amén de los “clásicos”, la consolidé sobradamente en el momento en que dicha editorial llevó a cabo su espectacular relanzamiento que nos hizo descubrir a todos excelencias como Dark Knight, Watchmen o Crisis… Cómics que convertían a DC para mí en la mejor y casi, casi, en la única, con la adquisición durante años de todos los títulos que publicaba Zinco de la gigante norteamericana, y aunque el agotamiento hizo mella con el tiempo, provocando el consecuente abandono de colecciones, lo cierto es que, aún en ínfima medida, yo nunca he dejado de leer DC, a pesar de todos sus recientes despropósitos editoriales (y los que vendrán), ya que cada vez que me pongo a leer un cómic de DC por, llámese suerte, destino o -¿por qué no?- calidad, dicha lectura supera con creces cualquier otra u otras que esté haciendo de Marvel en ese mismo momento. Y eso, claro, es lo que ha sucedido con el fantástico volumen de “Los mejores superhéroes del mundo”.

No voy a explayarme en minuciosos detalles sobre dicho tomo, porque no son necesarios… Una sola palabra basta para definir el contenido del mismo, y ésa es MARAVILLA, una maravilla en todos los sentidos gracias al arte (con todas las reminiscencias posibles que también permitan esta última palabra) de Alex Ross, sin duda el mejor dibujante de superhéroes de la historia… Cada página, cada viñeta, cada detalle dibujado por Ross es un deleite para la vista; su héroes parecen de verdad, tridimensionales, capaces de saltar en cualquier momento de la página para plantarse a tu lado como seres de carne y hueso, reales, sólidos, únicos… Ross sabe captar a la perfección en los superhéroes que protagonizan este volumen, gracias al minucioso detallismo que sabe impregnar en sus dibujos, las principales singularidades de los mismos, algunas dispares entre ellos y otras, la mayoría, comunes; el rostro de cada héroe ilustrado por Ross expresa la verdadera esencia de aquél: la nobleza en Superman, la obsesión en Batman, la ingenuidad en el Capitán Marvel, la determinación en Wonder Woman, el estoicismo en el Detective Marciano… Personajes que, como las personas reales, tienen características y objetivos distintos en el plano individual, pero que saben conjuntar con precisión cuando forman equipo en las filas de la Liga de la Justicia.

Paul Dini acompaña con un soberbio texto en cada una de las historias que componen este tomo las excelencias artísticas de Ross… Ya sea en las cuatro historias protagonizadas por Superman, Batman, el Capitán Marvel y Wonder Woman en solitario, como en la que clausura el libro, “Libertad y Justicia”, donde la Liga, a través de sus principales miembros, es el verdadero motor del relato, Dini con sus palabras sabe transmitir una indudable emotividad, que Ross potencia exponencialmente con la sólida y convincente expresividad que sabe imbuir a los personajes… Lo cierto es que, sobre todo en las historias donde los iconos de DC actúan en solitario, texto y dibujos se compenetran de modo tan sincronizado que son capaces de empatizar con el lector, el cual no queda en absoluto indiferente, y no lo hace porque todas las historias narradas tienen un denominador común: los superhéroes no se enfrentan a poderosos supervillanos o crueles megalómanos con ansias de dominar o destruir el mundo; los superhéroes se enfrentan en cada relato, en cada narración, a problemas que acucian al mundo real, problemas que en cada capítulo del volumen presentan una dimensionalidad dispar, pero que en su conjunto son igualmente importantes… Cuestiones terrenas que encaran los héroes de DC como los simples humanos: con las dudas e inquietudes típicas sobre lo positivo o no de su intervención, y como los humanos, sabiendo solventarlas dentro de los límites que hasta ellos, los superhéroes, tienen.

“Los mejores superhéroes del mundo” es una lectura altamente recomendada para cualquiera, sea o no aficionado al género… El primero, con la calidad que irradia en sus páginas, ratificará sin lugar a dudas los motivos por los que tanto le gusta el cómic de superhéroes, y el segundo descubrirá que, al contrario de lo que podía presuponer, en el cómic de superhéroes la calidad es también un elemento cierto que sabe construir, gracias al talento combinado de dos profesionales, joyas como la presente.

La primera de todas fue “Los Vengadores” Volumen I de Forum (II)

2011-07-03T01:41:00.017+02:00

El hallar en mi librería habitual de entonces aquella colorida portada en que Thor lanza de modo infructuoso su poderoso martillo Mjolnir contra un poderoso conde Nefaria, que le desafía de modo impasible, me reportó una gran alegría, pero a la vez una sincera desilusión; alegría porque con esa recién aparecida colección, esta vez de la mano de Forum, volvía a encontrarme con un extraordinario grupo de héroes que había descubierto tan sólo unos meses antes a través de la edición del número 200 original USA por parte de Vértice (que Forum publicaría en el número 19 de la presente colección, ya que “retrasó” su edición hasta iniciarla en el nº 164 USA). Aquella aventura, maravillosamente ilustrada por un George Pérez en todo su esplendor, en la que Ms. Marvel quedaba misteriosamente embarazada, cual concepción divina, de un misterioso ser llamado Marcus, capaz de manipular el tiempo (y por tanto provocar rupturas en el mismo, amenaza ésta al que se enfrentan nuestros héroes a lo largo de sus páginas) y que no era otro que el hijo del mismo Inmortus o Kang, me marcó indefectiblemente… Por ello no es extraño que el reencontrarme con un cómic de los Vengadores me provocara una alegría inmensa, como ya digo, pero también un inevitable sentimiento de pesar, por una razón de aplastante y llana lógica: porque aquel ejemplar era ya el número 2 de la serie, y no el 1, así de sencillo. No obstante, dicho contratiempo no imposibilitó su adquisición, sino que me propuse disfrutar del mismo como si del primer número se tratara, y lo hice de sobras… Además, la suerte me sonrió a los pocos días, porque encontré el primer ejemplar de la colección en un quiosco al que era cliente de lo más asiduo, dado que era mi punto habitual de compra del infalible “Don Miki” cada semana.

Creo que Forum acertó de pleno al iniciar su volumen I de “Los Vengadores” en el 164, porque eso me permitió descubrir a un artista que durante muchísimo tiempo fue indiscutiblemente mi favorito y que aún hoy goza igualmente de mis preferencias, a pesar de que su trazo no es ya el que era… Me estoy refiriendo al inefable John Byrne.

Byrne, al lado de Jim Shooter a los guiones (quién iba a decir que años después se convertirían en acérrimos antagonistas) nos concedió en esta inicial aventura de los Héroes Más Poderosos de la Tierra contra un renacido conde Nefaria una vertiginosa historia de acción y singular drama, que además me permitió reencontrarme con un curioso personaje al que había visto en plenas facultades en algún ejemplar de “Los Invasores” publicado –cómo no- por Vértice: El Zumbador, una primigenia versión Marvel de Flash que, como su homólogo de DC de la Edad Dorada, había combatido contra los nazis en las filas de la Legión de la Libertad… La intervención del Zumbador en esta historia es anecdótica, pero meramente significativa, dado que en ella se le atribuye al veterano superhéroe la paternidad de Pietro y Wanda, cuando ya todos sabemos que el padre de Mercurio y la Bruja Escarlata es… ÉL :D

El número 2 se completa con una breve historia autoconclusiva con un final de lo más inquietante, cuyo título es “Si nosotros fallamos… El mundo morirá esta noche”, en la que el Capitán América, Pantera Negra e Iron Man, han de encontrar en tres recónditos puntos del globo terráqueo tres poderosas bombas con la capacidad de destruir el planeta, que un loco megalómano, con una irreversible enfermedad, ha colocado con la intención de que, cuando él muera, toda la humanidad le acompañe… Esta aventura me encantó, porque te deja, cuando la lees con diez años, sencillamente desconcertado con su inesperado y ciertamente ambiguo final, y por tanto llegué a considerar en su momento que tendría continuación en el número siguiente, y lo cierto es que no fue así.

El nº 1 nuevamente me produjo sentimientos contradictorios, como el 2, porque, en mi ingenuidad (téngase en cuenta que, salvo el 200 USA editado por Vértice, NADA sabía del grupo), creía que, como en todo número uno que se precie, se contaría el origen del grupo y su formación… Evidentemente, no fue así, y ello me decepcionó, lo reconozco, pero por otra parte, este primer número me causó una impresión muy positiva porque incluyó dos elementos nunca antes vistos en una edición española, uno de los cuales sería una característica y genuina aportación de Forum a las ediciones españolas de los cómics de superhéroes de Marvel que se habían dado hasta el momento… El primer elemento fue una ficha a doble página con los rostros de los componentes que habían formado parte del grupo (o formarían, ya que incluía miembros que aún no se habían incorporado al mismo... En el momento en que Forum inicia la colección, claro está; en USA ya habían ingresado de sobras), precisamente dibujada por John Byrne, y el otro fue un artículo introductorio de la serie en que, mira tú por dónde, se hacía un somero repaso al “verdadero” origen del grupo, allá por 1963… Este artículo, en números posteriores, quedaría “reconvertido” en ese carismático elemento del que hablábamos unas líneas más arriba, el cual hizo que Forum consiguiera, en aquella primera e ilusionante etapa de su longeva trayectoria editorial, ese peculiar encanto e imprescindible aliciente que la definirían, entre otras cosas que posteriormente aportaría a la edición nacional de los cómics Marvel, en todo un referente para las editoriales que vendrían tras sus pasos: el correo de los lectores. Con Forum la comunicación entre editorial y lectores se hacía realidad… La aparición de singulares personajes en sus páginas (Dr. Átomos, Profesor Loki, Prof. Osuya, Doc Skull…) que se encargaban de contestar las inquietudes de los aficionados convirtieron los correos en parte ineludible del cómic y la misma antesala del mismo (ya que se publicaban en la página 2), haciendo de esta atractiva sección, ya por completo desaparecida en las publicaciones actuales de las principales editoriales, justificando el progreso (internet y el susodicho e-mail) como excusa barata para su desaparición, en una lectura obligada entonces para estar debidamente informado de lo que se cocía al otro lado del Atlántico, despejar las dudas que podían acarrear ciertas lecturas o conocer más sobre el pasado de los personajes.

El correo fue una parte importante de los tebeos de Forum, y quizás el elemento más indudablemente añorado en los cómics que se publican en la actualidad, cuyos responsables lo llevan considerando innecesario (por lo comentado antes) desde unos años a esta parte (curiosamente, desde que Panini tomó el relevo de Forum en cuanto a la edición española de Marvel), algo en lo que no podían estar más equivocados, porque la opinión del lector, sea vía carta o vía mail, siempre ha sido, es y será importante, y por tanto merecía ser publicada antes, y lo merece ahora, y no obviarla en beneficio de absurda autopublicidad o de artículos o reseñas de vacuo contenido.

Continuará...

La primera de todas fue “Los Vengadores” Volumen I de Forum (I)

2011-06-30T12:20:00.007+02:00

Aunque mis primigenios contactos con el género superheroico se remontan a la lectura más o menos constante de ejemplares de “La familia Superman” de Valenciana, de las tan denostadas ediciones de “Spiderman” y “La Masa” de Bruguera, amén de disfrutar con alguno de Batman por aquí y otro de Superman por allá también de la misma editorial, o incluso con la adquisición de más de uno y de dos tebeos de Vértice del “Capitán América”, el Hombre de Hierro o los mismísimos Vengadores, lo cierto es que con el Volumen I de los Héroes más poderosos de la Tierra por parte de la que se conoció inicialmente como Ediciones Forum (luego absorbida dentro del grupo Planeta), aparecido en febrero de 1983, empezó mi verdadera etapa como aficionado, lector y coleccionista de cómics, enfermedad compulsiva ésta que, por suerte o por desgracia (más bien lo primero, aunque a veces reconozco que me dan ganas de abandonarla) perdura hasta la actualidad.

“Los Vengadores” de Forum fue sin duda el primer título que, durante tres años, hasta la compra del nº 35, último de mi particular colección, hice de manera constante, mes tras mes, sin saltarme un solo ejemplar, una acción ésta que, aunque ahora abrumadoramente lógica, en aquel tiempo se convertía en una tarea de lo más ardua, dada la enorme carencia de una distribución en condiciones. Antes de Forum, el conseguir dos ejemplares de una colección seguidos, al menos en Cádiz, era una tremenda hazaña, sobre todo si esos dos números pertenecían a una serie publicada por Vértice… Las caóticas ediciones de esta mitificada editorial, sumadas a una distribución si cabe más caótica, hacían que seguir una serie de manera regular fuera, sobre todo para un criajo como yo que aún no levantaba metro y medio del suelo, algo prácticamente imposible de materializar.

Con Forum esto cambió, y no sé por qué, en verdad… Quizás la nueva editorial se preocupara más porque sus productos llegaran a las viejas librerías y quioscos de barrio (¿librería especializada…? ¡Anda ya!) de manera algo más eficiente, a pesar de las consabidas insuficiencias, acentuadas en una ciudad tan pequeña como aquélla que me vio nacer y crecer… Recuerdo que en muchos ejemplares de Forum te encontrabas en ocasiones una pequeña pegatina donde se leían las siglas de la distribuidora: R.B.A, una empresa altamente conocida cuya parte editorial, aún hoy, se fundamentaba en la publicación de coleccionables… Quizás el hecho de contar con R.B.A. a la hora de distribuir los nuevos cómics hiciera que éstos llegaran con más facilidad al lector potencial, y en aquellos tiempos, lo aseguro, yo era un lector de cómics de superhéroes MUY potencial… Tanto, que esta compra inicial de los Vengadores ayudó a que la simultaneara, durante bastante tiempo, con la compra del Daredevil de Miller (¡qué bueno que era!), la recientísima colección de Indiana Jones, ciertas etapas de Spiderman, de Hulk , de Conan y, dos años después, con las nuevas ediciones del Capitán América, el fantástico y nunca bien ponderado Alpha Flight de John Byrne y de la Patrulla-X… En medio de todo esto, también apareció Zinco, y sus iniciales títulos de Superman, Batman y sobre todo, de los Nuevos Titanes, que me encantaban, tuvieron su pequeño huequecito entonces.

Sí, esta primera y “seria” etapa como lector y coleccionista de cómics se propagaba de manera firme y segura, pero su verdadero origen fue, como ya digo, esa, puede que ocasional, oportuna, fortuita, o quizás predestinada, compra de “Los Vengadores”… Concretamente, del número 2 de dicha serie.

Continuará…

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (V)... Y la DC de entonces

2011-06-28T11:12:00.011+02:00

A partir de esta quinta entrega de las portadas publicadas por Dell Comics en su colección dedicada al Llanero Solitario (y centradas en la figura de Clayton Moore) introduciremos en las sucesivas entradas un nuevo elemento que confío las haga más atractivas: cubiertas de cómics de la DC contemporáneas a la del ejemplar que corresponda del enmascarado en cada post. Así, en febrero de 1958, Dell Comics publicaba el número 116 de "The Lone Ranger", en cuyo interior el lector podía encontrar las siguientes aventuras de su héroe favorito (tres en esta ocasión): "The Great Stage Race", "The Blocked Train" y "Dan Reid's Ordeal". Young Hawk vuelve a protagonizar un nuevo relato, esta vez sin título, y de nuevo un texto de una única página clausura el cómic: "BackFire".

La cubierta es una excelente fotografía de Moore, donde el héroe, con la vista fija en el propio lector, se dispone a entrar en acción desenfundando sus dos revólveres.

Ese mismo lector que podía encontrar en febrero de 1958 en su tienda de cómics el ejemplar reseñado más arriba, probablemente podría hallar asímismo este número de Batman, el 113 (qué curioso, tan sólo tres números por debajo de la colección del Llanero) en un expositor o estantería cercana... En los años 50, los superhéroes no vivían su mejor momento, y tan sólo subsistían Superman, Batman, Wonder Woman y la versión juvenil del primero, Superboy. El mercado americano de entonces en cuanto a cómics estaba inundado de títulos dedicados al "western", al género bélico, al romántico incluso, y cómo no, al meramente infantil; la ciencia-ficción y el terror merecían una atención aparte, dado que eran los géneros más en alza por aquellos años (los célebres títulos de EC Comics, por ejemplo, dedicados al tema de horror)... Aún faltaban unos años para que se diera inicio a la que se conoció como La Silver Age (La Edad de Plata de los cómics), con el célebre cómic de DC "The Flash of Two Words", a partir del cual los superhéroes de la editorial volverían al plano de la actualidad con nuevas y remozadas versiones de aquéllos que surgieron en los años treinta y cuarenta fundamentalmente... Luego vendría el resurgimiento de Marvel, pero eso ya es otra historia...
En febrero de 1958, el cruzado de la capa vivía en la serie cuyo nombre encabezaba una extraña aventura contra seres alienígenas (la ciencia ficción lo absorbía absolutamente todo), una historia que, a raíz del desprestigio en que cayeron los superhéroes unos años antes, siendo considerados mala influencia para los más jóvenes (el libro "La seducción del inocente" y su mismo autor, Fredric Wertham, tuvieron mucho que ver en dicho descrédito), ya estaba avalada por el tristemente famoso Comics Code Authority, un código censor increíblemente aún vigente, sobre todo en DC (Marvel lo abandonó en 2001), aunque por fortuna cada vez más en desuso.

En próximas entradas proseguiremos, conjuntamente con la serie del Llanero de Dell Comics, con este repaso nostálgico por la DC de finales de los cincuenta a través de ciertas cubiertas de los títulos que publicaba por aquel entonces, sin restringirnos a sus personajes más conocidos, dada la variedad y riqueza de colecciones de la editorial en aquellos años.

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (IV)

2011-06-22T11:11:00.004+02:00

Comenzamos 1958, y Dell, a pesar del cierre de la serie mítica de televisión del Llanero Solitario seis meses atrás, continúa publicando su colección de cómics, paradójicamente con la sempiterna imagen del gran Clayton Moore en las portadas. En esta ocasión, el número 115, contenía las siguientes historias: "The Spoil-Takers" y ""The Indian Raiders", ambas protagonizadas por el famoso enmascarado... Young Hawk de nuevo encabeza una nueva aventura de complemento, y el relato "Swindle", de una única página y sólo texto, clausura el ejemplar, cuyo precio se mantiene en 10 centavos.

En la cubierta, Clayton Moore, protegido tras un grueso muro, se prepara para responder una desconocida agresión... ¿De quién?

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (III)

2011-06-19T22:39:00.003+02:00

En diciembre de 1957 salía a la venta el número 114 de "The Lone Ranger" de la mano de Dell Comics. Con un precio de portada de 10 centavos, el lector disfrutaría en este ejemplar de dos aventuras protagonizadas por el Llanero Solitario: "Escape" y "The Buffalo Hunt". El joven indio Young Hawk goza de una nueva historia en solitario como complemento y el cómic se cierra con un relato narrado de una única página: "The Green Hand"... En la portada, Moore, como el Llanero, dispuesto a enfrentarse a un desconocido peligro con ambos "Colts" desenfundados.

Aquel viejo y ansiado reloj del Comando G... ¡Mutación!

2011-06-17T23:44:00.011+02:00

En 1980 llegó a aquellas viejas pantallas de nuestros televisores (muchos de ellos aún en blanco y negro) la sucesora natural de "Mazinger Z" en cuanto a aquel primitivo anime (dibujos animados japoneses, para entendernos) con que Televisión Española tuvo a bien deleitarnos a los niños de entonces... En la sobremesa de los sábados irrumpió con fuerza lo que aquí se dio a conocer con el nombre oficial de "La batalla de los planetas" (obsérvese la búsqueda del intencionado paralelismo en el nombre con otro gran fenómeno de la época, cuya afición sigue creciendo -por fortuna- en la actualidad: "La guerra de las galaxias"), pero que, entre los chavales que éramos entonces, pasó a llamarse simplemente "Comando G"... Y creo que Parchís en esto tuvo mucho que ver :D.

El Comando G estaba formado por cinco jóvenes aparentemente normales, que por estos lares fueron conocidos como Mark (el líder), Jason, Princesa (la única chica del equipo), Keyop (el más joven) y Tiny. Sin embargo, cuando las amenazas de allende el espacio, sobre todo focalizadas en las hordas al servicio del malvado Zoltar, se cernían sobre el planeta Tierra, estos muchachos se convertían, gracias a unos milagrosos relojes que aparentemente pasaban inadvertidos en sus muñecas, en un grupo de extraordinarios héroes cuyas ropas de combate aludían a diferentes razas de aves... Con el brazo en ristre y exclamando la singular palabra "¡Mutación!" (pocos mutantes conocíamos por aquí entonces :D), el quinteto quedaba así preparado para presentar batalla a las tropas de Zoltar.

La serie en España, como no podía ser de otro modo, fue un considerable éxito; el grupo infantil Parchís le dedicó una pegadiza banda sonora, y el merchandising no se hizo esperar... Pronto aparecieron los cómics que adaptaban las aventuras televisivas (de los que por cierto yo adquirí bastantes), muñecos que representaban a los personajes, y por supuesto, artículos que te permitían emular a tus héroes de la tele... ¿Y qué artículo emblemático podías poseer para jugar al Comando G que no fuera el improbable y caro disfraz de entonces...? Exacto: el reloj con el que Mark y compañía conseguían sus poderes.

El reloj de juguete que se puso a la venta basado en el Comando G fue un éxito tremebundo... En Cádiz, durante las primeras semanas de su lanzamiento, era labor imposible hallar ejemplar alguno en un quiosco o librería... Llegué a patearme con mi padre los locales más remotos de la ciudad en busca de un ansiado reloj de plástico, pero, en principio, no hubo manera... El hecho de no conseguirlo, a pesar de mi constancia y obstinación, llegó a frustrarme tanto, que incluso me propuse a mí mismo que, hasta que no encontrara tan ansiado juguete, no volvería a sonreír (?)... Cosas de niños. Por suerte, la sonrisa volvió a aflorar a mis labios pocos después, porque las mermadas existencias de relojes fueron repuestas en los quioscos de Cádiz y por fin, un ídem del Comando G estaba en mi poder.

El llamado "reloj" del Comando G no era otra cosa que una pulsera de plástico monocolor (aunque ésta podía encontrarse con diferentes tonalidades, lógicamente), y en el lugar de la esfera se reproducía el pentágono característico del reloj de la serie y en su interior un holograma con idéntica forma; según movías el reloj a un lado o a otro, en el holograma se veía la figura de uno de los personajes o la nave Fénix, que era el vehículo donde todos los integrantes del Comando G se reunían para entrar en acción de manera conjunta y que era pilotado por Tiny.

Cuando jugábamos al Comando G, las preferencias estaba claras: o queríamos ser Mark o queríamos ser Jason. Era lógico; Mark era el líder y pilotaba un caza que, en caso de necesidad, se resguardaba en la nave principal, el Fénix, y Jason pilotaba un impresionante coche deportivo que igualmente quedaba protegido en el vehículo de Tiny. Si no había ninguna niña que jugara con nosotros, evidentemente nadie iba querer hacer de Princesa; Keyop, por otra parte, era el gracioso del grupo, el más crío, y el más feo, todo hay que decirlo, y Tiny, simplemente, estaba gordo; su físico no era el que correspondía a priori a un superhéroe... Por todo ello, Mark y Jason eran los preferidos.

No sé qué pasó con el reloj ni si adquirí alguno más con posterioridad... Imagino que quedó sumido en la amalgama de juguetes que inevitablemente acumulas de crío y que luego, de manos de "aquélla que todo lo puede", o sea, tu madre, encuentran su destino final y fatal en la basura... Cuando me planteé hacer este post, busqué frenéticamente por Internet alguna imagen o foto en la que hubiera quedado perpetuado tan singular juguete básico en nuestra particular historia y de este modo, adornar esta entrada con ella, pero la tarea ha resultado del todo infructuosa. Al parecer, nadie conserva un reloj de plástico del Comando G, y si lo conserva, prefiere mantenerlo en secreto (lo entiendo; ¡es un arma muy poderosa! :D)... Lástima, porque si alguien de mi quinta lee estas líneas, estoy convencido que, como yo, recuerda el famoso relojito y las horas que se pasó en la calle jugando con él en la muñeca y al lado de sus amigos, gritar eso de "¡Mutación!" con el brazo en alto, haciendo volar lo más alto posible la imaginación para que ésta dotara a ese trozo de plástico el verdadero poder de convertirnos en héroes.

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (II)

2011-06-15T23:12:00.006+02:00

Continuamos con este paseo nostálgico por las portadas de la clásica colección del Llanero Solitario publicada por Dell Comics a partir de la presencia del insuperable Clayton Moore en las mismas... La portada de hoy corresponde al número 113 de la serie, de noviembre de 1957. Las aventuras que incluyó el susodicho ejemplar centradas en el enmascarado fueron "The Legend of the Lone Ranger" (es decir, el origen del héroe) y "Into Death Valley." De nuevo el personaje de Young Hawk goza de un breve relato de complemento y el número se completa con una historia sólo de texto de una única página: "Fourflusher." En la cubierta vemos a Moore en plena acción, reduciendo a un traicionero forajido... El precio original de dicho cómic ascendía a 10 centavos.

Otra portada con el -horrible- traje

2011-06-13T20:34:00.006+02:00

En las mejores páginas en español dedicadas al Hombre de Acero (las de Javi Olivares y Mariano Bayona, principalmente) ya circula esta otra versión de la portada del número 1 de "Superman", cuya autoría es de ¿? ¿Jim Lee? No es su estilo... La cubierta no viene firmada... ¿Qué pasa, que no quiere el dibujante que la ha realizado verse crucificado por los que algunos ya denominan fans "talibanes" (grupo en el que, quien lo desee, puede incluirme, no hay problema)... En todo caso, no habría que "lapidar" al pobre dibujante, sino a los responsables de DC que han permitido y bendecido tan horripilante modificación en el mejor uniforme superheroico de la historia, y no; no me sirve que DC pierda los derechos sobre el mismo en el 2013... Las cosas, cuando interesan, se solucionan, pero claro, es más barato realizar un nuevo diseño para el mejor superhéroe de todos (¡que encima es horrible! Al menos, podrían habérselo currado un poco más) que soltar billetes a los sucesores de Siegel y Shuster.

¡Pobre Superman! ¡Y pobre DC!

P.D.: Aunque una cosa está clara, reconozcámoslo: El maldito cambio supondrá, en principio, un meteórico ascenso de ventas en el título... Y es que, al fin y al cabo, nos gusta el morbo.

Armie Hammer portará la máscara

2011-06-13T11:23:00.008+02:00

Se confirmó hace escasamente un mes: Armie Hammer, joven actor de 25 años, cuyo trabajo más destacable hasta el momento ha sido su participación en el film "La Red Social", será el que tenga la más que difícil misión de embutirse las ropas (y sobre todo, la máscara) del Llanero Solitario en el ambicioso proyecto de Disney que prepara Gore Verbinski ("Piratas del Caribe" 1-3) para el que cuenta, como ya es sabido, con la participación de Johnny Depp en el papel del indio compañero del héroe, conocido por los lares hispanos como Toro (Tonto en el original). Creo personalmente que la elección de dicho joven actor para tan trascendental papel no responde a simple arbitrariedad o suerte, sino que la misma obedece en parte a la influencia ejercida por la más reciente versión del personaje que nos ha concedido la editorial Dynamite Entertainment con su ya fenecido título dedicado al famoso enmascarado del Oeste, y en el que el protagonista rejuvenecía respecto a su compañero (justamente lo que pasará en la futura película) con la más que evidente atención que capte mayoritariamente el interés del público acosado de acné.

Se comenta por la red que Hammer, además de ser una cara bonita, goza de buenas dotes interpretativas, lo cual me satisface más aún... Si ello es cierto, no le costará elevado esfuerzo superar la imagen del personaje que nos dio en 1981 el más que olvidado Klinton Spilsbury (aunque Spilsbury, lo siento, es una debilidad personal... Cosas de la infancia); su labor más difícil, por no decir imposible, será superar a Clayton Moore. Es cierto que los héroes, cuando gozan de tan longeva trayectoria en los cines o la televisión y necesitan, con el paso del tiempo, nuevos rostros que los identifiquen, amén de nuevas motivaciones aplicadas a nuevos tiempos (véase James Bond), éstos cuentan siempre con el hándicap de, si no hacer olvidar, al menos sí esforzarse por mantener (o cambiar, siempre que sea acertadamente) el carisma que concedió al personaje en cuestión el actor que lo abandona por los motivos que sean. Evidentemente, no siempre se consigue, pero eso es secundario para las generaciones que se criaron, por ejemplo, con el Bond de Roger Moore o con el de Sean Connery. Para unas y para otras, el actor en cuestión siempre será Bond, y el otro, "uno que lo hizo antes o después", dejando aparte las cualidades interpretativas de uno u otro... Con el Llanero pasará lo mismo: sabemos que Clayton Moore, por motivos muy conocidos y expuestos sobrada y precisamente en este blog, será insuperable, a pesar de que , en mi caso particular, el Llanero tuvo el rostro cinematográfico primigenio de Klinton Spilsbury, y por tanto no puedo negar que ello me marcó, independientemente de su ¿de verdad mediocre? interpretación. Con Armie Hammer pasará lo mismo: los jóvenes de hoy día lo recordarán como el Llanero Solitario del siglo XXI, y por tanto para ellos él será siempre el Llanero (y los demás nos esforzaremos para pensar y creer que, al menos en una mínima parte, también lo es)... Y confiemos en que lo sea durante varias películas, para beneficio del personaje.

X-men: Primera generación: la continuidad… hacia atrás.

2011-06-12T23:24:00.011+02:00

Cuando se estrenó “X-men” en los cines en el año 2000, brotaron de todas partes numerosas voces de protesta, sobre todo procedentes de los más fervientes defensores de la fuente original, que denunciaban la poca fidelidad de la adaptación cinematográfica respecto al cómic en que se basaba. No obstante lo anterior, la película fue un notable éxito; Bryan Singer, su director, supo plasmar eficazmente, a pesar de todas las licencias que se permitió, el espíritu del cómic de Marvel consiguiendo una de las mejores películas de superhéroes hasta ahora realizadas, amén de lanzar al estrellato a Hugh Jackman, el actor que encarnaba a Lobezno. La trascendencia del film fue tal, que ésta influyó al cómic en el cual se inspiraba, paradójicamente, y la imagen que nos proporcionaron los mutantes en el cine se traspoló a las páginas impresas.

La película dio para dos secuelas, y como viene siendo habitual, la tercera incursión en el cine, aun contando con elementos muy positivos, no consiguió el favoritismo de las dos precedentes. Quizás por ello, a la hora de plantearse con la continuidad de la franquicia, sus responsables, además de dotar de oportunidad en solitario al miembro más famoso del equipo, decidieron, en lo que se refería a todo el equipo, por echar la vista atrás, en lugar de seguir adelante, y de ese planteamiento surgiría el nuevo título cinematográfico de los mutantes: “X-men: First Class”, o en cristiano, “X-men: Primera Generación”.

XMPG nos traslada, como su nombre indica, a los orígenes del grupo, unos orígenes radicalmente distintos a los narrados por Stan Lee y Jack Kirby en 1963, aunque sí prácticamente contemporáneos a éstos, y ante este nuevo proyecto aparecen nuevamente protestas y quejas por parte de los que se han empapado durante la mayor parte de su vida con los mutantes más famosos de la historia, y que no son otra cosa que una extensión de aquéllas que aparecieron en el 2000. No voy a defender ni denostar las posturas de los detractores (aunque normalmente soy partidario de que, si los cambios son para bien, bienvenidos sean, como fue el caso de “X-men”); tan sólo me voy a ceñir a la más pura lógica, y ésta es que cuando surge el problema de gestar una historia que acontece antes de otra, y ésta ya ha sido nada menos que desarrollada en tres partes, siendo además una adaptación, con las licencias que eso supone, de un cómic tan arraigado y famoso, es necesario, aunque suene a perogrullada, mantener la coherencia con esa trilogía, por muy chirriante que dicha coherencia pueda parecer a los más puritanos de la fuente original.

XMPG lo consigue de sobras, he de decir, y lo más loable de ella es que nos retrotrae a ese espíritu original del que antes hablaba que tan bien Bryan Singer (aquí mero productor) supo imbuir en la primera y segunda parte de la saga; no es nada fácil manejar un buen número de personajes durante poco más de dos horas y que éstos, en su abrumadora mayoría, transmitan interés, interactúen eficazmente entre ellos y quizás lo más importante, mantengan una personalidad y características coherentes con lo que se nos ha contado de ellos en las películas anteriores-pero-que-son-posteriores… Todo esto demuestra aplicarlo con suma eficacia Matthew Vaughn a lo largo de todo el metraje. Vaughn pone en práctica, como alumno aventajado, las lecciones del maestro Singer, consiguiendo un muy notable producto cinematográfico que sabe captar y lo más importante, fomentar la atmósfera original de la primera trilogía, que por otra parte no es otra cosa que la paradójica continuación de esta “First Class”, por lo que el resultado final es netamente meritorio.

Además de todo esto, y claro está, por la historia tan peculiar que narra, XMPG se convierte en un curioso film mezcla de géneros (sabe combinar de modo perfecto y equilibrado el cine de espionaje ambientado en la Guerra Fría con el género íntegramente superheroico, dotándolo de un añejo sabor “pop”) que, aunque se ha calificado como orientado a un público eminentemente juvenil –quizás porque la adolescencia caracteriza a la mayor parte del elenco- , para mí es uno de los films de superhéroes de tono más sombrío o adulto que he visto, ésa es mi impresión. Y ello puede ser debido a la historia y razones que impulsan al que es uno de sus principales protagonistas (si no el que más): Erik Lensherr, más conocido como Magneto.

Tal como ocurría con Lobezno en la trilogía original y el actor que lo encarnaba tanto en ésta como en su incursión en solitario, en XMPG es Michael Fassbender, quien pone cara y ojos a un Magneto evidentemente más joven que el que dio vida Ian McKellen en las otras tres películas y, sobre todo, a un Magneto sumamente vengativo, el verdadero eje alrededor del cual gira el resto de personajes y en suma, toda la trama de la película. El carisma que sabe proporcionar Michael Fassbender a Magneto, con todo lo que ello conlleva, lo convierte sin dudar en el mejor personaje de toda la cinta; Fassbender, con su presencia en la pantalla y sólido empaque, trasmite con total convencimiento las motivaciones de su personaje, y con ello se “come” interpretativamente al resto del reparto. Tan sólo le hace sombra, como no podía ser de otro modo, el actor que cede su físico a un joven Charles Xavier, James McAvoy. Así, en XMPG asistiremos a una peculiar interpretación del origen de la amistad entre Xavier y Magneto, esa pareja de amigos que comparten un deseo de bienestar para sus congéneres, pero cuyos planteamientos para su consecución son diametralmente opuestos. Esta primera afinidad y posterior confrontación era necesaria plasmarla en la pantalla, para –una vez más- mantener la coherencia con las otras películas, y tanto McAvoy como Fassbender saben transmitirla de modo notable.

Dada la utilización de personajes en las anteriores películas que en el cómic son la génesis de la formación del grupo (Cíclope, Jean Grey, el Hombre de Hielo y el Ángel), la “First Class” que nos enseña esta precuela, en aras –de nuevo- de la coherencia fílmica, casi nada tiene que ver con el clásico primer equipo de Lee y Kirby, a excepción de Hank McCoy, alias la Bestia, que en esta película mostrará sus primeros pasos en vistas a los objetivos que el personaje se marca en “X-men: La Decisión Final”, y para enfatizar aún más si cabe en esa conexión tan defendida a lo largo de todo este post entre las otras películas y ésta, un miembro muy conocido de los mutantes hace un breve y explícito cameo en XMPG, manifestando en una concisa exclamación la verdadera naturaleza del personaje.

“X-men: Primera Generación” es para mí una de las mejores películas de superhéroes que he visto hasta el momento. Su ritmo, a pesar de que algunos la han calificado en ciertos momentos de aburrida, para mí presenta una ejecución impecable; el manejo y distribución de los personajes es el apropiado y en el caso de los principales protagonistas, su interrelación, que apenas presenta fisuras, es lo mejor de toda la película. Los efectos especiales, sin ser especialmente espectaculares, cumplen con su objetivo y la historia, me reitero una vez más, crea un vínculo homogéneo con lo ya contado, una labor nada sencilla cuando se trata de ir hacia atrás en lugar de adelante, y por tanto digna de agradecer tanto para el espectador educado con estos X-men “de película” como para el lector avezado en los “de siempre”, al que gustará o no la visión plasmada en el film de sus tan queridos personajes, pero de lo que no podrá dudar es de la calidad intrínseca del mismo como producto de género... De género superheroico.

"The Lone Ranger" de Dell Comics: Galería de portadas (I)

2011-06-12T11:43:00.006+02:00

Dell Comics empezó a publicar "The Lone Ranger" en enero de 1948, pero no es hasta el número 112, en octubre de 1957, en que la mítica figura de Clayton Moore apareció por primera vez en una cubierta de la clásica serie (la serie de televisión, por cierto, había finalizado unos meses antes, en junio). El ejemplar contuvo las siguientes historias dedicadas al Llanero: "Trapped in the Lone Ranger's Cabin" y "The Refuge". Como complemento se publicó una aventura de Young Hawk y una historia narrada de una sola página: "Desert Message."

Portada de Superman # 1, que es como decir "¿Qué mierda es esto?"

2011-06-11T10:56:00.005+02:00

Con el -enésimo- "bombazo" por parte de DC de relanzar todas sus colecciones desde el número 0, se empiezan ya a filtrar detalles concretos sobre este nuevo relanzamiento: equipos creativos, cambios sustanciales en algunos personajes y, claro está, imágenes que manifiestan todos estos rumores que circulan. En la red ya tenemos la que será a priori la portada del nuevo número 1 de, entiendo, la coleccion "Superman", que al parecer correrá a cargo de George Pérez, dibujante que, junto con John Byrne, creo que son los dos ejes principales del comic book americano de los años ochenta (o al menos, para mí lo son :D). Que George Pérez dibuje una colección dedicada al Hombre de Acero (y no sólo el primer ejemplar, como parecen indicar las noticias aparecidas hasta ahora) es sin duda una excelente noticia; lo que ya no es tanto es el cambio brutal en el uniforme del superhéroe, una vestimenta que ha estado vigente durante más de 70 años y que de manera indudable es quizá, junto con el de Spiderman, el uniforme superheroico más famoso que existe. Superman es todo un icono del cómic, no ya americano, sino mundial, creo que eso está claro, y lo es por varios motivos: su longeva trayectoria editorial, su traspolación a lo largo de los años a otros ámbitos ajenos al cómic, su personalidad, construida por múltiples autores con el paso de las décadas, y por supuesto, su imagen, que es quizás lo más importante; el uniforme de Superman forma parte de él y de lo que representa. No es sólo el atuendo que utiliza para luchar contra el mal. Cambiar un disfraz que ha servido y que ha funcionado de manera tan notable durante tantísimos años creo que supone un tremendo error... ¿Tan molestos estaban en DC con los famosos "calzoncillos" rojos? Si eso es un problema, ¿por qué no se los quitan al resto de superhéroes que también los lucen? ¿Y a qué viene el rollo éste de pseudo-armadura? ¿Necesita realmente Superman una vestimenta así? Pero vamos a ver, ¿no es invulnerable?

Con la poco apropiada modificación del "look" del primer y mejor superhéroe, DC peca ostensiblemente de una total falta de respeto por el que es su más icónico y famoso personaje, según creo yo, y buscando un pobre interés por parte de un público más joven y desconocedor de Superman (y es que yo me pregunto, ¿hay alguien que no sepa quién es Superman?), provoca al mismo tiempo lógica polémica y rechazo del lado de los coleccionistas y lectores más -y no tan- veteranos. DC pretende, con este rollo del "relanzamiento" un reset no sólo en la numeración de sus colecciones, sino en otros aspectos que han sido sagrados desde sus inicios, y si lo han sido es porque la abrumadora mayoría de aficionados se ha mostrado de acuerdo para que así lo siguieran siendo; con esta muestra de, digamos, "valentía" por parte de la editorial, que pretende cambiar pilares asentados desde tiempo ha, demostrando con ello que nada es inamovible, DC volverá a pegarse un nuevo y monumental trompazo, estoy convencido. El nuevo uniforme de Superman no convencerá a casi nadie, quizás lo "aguanten" hasta el estreno de "The Man of Steel", motivo presumiblemente por el que se ha decidido tan drástico giro en la vestimenta del gran "S" (se rumorea que el uniforme que portará Heny Cavill en el film es similar), pero después, como siempre suele ocurrir, darán marcha atrás, regresando a los orígenes (orígenes, por cierto, que cuentan una y otra vez, sin saber el lector de Superman con cuál quedarse), y justificando dicho regreso con algo así como que "Superman es una leyenda del cómic y si lo es es por todo aquello que le rodea, y el uniforme es una parte fundamental de ese conjunto", o chorradas similares del Didio, en lugar de decir "la he vuelto a cagar; he querido hacer lo que me ha salido de los c..., como siempre, y la cosa, como siempre (again) no ha funcionado".

Señor, perdónalos porque no saben lo que hacen.

¡Ya tenemos fecha!

2011-06-09T12:52:00.006+02:00

Se ha hecho de rogar, pero al fin parece confirmada la fecha de estreno de "The Lone Ranger" de la Disney... Además, quedan ratificados rumores que han circulado por todos los ámbitos conocidos desde que se supo que la megaproductora estadounidense se encargaría de llevar al cine una nueva versión del famoso enmascarado del Oeste. Los detalles esclarecidos hasta el momento los podéis consultar aquí:

http://www.elmulticine.com/noticias2.php?orden=433506

Estaremos muy pendientes de todo lo relacionado con este proyecto que esperemos llegue a buen término y, lo más importante, se convierta en un todo éxito de taquilla.

"Spy Smasher" (1942)

2011-06-08T22:44:00.010+02:00

Tras el visionado del serial "Atom Man vs. Superman", tenía claro que la grata impresión que me había llevado con éste deseaba seguir experimentándola con un nuevo serial de similares características, esto es, un serial con superhéroe de protagonista, y en lugar de centrarme en productos clásicos dedicados a iconos del cómic americano como Batman o nuevamente el mismo Superman, el interés y la curiosidad me llevaron a conceder una oportunidad a un serial centrado en la figura de un personaje ciertamente de llamativo nombre: "Spy Smasher" (el Aplastador Espía). Dado que dicha traducción al castellano (espontánea, todo hay que decir) invita, por el sentido más bien ridículo de la conversión, a la mofa, al desconcierto, o a ambas cosas por parte del practicante de la lengua de Cervantes, los responsables de los subtítulos que me han servido de comprensión y disfrute de este serial optaron por cambiar tan carismático nombre por otro más simple, funcional y siempre válido y recurrente:: "El Halcón Espía", o simplemente, "El Halcón".

El serial "Spy Smasher" está adaptado de un cómic de la Fawcett del mismo nombre. Es un personaje de características similares a Batman o al Blue Beetle de la llamada Edad Moderna de los comics. Spy Smasher (cuyo nombre real es Alan Armstrong) es un avezado detective, equipado con multitud de gadgets y un vehículo muy especial; el "Gyrosub", el cual es una portentosa combinación de avión, automóvil y submarino nada menos. Creado por Bill Parker and C. C. Beck (co-creador asímismo del Capitán Marvel, originalmente también de la Fawcett Comics y posteriormente de DC), Spy Smasher gozó de su primera aparición en Whiz Comics número 2 de febrero de 1940. Junto con el Capitán Marvel precisamente, Spy Smasher se convirtió en uno de los personajes más populares de dicha revista.

En el serial que aquí tratamos, el número 25 de los 66 producidos por Republic, el rebautizado "Halcón" es un agente norteamericano encubierto, descubierto en la Francia ocupada por los alemanes, donde es capturado y supuestamente ejecutado, y digo "supuestamente" porque, como no podía ser de otro modo, el héroe escapa de la muerte y regresa a Estados Unidos, donde se reunirá con Jack, su hermano gemelo, que a partir de ese momento colaborará con "El Halcón" en cuantas acciones llevará a cabo para desbaratar los planes de un misterioso y siniestro personaje, "La Máscara", quien opera desde un oculto submarino alemán próximo a la costa americana. "La Máscara", a lo largo de los doce episodios de que consta el serial, llevará a cabo variados ataques contra los Estados Unidos, dirigidos a hundir la economía del país en ocasiones como otros encaminados a la más pura destrucción de sus recursos o a los de sus (aún) encubiertos aliados (en el serial se hace patente la simpatía del coloso americano hacia los castigados aliados europeos pero no su intervención directa en el conflicto, lo cual hace suponer con toda lógica que el serial, que es de 1941, fue realizado y montado antes del fatídico ataque a Pearl Harbor).

Como es normal es un serial de las características de "Spy Smasher" -que a la postre deben ser las características comunes a cualquier serial- la acción es constante y vertiginosa; los diálogos entre los personajes son simples y lineales puentes entre misión y misión del personaje principal dirigida a acabar con los planes de su mortal enemigo. Las escenas de peleas y persecuciones, haciendo gala del genuino estilo del Hollywood más clásico, están extraordinariamente coregrafiadas y suponen todo un aliciente visual y una innegable descarga de emoción incluso para el espectador actual que culminan, como no podía ser de otro modo, en la inevitable secuencia final; el imprescindible clímax que deja al héroe en serio peligro al término de cada episodio.

Kane Richmond desempeña la doble labor interpretativa del héroe y su hermano gemelo Jack, papel éste creado expresamente para el serial, Richmond encarna el prototipo de galán del más clásico cine americano; su porte y constitución le hacían ideal para este tipo de papeles. No en vano, amén de encarnar a Spy Smasher, es recordado por su trabajo en el serial "The Shadow returns" de 1946, en el que se hizo cargo del doble rol de Lamont Cranston y su eterno alter-ego, La Sombra.

"Spy Smasher" es un correcto serial de aventuras, que nos ofrece la oportunidad de disfrutar de la adaptación en carne y hueso de un superhéroe de la Edad de Oro de los cómic-books americanos. Como producto de puro entretenimiento, es todavía vigente, lo cual aumenta considerablemente su valoración, demostrando por enésima vez que, aunque hoy día es imprescindible, no es necesario hacer alarde de la más moderna tecnología ni los más avanzados efectos especiales para contar una historia épica, de imparable acción entre buenos y malos. Es evidente decir que si "Spy Smasher" hubiera contado con los recursos de ahora, los habría empleado sobradamente, pero sin duda habría perdido, en beneficio de un film frío y sin contenido (ejemplo claro de ello es "Sky Captain and the World of Tomorrow", frustrado homenaje contemporáneo a los seriales) todo el encanto "naif" que posee, producto de la época en que fue realizado, por supuesto, pero indudablemente perdurable.

Trailers de "Green Lantern"... Uauhhhhh!!!!!!

2011-05-31T11:33:00.003+02:00

Sencillamente, me encantan... Lo cierto es que, a priori, pensaba que esta adaptación cinematográfica del guardían del sector 2814 iba a ser bastante mediocre; que Warner no iba a poner los medios necesarios para crear un gran espectáculo visual, dado que, al fin y al cabo, a pesar de ser archifamoso, Linterna Verde no pertenece a la "Trinidad" de DC (Superman/Batman/Wonder Woman, los tres pesos pesados de la editorial)... A juzgar por los trailers visionados, está claro que me equivoqué... La visión del mundo de OA, hogar de los guardianes de la galaxia, es sencillamente espectacular, y algunos de los Green Lantern Corps, como Killowog o Tomar-Re están extraordnariamente conseguidos (¡y no digamos ya Siniestro!). Ahora sólo falta esperar que, como habitual y desgraciadamente suele ocurrir, lo mejor de la película no esté en estas primicias. Espero que sea todo un éxito, amén de que podamos ver una buena película de superhéroes basada esta vez en un personaje de DC, que ya tocaba, porque hasta ahora daba la sensación de que la famosa editorial americana era incapaz de hacer un film decente (y reciente) de sus personajes en imagen real si éste no estaba basado en Batman, y DC es mucho más que Batman, doy fe de ello.

Por cierto, genial el juramento en inglés: "In brightest day, in blackest night, no evil shall escape my sight..."... ¡Me hago polvo diciéndolo! :DDDD

Decepcionante "The Cape"

2011-05-27T20:55:00.006+02:00

El que emitan en televisión una serie de superhéroes en imagen real supone sin duda todo un acontecimiento para aquellos que, ya sea desde ayer o a partir de un ya lejano y mágico momento, llevamos amando el género en su vertiente más básica y lógica: el papel; no importa si el susodicho producto televisivo adapta a un conocido personaje de alguna de las dos grandes editoriales norteamericanas Marvel o DC (y en cuyo caso estaría mirado con lupa; si no, fijaros en lo ocurrido con "Wonder Woman") o proceda de alguna de las llamadas editoriales independientes (que también gozaría de sus detractores, sin duda) o es, por contra, un héroe creado expresamente para la ocasión... El ver en la tele a un superhéroe en carne y hueso es, a priori, toda una delicia para los aficionados... Diferente es lo que resulte de su visionado.

"The Cape" pertenece a la tercera opción mencionada en el párrafo anterior. La NBC, ansiosa de buscar una digna sucesora de una de sus más famosas producciones que contaba asímismo con manifiestas influencias del género superheroico ("Héroes", querida y denostada a partes iguales), dio luz verde al proyecto de "The Cape". "The Cape" podía resumirse en una única palabra: TOPICAZO, y es que la serie no es otra cosa que eso: una sucesión de tópicos del cómic de superhéroes llevada a la pequeña pantalla que, una vez mezclados y enérgicamente sacudidos con mayor o menor eficiencia (sobre todo esto último), ha dado lugar a esta, si no estrictamente mediocre, sí poco brillante teleserie. En realidad, el hecho de que "The Cape" tome, homenajee o simplemente copie elementos mil veces tratados en cualquier cómic no supondría un lastre (vamos a ser justos: la inspiración, venga de donde venga, es inevitable) para ella si dichos tópicos hubieran sido empleados por sus responsables de un modo más eficaz, sin ligarse de modo tan extremo a la constante necesidad de mostrarnos que "The Cape" es un cómic en movimiento que quiere representar lo mejor del género, pero por desgracia, también exhibe todas sus carencias, y éstas , hay que decir, son abrumadoramente mayoritarias en la serie... "The Cape" pretende en ciertos momentos, a pesar de todo, ser original, pero finalmente se queda en una simple amalgama de fundamentos típicos del género que, en lugar de estar sabiamente empleados, rozan en ocasiones el más puro absurdo.

La sinopsis principal de la serie es un claro ejemplo de todo ello: En la ficticia ciudad de Palm City (¿guiño a DC?), un joven y honrado policía, Vince Faraday (David Lyons) dedica todos sus esfuerzos en desenmascarar la verdadera identidad del archicriminal de la ciudad conocido como Chess... Lo que nadie sabe (bueno, casi nadie) es que Chess es ni más ni menos que Peter Fleming, un eminente y todopoderoso empresario (¿Lex Luthor post crisis?) fundador de Ark, una agencia privada de seguridad que gracias a su influencia (y malas artes) se convertirá en la principal fuerza policial de la ciudad. Fleming cuenta con un peculiar enemigo: Orwell (Summer Glau, vista en "The Sarah Connor Chronicles"), un singular bloguero (bueno, más bien bloguera) y pirata informático (oseáse, una Oráculo, pero sin silla de ruedas) que tratará de desenmascarar a Fleming. Para ello contará con la ayuda de Faraday, pero este, cómo no, en el intento caerá en una trampa perpetrada por Ark, en la que se le tildará a él de ser el verdadero Chess. Faraday pretende huir de sus acosadores pero fracasa, siendo detenido y posteriormente ejecutado (o casi, porque si no, no habría serie :D).

De las garras de su aparente muerte le rescata un viejo artista circense, Max Malini (nuevo guiño a Marvel y DC: nombre y apellidos iniciados con la misma letra), que, además de contar con multitud de secretos de la vida en las pistas, es el jefe de una banda de atracadores, formada igualmente por artistas del viejo circo del que es propietario. Malini ayudará a Faraday en su peculiar venganza contra Fleming y Ark, convirtiéndose en su peculiar mentor, el cual le enseñará variadas técnicas circenses basadas en la ilusión, el escapismo y la acrobacia, amén de regalarle una prenda muy especial que, sabiamente manejada, se transforma en una auténtica arma: una capa. Esto le da a Faraday la idea de crear una personalidad enmascarada basada en el que es precisamente el superhéroe favorito de su hijo Trip, con quien leía todas las noches sus cómics: The Cape (y que recuerda mucho al mismo "Capa" de Marvel o a otro menos conocido de la misma compañía: Mortaja) . De este modo, aliado con Malini y Orwell, quien será en todo momento su apoyo táctico, Faraday intentará, a través de su nuevo alter-ego, limpiar su nombre y erradicar la corrupción y violencia que anidan en Palm City a causa de Ark y Fleming, siendo a la vez el particular protector de su propio hijo y su esposa, la cual siempre ha creído en su inocencia.

"The Cape", como ya he indicado, posee debajo de toda esta montaña de tópicos buenas intenciones y en algunos casos hasta pretende ser original; hay que reconocer que de sus escasos diez episodios hay algunos francamente notables (además del piloto, claro) como "Dice" o el dividido en dos partes, "The Lich", que cuenta con muy buenos momentos, pero también hay otros (la mayoría, por desgracia), francamente mediocres (los episodios 2 a 6, salvo "Dice" (el quinto), son infumables, la verdad) y alguno que prometía ser a todas luces interesante y bien plasmado en principio, como "Goggles and Hicks", se apaga irremisiblemente en su conclusión hasta quedar convertido en una nueva decepción, la impresión habitual de casi toda la serie.

Por todo ello, no es de extrañar que "The Cape" fuera tempranamente cancelada, hasta el punto de que el último episodio, "EndGame" (uno de los mejores de la serie, pero que deja multitud de incógnitas sin revelar, sin duda provocado por el precipitado cierre del "show"), sólo se vio a través de Internet en la web de la NBC. El espectador (sobre todo el avezado en superhéroes) de "The Cape", una vez vista íntegramente, se queda así con una amarga sensación de "quiero y no puedo, porque no sé hacerlo mejor" plasmada a lo largo de toda la serie, y uno, a pesar de ello, no puede calificar a "The Cape" a algo inferior a curiosidad o a serie mínimamente "visible"; al fin y al cabo, es una serie de superhéroes, y el aficionado al género, si bien no disfrutará a tope con la misma, le gustará mínimamente, la rechazará o incluso la criticará enfervorizadamente en según qué casos, estoy convencido de que, en términos generales, sabrá reconocer el esfuerzo de un producto que, si hubiera sido tratado de otra manera por sus artífices, manejándolo sin tanta dependencia a unas características mil veces vistas,, hubiera gozado de una repercusión bien distinta... O no, ¡quién sabe!

"Thor" (2011)

2011-05-15T21:43:00.007+02:00

Después del tremendo fiasco que me llevé con "Iron Man 2", sobre todo por la excelente impresión que me causó la primera parte, ha supuesto un enorme alivio por mi parte comprobar que, con "Thor", Marvel Studios ha sabido enmendarse, realizando un muy notable producto cuyo objetivo primordial -que a priori puede resultar evidente dada la película que tratamos pero que no siempre se consigue- aquí está sobradamente demostrado: el puro entretenimiento.

"Thor" es una película de superhéroes, eso está claro, y por tanto esto debe demostrarse en cada uno de los minutos que dura. Kenneth Brannagh realiza una más que correcta labor, convirtiendo el drama pseudo-shakesperiano, a los que es tan aficionado el director, del Dios del Trueno en un puro espectáculo visual, que se acopla milimétricamente a un argumento directo y lineal, tan propio del género al cual adapta; todos y cada uno de los tópicos del cómic de aventuras, sea cual sea su procedencia y origen, se muestran en "Thor" con un encanto irrefutable, y son tan magistralmente manejados que empleados en cualquier otra película, la habrían convertido en un esperpento soporífero y mortalmente aburrido. Con "Thor" esto no sucede; la película engancha de principio a fin, hipnotizando al espectador con una trama simple pero aderezada con unos maravillosos efectos visuales. La tecnología más moderna sirve para mostrarnos un Asgard imponente y majestuoso, una incontable legión de gigantes de hielo o unas tormentas imparables, todo ello enmarcando una historia sencilla y justamente por ello agradable. Así, en "Thor" los recovecos narrativos quedan postergados para dejar paso a la pura acción que agradece sumamente el espectador. Aquí no hay rodeos ni subtramas (al menos no hasta después de los créditos :D); todo sucede de manera ágil y cohesionada, bajo un ritmo, si no frenético a lo Stephen Sommers, sí adecuado y perfecto para una película de las características de "Thor".

Los guiños al universo del cual procede el personaje que adapta sabiamente Brannagh, como no podía ser de otro modo, están presentes de manera puramente anecdótica pero que el espectador avezado en Marvel sabrá agradecer. De este modo, aparece el nombre que durante gran parte de la vida editorial del personaje fue su alter-ego mortal, el doctor Donald Blake, que al golpear su bastón de lisiado en el suelo, se transformaba mágicamente en el Dios del Trueno; la agencia SHIELD, el denominador común en las últimas producciones cinematográficas de Marvel, vuelve a hacer acto de presencia, y en "Thor" concretamente conoceremos someramente a un más que célebre agente con una extensa trayectoria en el famoso universo comiquero (sobre todo el "Ultimate"). De igual forma que pudimos disfrutar de la presencia de la Viuda Negra en la segunda parte de Iron Man (uno de los escasos elementos salvables del film) en esta ocasión, aunque de manera puramente testimonial, veremos a cierto famoso arquero a las órdenes de la ultrasecreta agencia gubernamental.

Chris Hemsworth, el actor que encarna a Thor (y reciente marido de Elsa Pataky), sin realizar un trabajo interpretativo inolvidable, al menos sí resulta convincente como el aguerrido y soberbio dios asgardiano. Natalie Portman, por su parte, se limita aquí a ser la partenaire necesaria y simplemente complementaria, la cual dota de justificación al héroe para realizar el previsible cambio de carácter que crece inherente a su propia y nueva mortalidad.

Espero que el trayecto que ha encauzado "Thor" sepan continuarlo sus productores en las próximas adaptaciones que nos esperan de Marvel. Esta película demuestra de sobras que, aunque es necesaria e imprescindible la magia tecnológica que a día de hoy nos sabe proporcionar el cine (sobre todo para ver a los clásicos héroes de papel convertidos en celuloide), ello no es más que un complemento de lo que es fundamental: una pura historia de aventuras que sepa complacer a todos por igual.